"Голубой период" у Пикассо был спровоцирован долгой депрессией. В феврале 1901 г. в Мадриде Пикассо узнал о смерти своего близкого друга Карлоса Касагемаса. picasso painting the blue period delmonico books 2021 пикассо живопись в голубой период delmonico books 2021 издание альбомного формата 29х25 см в тве.
Триггер «голубого периода»
- "Голубой" период
- Мастер-класс «Пабло Пикассо. Голубой период»
- И Пабло, и Диего, и Хосе
- Голубой период Пикассо
- Лучшие картины «голубого периода»
- Голубой и розовый периоды в творчестве П. Пикассо
Пабло Пикассо
И эти методы он и берет на вооружение — упрощает формы, придает предметам и изображениям монументализм, его персонажи отныне похожи на идолов, а штриховка, которую он использует, напоминает насечки на деревянных скульптурах африканцев. Его изображения становятся будто трехмерными. Шедевры этого периода — «Три фигуры под деревом», «Дриада». Фото: Юлия Коршунова Аналитический кубизм 1909—1912 Этот период в творчестве Пикассо фантастическим образом изменил направление развития мирового искусства ХХ века.
Философия этого периода такова: живопись способна не только показывать то, что может видеть глаз, но и раскрывать суть вещей, их идеи, глубинные смыслы. Цвет для понимания не нужен, он только мешает, поэтому особенность живописи этого периода — монохромность. Пикассо сосредоточился на объеме и форме предметов, а также отказывается от выделения и разделения вещей по фактурности и материалам.
Есть ворсинки на ткани, нет их — это ничего не меняет, выписывать это не стоит, нет смысла, все сделано из одного и того же, реальность едина. Если посмотреть на картину «Девушка и мандолина», вы поймете принцип этого периода, не обнаружив разницы в материалах, из которых «сделаны» девушка и инструмент. Синтетический кубизм 1912—1917 Весной 1912 года Пикассо возвращается к цвету в работе «Воспоминания о Гавре».
Кубизм становится более оптимистичным и конкретным. Начинает появляться и изображение материала, возвращаются детали; Пикассо пишет на холсте буквы, а изображения в целом напоминают коллажи, художник даже вклеивает в картины «кусочки реальности», например почтовую марку. Создавая разнообразные декоративные коллажи, художник как бы «синтезировал» художественную реальность из символов реальности настоящей.
Период классицизма 1917—1925 В это время Пикассо активно сотрудничал с Сергеем Дягилевым, его «Русскими балетами». Им были оформлены шесть балетных постановок! Он влюбится в русскую балерину Ольгу Хохлову, его увлечет реалистичность и античность.
В этот период художник и пишет «узнаваемо», но все равно по-своему, создавая свою классику. Период сюрреализма 1925—1937 Вы все поймете про этот период, посмотрев работы «Три танцовщицы» и «Поцелуй». Четкие грани изображаемого в сочетании с их абстракцией, узнаваемая, но препарированная реальность, контрастные цвета или игра черно- белым.
Хорошее слово для определения этого периода — допустимость. Художник допускает многое — и в форме, и в цветопередаче. Непременно посмотрите картину «Спящая» и почувствуете, что главное слово для восприятия работ этого периода — ощущение.
Гостей выставки «Пикассо — Эль Греко» ждет диалог-противостояние двух испанских мастеров. Эль Греко 1541—1614 хоть и родился в Греции его настоящее имя Доменикос Теотокопулос половину жизни творил в Испании, где и добился максимального признания. Однако после смерти слава живописца пошла на спад и в какое-то время к произведением Эль Греко искусствоведы стали относиться с неприкрытым пренебрежением.
Сообщается, что под красочным слоем картины, написанной в 1902 году, найден эскиз фигуры человека с низко опущенной головой. Эскиз был создан в так называемый «голубой период» творчества художника, когда Пикассо часто изображал фигуры в такой позе. Вероятно, Пикассо мог использовать повторно холст.
Художник просто сделал ретушовку женской фигуры. А ее контуры были использованы для изображения финальных героинь. Кроме того, часть женщины еще скрылась под паром, который поднимался над миской.
