Ведущий специалист по интерпретации лучевых исследований в стоматологии, ЧЛХ, лор-практике (приоритетное направление — КЛКТ, а также МСКТ.
Пикассо направление
Нарисована любовь, а не похоть. Мужчина и женщина прижались друг к другу, словно прячутся друг в друге; впоследствии Пикассо достигнет того, что тела станут буквально перетекать одно в другое, как на офорте «Скудная еда» - там, где нищие сидят перед пустой тарелкой. Не существует приема, как передавать преданность; надо почувствовать скоротечность жизни. Пикассо не собирался писать любовную картину, ни тем более! У Генриха Белля есть повесть «Поезд приходит по расписанию», в которой описано как это происходит: солдат, которого наутро отправляют на восточный фронт, приходит в публичный дом и остается с девушкой — не для того, чтобы заняться сексом, а чтобы говорить. И девушка говорит с ним, смертником, всю ночь, и это оказывается ночь подлинной — и смертной — любви. Для Белля это очень важно, этим проверяется чувство: встретиться с женщиной не для того, чтобы лечь в постель, а чтобы говорить. И вот, советский диссидент, глядя на картину, изображающую бордель в Барселоне, переживает чувство сопротивления небытию, любви вопреки уродливой жизни. На картине изображено именно такое — беллевское, оруэлловское, пастернаковское — свидание.
Любовь - это субстанция, которая существует вопреки законам мира; ее отменили — а она живет. Эти полчаса принадлежат любви человека к человеку, а не обществу, которое врет и воюет. В «розовом периоде» Пикассо следит за тем, как человек тянется к человеку, как рука входит в руку, как щека прижимается к щеке, как мужчина закрывает подругу плечом от мира. Розовый период — стал временем, когда Пикассо сформулировал потом никогда от них не отказался простейшие правила жизни. Правила простые: любить безоглядно, отдавая себя; не жалеть имущества, всем делиться; не верить внешнему миру; защищать слабого. В каждой картине Пикассо с тех самых пор повторяется этот набор правил. В панно «Война и мир», в «Гернике», в рисунках нищих, в тавромахии, везде. Так и цветовая символика сформирована мастером единожды — но на всю жизнь.
Болезненный розовый не имеет ничего общего с пастельным слащавым ренуаровским оттенком. Цветочный и телесный цвет розовый Ренуара — это цвет разврата. Розовый у Пикассо — это холодный цвет тусклого рассвета над бедным кварталом, это цвет марганцовки, цвет неустроенной жизни, цвет меблированных комнат, розовый Пикассо — это цвет смерти, цвет кладбищенских бумажных цветов, хотя, бумажные цветы Пикассо не рисовал. В холсте «Странствующие комедианты» маленькая Коломбина держит корзинку с бумажными болезненного цвета цветами, да в небольшой вещи «Акробат и молодой арлекин», на заднем плане изображена барочная кладбищенская ваза хотя, скорее, это фрагмент здания , с красно-розовыми цветами — впрочем, написано, как часто бывает у Пикассо, бегло и недосказано. В годы «розового» периода, периода комедиантов, Пикассо освоил прием, с которым уже не расстался — оставлять часть холста нетронутой — так происходит даже не от того, что говорить надо по существу, а живописный фон, и прочие подробности - дань салонному искусству; но, скорее, от того, что скудной жизни не дано воплотиться. Холодным розовым мазком тронут холст, и этого довольно: человек, действительно несчастный, не может быть красноречивым. Розовым написаны комедианты, у которых нет угла; мальчики с собакой на пустыре в розовом холодном воздухе — мы додумываем, кто они, есть ли у них жилье; ничего толком не известно про этих людей: розовый стальной цвет — лучшее обозначение пустоты впереди. Акварель «Мертвый Арлекин» 1906 пропитана больничным розовым колоритом: из пустоты выплывают лица тех комедиантов что у гроба.
В картинах розового периода есть не может не быть перекличка с сезанновским «Пьеро и арлекином»; скорее всего, главным для Пикассо было то, что в Арлекине Сезанн написал своего сына. Комедианты, ставшие семьей, скитающиеся по дорогам - для французской и испанской литературы привычный образ капитан Фракасс, Сирано, Скарамуш но Пикассо переворачивает метафору: семья в этом мире то есть, единение любящих может существовать только в роли комедиантов. Но нет, это неточно сказано: не «роль комедианта», но «суть комедианта»; они не перевоплощаются, они становятся. Картина «Семья арлекина» не тем удивляет, что люди одеты в сценические наряды, но тем, что люди даже дома в сценических нарядах, они не выходят из роли потому, что это не роль, это их подлинное лицо, а другого лица нет. Эти неприкаянные — они не артисты, это становится понятнее от холста к холсту: Арлекин даже в гробу продолжает быть арлекином. Пикассо рисует особую породу людей, отличную от других; «комедиант» - эвфемизм понятия «эмигрант», но только отчасти; вернее будет словом «комедиант» определить человека, наделенного способностью любить и переживать за другого. Это тот, кого Белль называл «принявший причастие агнца» в отличие от того, кто принял причастие буйвола. Роли в комедии распределены отлично от комедии дель арте.