В композиции были определены также другие изменения. Модификация была проведена с ногами, головой ребенка, женскими руками, держащими миску. Между героинями под слоем краски также был изображен кувшин. Редакции имеют связь с теми картинами, рисунками, являющиеся подготовительными. Они были созданы в тот самый период, что картина под названием "Суп". Пабло Пикассо "Нищенка на корточках" Картина «Нищенка на корточках», ее секреты В этом году в галереи Онтарио также были озвучены результаты исследований, которые проводились по отношению к картине «Нищенка на корточках».
Здесь изображена женщина, которую закутали в плащ. Этот элемент гардероба сделан в нескольких оттенках — зеленый, серый, синий.
Автопортрет в голубой период — Пабло Пикассо
Девочка на шаре. Пабло Пикассо Картина страшноватая, как по мне. На ней изображена репетиция акробатического представления, все внимание сосредоточено на переднем плане картины и на людях. Фон картины представляет собой будто бы пустыню или вызженное поле, пара человек позади похожи скорее на кляксы. Главное, что тут делает художник - играет с контрастом движения и статики. Зрителю кажется, будто девочка двигается, хотя она и неподвижна. Наш мозг мысленно добавляет движения, так как Пикассо умело на него намекает, если не говорит о нем прямо.
Но и тут поиски Пикассо не заканчиваются. По иронии судьбы в Париже он знакомится с Гертрудой Стайн. А чьи картины коллекционировал Лео Стайн?
Но при внимательном рассмотрении эксперт, вероятно, сможет распознать, что это не оригинал. Однако специалист выразил свое восхищение новыми технологиями и отметил, что дальнейшие разработки в области машинного обучения и 3D-печати должны сделать такую работу более точной. Вернувшаяся к жизни картина Пикассо появится на выставке в Лондоне. Специалисты также выпустят цифровую копию картины, чтобы ее было можно выставлять онлайн или продать на цифровом аукционе в будущем. Вся команда проекта состоит из ученых и специалистов, работающих с искусственным интеллектом, а также экспертов по искусству, пишет CNN.
Екатерина Гура.
Кусок дыни, напоминающий острый серп, яблоко и груша, похожие на куски мяса, — зловещие запретные плоды, отражение той же фобии. Пикассо отрицал влияние африканского искусства в этой картине. Однако известно, что в 1907 году художника впечатлила выставка масок Черного континента в Этнографическом музее в Париже, которую он посетил до того, как завершил шедевр. Традиционное искусство народов Африки считалось примитивным, но Пикассо привлекала экспрессия и свобода от европейских изобразительных канонов. Сам Пикассо подтверждал, что учился у древнего иберийского искусства. Американский исследователь Уильям Рубин увидел в этой фигуре отсылку к портретам и скульптурам Поля Гогена — поклонника традиционного искусства Океании. Совмещенные ракурсы.
Попытки совместить в двухмерном пространстве изображения предмета с разных точек зрения — шаг к кубизму. По мнению историка науки Артура Миллера, к этому новому принципу Пикассо пришел под влиянием идей математиков Эспри Жуффре и Анри Пуанкаре о визуализации четвертого измерения.
В результате исследователь обнаружила, что работы, созданные художниками в течение года со дня смерти любимого человека, на аукционах стоят значительно дешевле, чем творения тех же авторов, появившиеся в более спокойные периоды жизни. Более того, картин, написанных художниками в первые два года после какой бы то ни было тяжелой утраты, не так уж много. Однако отчаяние — «настоящий враг потока», и, таким образом, «смерть и серьезная утрата, напротив, могут подавить творческие импульсы».
Голубой период (1901-1905)
Будучи невысокого роста — 158 сантиметров, живописец обладал сильной мужской энергетикой и потрясающим обаянием. Непреодолимому магнетизму, окрашенному взрывным испанским темпераментом и гениальностью, невозможно было противостоять. Пабло Пикассо в 1933 году. Она была музой молодого автора почти десять лет: без протестов позировала ему голой и не возражала, когда ей приходилось сидеть в квартире два месяца, так как у нее не было туфель, а у Пикассо не было денег, чтобы их купить. Однако это не могло продолжаться вечно, и в конечном итоге они мирно разошлись. Марсель Умбер.
Она, как и все последующие возлюбленные великого и успешного Пабло Пикассо, не могла вообразить, что щедрый любовник недавно едва сводил концы с концами. В последнее десятилетие он уже солидно укоренился, а его картины успешно покупали. Марсель была хрупкой, тихой и трогательной, полной противоположностью Фернанды. На портретах художник часто изображал Еву как символ изысканности, непринужденности и легкости. Пабло также писал ее в образе музыкальных инструментов: скрипки или гитары.
Марсель была яркой звездочкой, вспыхнувшей на небосводе Пикассо жизни на миг и быстро погасшей. Она скончалась от туберкулеза. Будучи в творческом упадке, Пикассо завязывает тесную дружбу с Жаном Кокто, писателем и художником, который призывает его создать декорации к балету «Парад» для Дягилевской труппы. Это задание приносит мастеру новую энергию, и он встречает молодую балерину Ольгу Хохлову, дочь русского полковника. Вскоре 27-летняя девушка оставляет сцену ради брака, и в 1918 году они становятся мужем и женой.
Пикассо сам позднее затрудняется ответить на вопрос, что побудило его жениться. После свадьбы Пабло отвез Ольгу к своим родителям в Испанию, а после устроил ее в роскошной квартире в Париже. Он был настолько очарован Хохловой, что пообещал себе расстаться с богемной жизнью, твердо веря, что Ольга — это небесный дар для него. Пабло Пикассо. Портрет Ольги Хохловой Но получилось не так, как он задумывал.
Русская балерина пыталась связывать творчество Пикассо с финансовым благополучием семьи, превратить его в дорогого салонного художника и идеального семьянина. Хохлова абсолютно не признавала кубизма, поэтому он был вынужден временно отойти от этого стиля. Даже при рождении сына Паоло в 1921 году, супружеские отношения уже не восстановились, несмотря на то, что отцовство охватило Пикассо. Но затем наступило полное отчуждение. Такая ограниченная жизнь просто надоедала гению, и Пабло начал мстить Ольге.
Он изображал свою супругу только в виде злой старухи с длинными острыми зубами, а затем создал целую серию портретов, где она была изображена как чудовищная женщина с тощей грудью и огромными половыми органами. У Пикассо появилась любовница, и узнав об этом, Ольга решила подать на развод, однако они так и остались женой и мужем до конца своих дней. Она постоянно страдала от депрессий и умерла в 1955 году от рака. Мария-Тереза Вальтер с дочерью Пикассо Майей. Любовь к молодой девушке оставила глубокий след не только в творчестве, но и в его судьбе.
Ведущие искусствоведы определяют этот период как вершину его художественного мастерства.
На тот момент Пикассо даже не было 19 лет. Касагемас страдал из-за неразделенной любви и решил совершить самоубийство — он выстрелил себе в висок в кафе «Ипподром». Именно смерть друга стала для художника триггером, после которого начался «голубой период». Пикассо говорил: «Я начал писать синим, когда узнал о смерти Касагемаса». Стоит отметить, что художник был в Мадриде, когда его друг совершил самоубийство. Позже он приехал обратно в Париж и снял комнату, в которой провел свои последние дни Карлос. Старики, нищие и калеки Началом «голубого периода» считают картину «Портрет Хайме Себартеса». Себартес, посмотрев на эту работу, сказал, что Пикассо изобразил весь спектр его одиночества. Герои на картинах печальны, в их образах чувствуются меланхолия и депрессия.
Пикассо находит натурщиков в больницах, приютах, психиатрических лечебницах. Он изображает на полотнах людей, выброшенных обществом: калек, стариков, нищих.
Во время работы над «Тремя танцорами» Пикассо получил известие о смерти Пишо. Произведение сюжетно: в чудовищно деформированных фигурах узнаваемы все участники неоднократно воспроизводимой художниками всех времен и народов евангельской истории.
Один из уникальных моментов композиции — использование различного масштаба для фигур. Значимость персонажей для происходящих событий Пикассо подчеркивает размерами: распятый Иисус Христос и едва угадываемые в резких контурах и цветовых плоскостях Богоматерь и Мария Магдалина крупные, чуть меньше — сброшенные с крестов тела разбойников и солдаты, разыгрывающие в карты плащ казненного. Самые миниатюрные фигурки — это человек, приколачивающий руку Христа к перекладине и всадник, тыкающий копьем в пригвожденное тело. Драматически изломанные персонажи «Распятия» предвосхищают аффектированных героев «Герники».