Арлекин, в трико из разноцветных ромбов и в треуголке, он вовсе не буян, но это тот, кто способен защищать; молодой мужчина в семье; порой Пикассо видит в нем наполеоновские черты романтического смельчака. Акробат, в красном трико и белом жабо, старше годами; иногда Акробат - старший брат, иногда - отец Арлекина. Пикассо надевает на Акробата шутовской колпак с тремя хвостами — акробату пришлось покрутиться там, где арлекин пойдет напролом. Разговор акробата с арлекином Пикассо рисует несколько раз; судя по всему, это дань сыновней любви — других картин на про связь отца и сына не существует. Картина «Акробат и молодой арлекин» 1904г могла бы стать классическим образчиком art nouveau — в те годы многие, от Пюви де Шаванна до Петрова-Водкина писали двусмысленные сцены с артистическими юношами нагими или в облегающих трико , аромат запретной страсти присутствует в фантазиях; розовый цвет можно трактовать как цвет будуара, гибкую фигуру мальчика в римских сатурналиях бы ценилась. Нагие мальчики Петрова-Водкина воспринимаются в духе проказ Петрония на берегах Волги это будто бы не практиковалось, но картина говорит иное. Познакомься Пикассо в те годы с Жаном Жене или Кокто, картина «Акробат и молодой арлекин» получила бы в их придирчивых глазах высокую оценку; однако Пикассо чужд эстетике будуара в принципе, розовый цвет трико акробата — режет глаз, это цвет отчаяния; мальчик-арлекин и взрослый акробат говорят как отец с сыном, их разговор горек; отец рассказал мальчику, как устроена бродячая жизнь, и как он сам устал — и мальчик привыкает к своей судьбе. И семья Арлекина и Коломбины, гибкой девочки, вовсе не похожа не спектакль, не похожа на игры модерна — напоминает щемящее «Свидание» в чужой комнате, на несколько минут.
Однажды Пикассо собрал всю семью комедиантов вместе — они стоят на перепутье, на пустыре. В этой картине объятий нет, но пространство меж фигурами написано с такой нежностью, что объятий и не требуется. Как говорил Роберт Джордан девушке Марии: «Мне достаточно твоей руки». Одного прикосновения — Пикассо умеет показать, как мужчина едва касается руки женщины — достаточно, чтобы передать растворение человека в другом. Кстати будь сказано, у Андре Дерена также имеется холст «Пьеро и Арлекин», написанный в 1924 году, в прилизанной, залакированной манере. Дерен, в отличие от Пикассо, уроки Сезанна воспринял буквально и прежде всего желал подчеркнуть родство с покойным мэтром — даже в пластике движений, в характеристике персонажей. Двое танцующих и музицирующих комедианта движутся по дороге, их лица деревянны, и если картина собиралась нечто сказать о миссии странствующего художника, то высказывание художнику не удалось. Пикассо понимает тему иначе: если ты вступаешь в семейные отношения, связал себя любовью, то ты в глазах мира уже комедиант, шут — ты живешь по чудным правилам, по правилам любящих.
Любовь ставит тебя вне общества, но если ты выбрал любовь, то играй на этой сцене до конца. Возможно, то, что рядом с ним в эти годы Фернанда Оливье, помогает художнику пережить чувство «семейного изгойства», «бесприютной коммуны». Фернанда — испанская еврейка; а темой розового периода, фактически, является гетто — семья бродяг, обособленная от внешнего мира, живущая по внутренним законам. В офорте 1954 г. Пикассо часто отождествляют с Минотавром, мифологическим чудищем, которое мастер рисовал постоянно. Человек с головой быка, соединяющий две природы, человеческую и животную, и Пикассо, многоликий художник, сменивший за жизнь несколько масок манер, стилей , - они кажутся родственными натурами. Когда Пикассо фотографируется в маске быка, он сознательно усугубляет это впечатление: Минотавр становится автопортретом. Сознательно эпатируя зрителя, Пикассо часто представлял процесс живописи едва ли не актом насилия и животного порабощения природы; образ Минотавра соответствует образу властного, побеждающего натуру художника.