Сюрреалистическая интерпретация сюжета может трактоваться как богохульство, хотя обращение атеиста Пикассо к религиозной тематике — отражение его размышлений о происходящем в мире. Война в Испании. Вторая мировая война 1937-1945 Начиная с 1930-х годов в творчестве Пикассо появляется такая ключевая для него тема и образ как бык, Минотавр. Художник создает целый ряд работ с этим персонажем "Минотавромахия", 1935 , при этом миф о Минотавре Пикассо трактует по-своему.
Для Пикассо бык, Минотавр - это разрушительные силы, война и смерть. Апогеем развития этой темы стала знаменитая картина Пикассо "Герника" 1937. Герника - это маленький городок басков на севере Испании, практически стертый с лица земли немецкой авиацией 1 мая 1937 года. Эта огромная почти восемь метров в длину и три с половиной в высоту монохромная черный, белый, серый картина была впервые выставлена в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже.
Однажды гестапо устроило обыск в доме Пикассо. Нацистский офицер, увидев на столе фотографию "Герники", спросил: "Это вы сделали? В этот же период создана и серия монстров "Мечты и ложь генерала Франко" 1937 в 1936 году во время гражданской войны в Испании Пикассо поддержал республиканцев и выступил против сторонников генерала Франко и еще ряд картин на сходные темы: "Ночная рыбалка на Антибах" 1939 , "Плачущая женщина" 1937 последнюю картину он писал с Доры Маар, югославской женщины-фотографа, с которой Пикассо познакомился в 1936 году; она прославилась тем, что запечатлела стадии работы Пикассо над "Герникой". В годы второй мировой войны Пикассо живет во Франции, где сближается с коммунистами-участниками Сопротивления в 1944 Пикассо даже вступает во Французскую компартию.
В это время он создает такие картины с тем же лейтмотивом быка, войны и смерти: "Натюрморт с бычьим черепом" 1942 , "Утренняя серенада" 1942, Нац. Всего было сброшено 22 тонны бомб. Освещение событий и придание всеобщей известности этой бомбардировки — заслуга английского журналиста Джона Стира, который побывал на месте событий вскоре после трагедии, осмотрел разрушения и расспросил местных жителей, а также нашел осколки бомб с немецкими клеймами. Guernica была заказана Пикассо испанским правительством, которое собиралось разместить ее на Всемирной выставке в Париже.
Художник представил картину в мае 1937 года. Огромная, 3,5 м высотой и 7,8 м шириной, она была написана маслом в черно-белом стиле в течение одного месяца.
Это был «голубой период», полный переживаний, печали, нищеты и страданий, которые отразились в цветовой гамме произведений того времени. Однако картина интересна еще и тем, что из-под нее, словно призрак, проступает едва различимый контур женщины. Проведенный уже в конце ХХ века анализ показал, что под верхним слоем шедевра сохранились следы предыдущей работы. Инфракрасные и рентгеновские камеры позволили реконструировать контур сидящей обнаженной дамы, вытянувшей вперед левую руку.
Тогда же специалисты связали ее с небольшим наброском женщины с ребенком, который изобразил Пикассо в одном из писем рубежа 1900-х.
Автопортрет в голубой период — Пабло Пикассо
Масштабная выставка «Пикассо. Голубой и розовый» открывается 18 сентября в парижском Музее Орсэ. Ранние шедевры гения соберут для нее со всего мира, включая Пушкинский музей в Москве. Тай Мерфи, специалист по Пикассо из лондонской фирмы Domos Art Advisors, занимающейся комплексной проверкой произведений искусства, сказал, что картина, созданная искусственным интеллектом, без сомнения очень похожа на «голубой период» Пикассо. Во время «голубого периода» Пабло Пикассо пока непостоянно проживал в Париже и часто приезжал в Барселону, работая там. В 1906 году он окончательно переехал во Францию в Париж на постоянное место жительства. Именно поэтому первый период творчества Пабло и называется голубым.
Пабло Пикассо и его произведение «голубого» периода «Трагедия»
Новая картина, получившая название «Одинокая скорчившаяся обнаженная», относится к «голубому периоду» Пикассо, и, по словам специалистов, художник не хотел ее закрашивать. Точно такая же фигура женщины появляется на картине Пикассо «Жизнь» и в ряде его эскизов, что позволяет предположить, что художнику был близок этот образ. Специалисты поясняют, что в то время, когда Пикассо рисовал «Одинокую скорчившуюся обнаженную» и «Завтрак слепого», он был беден, а материалы для художников были дорогими, поэтому он, вероятно, закрасил предыдущую работу, чтобы сэкономить на холсте. Тай Мерфи, специалист по Пикассо из лондонской фирмы Domos Art Advisors, занимающейся комплексной проверкой произведений искусства, сказал, что картина, созданная искусственным интеллектом, без сомнения очень похожа на «голубой период» Пикассо. Но при внимательном рассмотрении эксперт, вероятно, сможет распознать, что это не оригинал. Однако специалист выразил свое восхищение новыми технологиями и отметил, что дальнейшие разработки в области машинного обучения и 3D-печати должны сделать такую работу более точной.
На первых картинах, написанных после этого, — собственно Касагемас в гробу. На одной — с простреленным виском, на другой рядом плакальщицы, а наверху на небо его провожают три голые девицы в чулках, по мнению искусствоведов, подруги его и Пабло, и одна из них — Жермен. Картина Пабло Пикассо "Похороны Касагемаса", 1901. Судя по этим картинам, красивый был молодой человек.
Выразительное лицо. Взять хотя бы широко известную поразительную простите за субъективное мнение картину "Жизнь". У парня, который обнимает девушку, лицо тоже — Касагемаса. Картина Пабло Пикассо "Жизнь", 1903. И ещё немощь. Часто изображал слепых. Всё это одно большое размышление о жизни. И вот наконец мы смотрим на "Слепого гитариста", картину 1903 года. Три года прошло, а краски те же.
Музыкант повесил голову так, как будто умер, играя. Не доиграв. Худые ноги и руки, длинные пальцы — всё это искусствоведам и вообще понимающим в живописи людям напоминает Эль Греко. Пикассо им восхищался. Да… Так вот, видим седую голову, шею… Заметили, да? Там лицо. В смысле не лицо гитариста, там виднеется какое-то другое. А если на гитару посмотреть, то просматривается вроде как нога. Когда полотно "просветили" рентгеном, убедились, что так и есть: под одной картиной прячется другая.
В тоже время в полной мере считать эти работы Пикассо самобытными нельзя, так как в них частично использованы мотивы и приемы, характерные для испанской живописи. На формирование такого эмоционального настроя картин сильно повлияли жизненные реалии. Начало «голубого» периода связано с самоубийством близкого друга художника Карлоса Касагемаса в 1901 году. Близость смерти, одиночество, вынужденное возвращение в Барселону в 1903 году из-за нехватки средств оказали влияние на депрессивность картин. Времени, когда боль, отчаяние и страдание в картинах художника постепенно уходят, их заменяет интерес к живым человеческим радостям, олицетворением которых стали циркачи и артисты. Содержание этого произведения, построенного на контрастах движение и статика, девочка и атлет, легкость и тяжесть и др.
Но даже для них это было чересчур: они категорически осудили увиденное. Матисс, великий художник, был в ярости! Сам Жорж Брак, с недавних пор друг Пабло, говорил: «Это как если бы ты хотел накормить нас паклей или напоить керосином! В этом хоре порицателей нашлось одно исключение — молодой немецкий коллекционер Даниэль-Анри Канвейлер. Ему картина понравилась с первого взгляда, и он сразу подружился с Пикассо. Эта дружба продлилась всю жизнь. Кубизм и известность Несмотря на враждебное отношение публики к новой кубистской тенденции, их покупали. И довольно часто. В полку почитателей Пикассо прибыло, появилось много русских, немцев, американцев. От нужды, в которой художник жил всего три года назад, не осталось и следа. Со своим сиамским котом они переехали в светлую, просторную квартиру-мастерскую в доме 11 на бульваре Клиши. Их окна выходили на море зелени, свет был великолепен. За столом прислуживала домработница в белоснежном переднике, в комнате стояли мебель красного дерева, рояль… Декорации полностью переменились, как и сама жизнь: отныне по воскресеньям устраивались приемы! Они сбросили на него бомбы в тот час, когда на улицах было полно народа. Кровавым бомбардировщикам, ослепленным ужасом и глупостью, Пикассо, широко раскрыв глаза, ответил бомбой ненависти. Женщины и картины Для каждой женщины в своей жизни Пикассо изобретал особую стилистику. Формы Марии-Терезы переданы округлыми, гармоничными линиями, арабесками. Дора Маар часто представлена яркими цветами, заостренными формами: длинные красные ногти, волевой подбородок, искрящиеся энергией глаза. На работе «Женщина-цветок» густая шевелюра Франсуазы Жило разметалась, словно лепестки. Ее тонкая талия еще ужата, словно стебель, несущий круглые, как бутоны, груди. Я спросила, не утомляет ли его такое долгое стояние на одном месте. Он покачал головой.