Отчасти такой образ характеризует Пикассо в быту; сравнивая художника с Минотавром привычно рассуждают о любвеобильности художника, животной страсти, и т. И Пикассо в «Сюите Воллара» дает повод для таких спекуляций. Мастер часто изображает влюбленного Минотавра, нежного Минотавра, и т. Стихия, то нежная, то неистовая, то подчиненная разуму, то неуправляемая, - соблазнительно сказать, что это характеристика искусства. Сомнительно, чтобы Пикассо так считал. Силу стихий он знал, свою миссию видел в том, чтобы стихии укрощать. Если Минотавр - автопортрет, то показывает незначительную грань его личности. Для Пикассо бык — существо символическое: испанец переживает корриду как мистерию, где бык олицетворяет варварство; столкновение быка и матадора становится проблемой цивилизации.
Следовательно, Минотавр, соединяющий обе ипостаси оба начала: варварство и культуру становится квинтэссенцией самой истории. Греческий миф о Тесее и Минотавре — Пикассо отождествляет с корридой; и в таком, усложненном, варианте рассуждения Тезей-Матадор выходит на поединок с самой воплощенной историей. Считается во всех каталогах приводится факт и дата , что «Сюитой Воллара» своего рода «житием Минотавра» Пикассо открывает тему. Поскольку «Сюита Воллара» датируется 1933 г. Будь так, это стало бы пророчеством. Правда, образ Минотавра можно отыскать и в более ранних работах: в Центре Помпиду хранится коллаж, наклеенный на холст, 1928 года, изображающий фигуру Минотавра: нарисовано две бегущие ноги, увенчанные головой быка. Образ не развит до стадии героя мифа, но двуприродность налицо. С детских лет, проведенных в Малаге, когда мальчишки прицепляют себе рога во время бега с быками, Пикассо этот образ бегуна с рогами хранит в памяти: первый коллаж — дань воспоминаниям детства.
Поиск побудительных мотивов — область иконографии, причем, любая версия находит подтверждение: сошлись на том, что Минотавр — загадочная фигура. Пикассо себя ощущал наследником латинской культуры, через нее и греческой, ощущал родство со Средиземноморским мифом. Правда, он также чувствовал родство и с христианством, и как могло бы быть иначе у испанского живописца; но разве Возрождение программно не сочетает то и другое начала? Пикассо легко обращался к античности; то, что он вошел в греческий миф — и сопоставил миф с христианством, естественно для мастера Возрождения. Собственно, Пикассо —олицетворяет феномен «ренессанса»: естественным для себя образом, он совмещал несколько культурных пластов. Минотавр появился вследствие того, что Пикассо скрестил греческий миф с современным сюжетом; современным сюжетом — был сюрреализм и Ницшеанство. Всякий исследователь ссылается на эстетику сюрреализма, как причину происхождения образа Минотавра. С 1933 года издается основанный Альбертом Скира журнал «Минотавр», в котором снова объединили свои усилия некогда близкие Андре Бретон и Жорж Батай.
Последних принято разводить они и сами размежевались, после известной отповеди Бретона во 2-ом манифесте сюрреализма как классического «сюрреалиста» Бретон и «сюрреалиста-диссидента» Батай. Оба считаются «левыми», во всем многообразии толкований данного термина; в журнале «Минотавр» Батай и Бретон объединились вновь, и считается, что объединились они ради оппозиции тотальному злу «правых», условному «фашизму» трактованному столь же произвольно, как трактуется термин «левые». Сложность в дефинициях «правый» и «левый» в отношениях этих людей возникает постоянно и неизбежно вызывает путаницу. Экспериментальное многими это воспринималось как эксперимент нарушение приличий буржуа, экспериментальная безнравственность, эпатирующая «аморальность» - быстро перерастала художественный жест и превращалась в обычную бытовую аморальность. Круг сюрреалистов широк и пестр, энтузиазм столь велик, что Андре Масон, живший через стенку с Миро, проделывает в стене дыру, чтобы обмен мнениями был непрерывен. Возбуждение вызвано тем, что сюрреализм придумал, как обыграть бездушный внешний мир: разрушить его безнравственность изнутри — не революцией, но абсурдом. Поле деятельности — безгранично: спонтанное творчество не предусматривает рамок, и прежде всего рамок морали. Жан Жене общий друг и конфидент Батая действительно был вором, сколь бы художественно этот жест ни был трактован.