Пабло Пикассо и его произведение «голубого» периода «Трагедия»
4. Первые рисунки Пикассо – лапки голубей. 5. Некоторые периоды творчества Пикассо носят называния «Голубой» и «розовый». Голубой период (испанский: Período Azul) включает в себя работы, созданные испанским художником Пабло Пикассо в период с 1901 по 1904 год. Генеративные нейронные сети, способные имитировать художественные стили, помогли восстановить закрашенную картину Пабло Пикассо «голубого периода». И Пикассо и сам любил корриду, и голубей. В статье «Изображения слепоты в Голубой период Пикассо» Равин и Перкинс утверждают, что Пикассо удлинял формы своих фигур на этих картинах, чтобы подчеркнуть другие чувства.
От голубого цвета Барселоны до Герники: в Калуге открылась выставка работ Пабло Пикассо
Традиционное искусство народов Африки считалось примитивным, но Пикассо привлекала экспрессия и свобода от европейских изобразительных канонов. Голубой период Пикассо. 402. Пабло Пикассо.«Старик гитарист». 1903 г. Холст, масло. 121,3 х 82,6 см. Институт искусств. "Голубой период" в творчестве известного испанского художника Пабло Пикассо. Краткое описание и знаковые работы периода. Некоторые авторы, в частности, Гертруда Стайн, приписывали перемену в стиле Пикассо, венцом которой стал голубой период, его возвращению в Барселону, поскольку, по их мнению, эта перемена явилась следствием одних лишь испанских влияний. Традиционное искусство народов Африки считалось примитивным, но Пикассо привлекала экспрессия и свобода от европейских изобразительных канонов.
История "Голубя мира"
Особый интерес художник проявил к изделиям из мастерской Мадура, в которой он позже и работал. Работа с глиной позволяла признанному живописцу и графику забыть ужасы войны и окунуться в иной радостный и безмятежный мир. Сюжеты для керамики самые простые и незамысловатые — женщины, птицы, лица, сказочные персонажи… Керамике Пикассо даже посвящена книга «Керамика Пикассо» И. Каретников, вышедшая в 1967 году.
В начале октября 1897 года Пикассо уехал в Мадрид, где поступил в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо. Из воспоминаний современников: своё пребывание в Мадриде Пикассо использовал в основном для подробного изучения коллекции музея Прадо, а не для учёбы в академии с её классическими традициями. В 1899 году, в конце этого академического обучения, разделенного между Каталонией и Кастилией, Пикассо вернулся в Барселону, из которой он быстро уехал в Париж, где вскоре начал долгую художественную карьеру. Творческие периоды Начало творческой карьеры В Школе изящных искусств студенты проходили академическую подготовку, которая включала в себя техники рисования и живописи, и поощряла классические и религиозные темы, такие как причастие. Картина Пикассо «Первое причастие», на которой изображена его сестра, принимающая обеты, была принята на выставку декоративного искусства в Барселоне в апреле 1896 года.
В начале 1897 года Пикассо начал писать «Науку и благотворительность», большое полотно, в котором он выбрал тему, которая была в моде в художественных салонах и среди сторонников социального реализма: посещение больных. К академическим моделям художник примешивает образы своей повседневной жизни: отец служил моделью для «доктора», а сюжет перекликался с личной трагедией — смертью его младшей сестры Кончиты в 1895 году. Работа получила почетное упоминание на Национальной выставке изобразительных искусств в Мадриде, а затем завоевала золотую медаль на провинциальной выставке в Малаге. Находясь в Мадриде Пикассо регулярно посещал музей Прадо, где изучал и копировал шедевры великих мастеров. Компаньоны исследуют сельскую жизнь и переходят на этап освобождения от академического преподавания. Работы, выполненные там, отличались более яркими красками, более теплой палитрой и более толстыми мазками.
В этом кафе в 1900 году прошли его две первые персональные выставки. В Барселоне он сблизился со своими будущими друзьями Карлосом Касагемасом и Хайме Сабартесом, которые впоследствии стали персонажами его полотен. В 1900 году Пикассо со своим другом, художником Касагемасом, уехал в Париж, где посетил Всемирную выставку, на которой знакомится с творчеством импрессионистов. После этого эпизода Пикассо переживает мрачный период, бедность, смерть друга, и начинает серию картин, окрашенных в синий цвет, ассоциирующийся с глубокой меланхолией. Летом 1901 года Пикассо впервые был выставлен в парижской галерее Амбруаза Воллара. Выставка была организована арт-дилером Педро Маньяком.
Именно по этому случаю он познакомился с поэтом Максом Жакобом. Пикассо был вдохновлен своим окружением и местами, которые он часто посещал, создавая серию эротических рисунков, непосредственно представляющих обитателей публичных домов. В апреле 1902 года проходит выставка Пикассо в галерее Берты Вайль — первой во Франции. В этих обстоятельствах Пикассо стал писать в стиле, по которому впоследствии период творчества художника в Барселоне был назван «голубым». В работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали. В палитре мастера преобладают оттенки синего цвета, отображая человеческие страдания, персонажи картин — слепые, нищие, алкоголики и проститутки.
В мае 1903 года Пикассо воплотил в жизнь композицию, которую он вынашивал в течение нескольких лет, покрыв свою предыдущую картину под названием «Последние мгновения» символическим изображением голубого периода, посвященным теме пары — так родилась картина «Жизнь», аллегория от беременности до смерти. В 1904 году «Пара» и «Селестина» ознаменовали эволюцию в творчестве Пикассо с появлением новых тем и эстетических изменений [12] [9]. Произведение переходного периода — от «голубого» к «розовому» — «Девочка на шаре» 1905 [9]. В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка.
Вероятно, именно поэтому волшебная магия картины кажется достоверной. Руссо сам изложил содержание своей работы в небольшом стихотворении: Ядвига мирно почивает, И видит дева дивный сон, Как заклинатель змей играет, Взяв на свирели мерный тон. Блестит листва кустов прибрежных, И воды серебрит луна, И гады от мелодий нежных Впадают в транс — подобье сна. Стиль молодых. Новая, живая, бесконечно изобретательная мода перестала считаться с общепринятыми стандартами и нормами.
По промокоду BLOG30 вас ждет бесплатный доступ ко всем саммари на целый месяц.
Образ Касагемаса присутствует и на картине «Жизнь». Слева он изображает его обнаженным в объятиях девушки, а справа женщину с ребенком на руках. Интересно, что современные исследователи с помощью рентгена обнаружили, что сначала Пикассо хотел написать себя, а потом изменил героя на своего друга. Ключевые работы «голубого периода» Известная картина «голубого периода» — «Две сестры». Для написания этого полотна художник посетил женскую тюрьму «Сен-Лазар» в Париже. Здесь синий цвет — символ Богородицы, а позы женщин напоминают христианский сюжет «Посещение Марии», когда Богородица встречается с матерью Иоанна Крестителя Елизаветой. Судя по всему, ребенок нежеланный. На героине слева надет белый платок. Обычно такой платок носили «женщины легкого поведения», больные сифилисом. Для «голубого периода» характерно изображение слепых.
Другое измерение: 8 секретов «Авиньонских девиц» Пикассо
В свои права "голубой период" вступал постепенно: в работах появились достаточно жесткие контуры фигур, мастер перестал стремиться к "трехмерности" изображений, стал уходить от классической перспективы. Следующий период в творчестве Пабло Пикассо называют «голубым». В 1901 — 1904 гг. в палитре Пикассо преобладали холодные цвета — в основном голубой и его оттенки. Некоторые авторы, в частности, Гертруда Стайн, приписывали перемену в стиле Пикассо, венцом которой стал голубой период, его возвращению в Барселону, поскольку, по их мнению, эта перемена явилась следствием одних лишь испанских влияний. Сообщается, что под красочным слоем картины, написанной в 1902 году, найден эскиз фигуры человека с низко опущенной головой. Эскиз был создан в так называемый «голубой период» творчества художника, когда Пикассо часто изображал фигуры в такой позе. Хотя иногда считают, что голубой период у Пикассо связан с Барселоной, несколько работ, написанных Пикассо ещё в Париже, до отъезда в Барселону, уже свидетельствовали о том, что в творчестве Пикассо наступил новый период. И Пикассо и сам любил корриду, и голубей.