Увлечение садизмом образ маркиза де Сада рассматривался как символ эстетического протеста, а практика садизма становилась своего рода пропуском в большой стиль бунтарства вело к поэтизации насилия; то что Жан Жене увлекся нацизмом, скорее, естественно. Отличить в деятельности Жан Жене — «правое» и «левое», а политический эпатаж от бытового безобразия невозможно и не нужно. Бытовое воровство и сексуальное насилие — это «левое», а сочувствие маршам «нацистов» - это правое, согласно негласно принятой эстетике «сопротивления догмам , но различие слишком тонко, чтобы наблюдатель мог безошибочно им руководствоваться. Жорж Батай считается «левым» мыслителем, как и его друг Жан Жене; разница в их взглядах бесспорно существует например, Жене гомосексуалист, а Батай, кажется, нет , но поле эксперимента столь широко если учесть привлечение Ницше и Фрейда, ревизию католичества и оппозицию морали — то поле эксперимента безмерно , что затруднительно точно идентифицировать их взгляды. Батай, ставя опыты над моралью, столь увлечен, и его страсть к Ницше моральному экспериментатору столь сильна, что в сознании сюрреалиста происходит отождествление личности Ницше, с личностью самого Батая; последний серьезно полагает себя реинкарнацией Ницше. Эмблема журнала, изображала витрувианского человека Леонардо, лишенного головы, - с пламенеющим сердцем в одной руке и - символ этот обозначает конец гуманизма Ренессанса замысел Батая, исполнил эмблему вдохновленный идеей Андре Масон. Тайное общество «Ацефал» собиралось несколько раз ночью в лесу у обгорелого дуба, отмечало день казни Людовика XVI и клялось не подавать руки антисемитам. Целью встреч были медитации то есть, произвольное выражение эмоций по поводу сочинений Ницше, де Сада и Фрейда.
Ритуал, в романтической своей части напоминающий прелестные фантазии Тома Сойера и Гекльберри Финна обгорелый дуб, полночь, клятвы, безголовые призраки, , в целом отражает сумбурность программы; однако, праздничная часть медитации по поводу садизма была усилена теоретической: в журнале «Ацефал» публиковали незаконченный текст Ницше о Гераклите и раннюю статью Ясперса о Ницше. Сам Карл Ясперс в годы, когда выходил «Ацефал» находился в изоляции, лишенный преподавания нацистами, позднее переехал в Базель. В 1946 году Ясперс написал развернутую работу «Ницше и христианство», доказывая, что Ницше оппонировал не столько христианству, сколько церкви. Согласно Ясперсу, декларативный отказ Ницше от христианской морали был вызван тем, что «быть христианами сегодня не позволяет нам само наше благочестие — оно стало и строже, и капризнее». Ясперс утверждает, что Ницше «хочет сделать из морали нечто большее, чем мораль». Ясперс подводит итог: «опыт собственной жизни Ницше — противостояние христианству из христианских побуждений». То есть Ницше, по Ясперсу, восстает против христианской цивилизации ошибки которой очевидны и церкви доктринерство которой губительно , но не против Иисуса. Иисуса Ницше считает «идиотом», но в достоевско-привлекательном понимании, a la князь Мышкин; вот начиная с апостолов пошло извращение.
Согласно Ясперсу, «мышление Ницше определяется христианскими импульсами, содержание которых утрачено». Вне зависимости от того, насколько адекватен анализ противоречий Ницше, сделанный Ясперсом, для характеристики деятельности сюрреалистов существенно то, что сюрреалисты с этим текстом не были знакомы вообще. Ясперса, разумеется, никто из них не читал. Жорж Батай считал себя единственным человеком, в котором мысль Ницше воплотилась, он отождествлял себя с Ницше буквально. Высшая задача «подготовить человечество к Великому Полудню. Почему Переоценка Всех Ценностей должна начаться именно с бытового разврата, а, например, не с помощи голодающим, Батай не сообщает — но интеллектуальные муки мыслителя несомненны. Как и всегда в авангардных текстах, пышность высказывания заменяет содержание: «первым достиг бездны и погиб в победе над ней» - бездной, судя по всему является ограниченность человеческой природы, а «гибель в победе» - это отрицание мелкой морали, но и невозможность жить вне убогого человечества. Обывателю, листающему культурный журнал, кажется, что ум не в состоянии объять информацию; читая заголовок: «Ницше о Гераклите» статья первого номера журнала «Ацефал» , испытываешь головокружение от дерзновенных горизонтов.
На деле, текст Ницше недлинный и несложный; всегда лучше знать, что именно авторы новой общественной концепции считают образцом. Текст о Гераклите не закончен; находится в связи с обычным для Ницше дионисийским антихристианским дискурсом; особенность данного текста в том, что Ницше приписывает Гераклиту произвольно сознательное смешение добра и зла. Ницше утверждает, что Гераклит думает так: «…есть в действительности пробный камень для всякого последователя Гераклита; тут он должен показать, правильно ли он понимает своего учителя? Существуют ли в этом мире виновность, несправедливость, противоречие, страдание? Да, восклицает Гераклит, но только для человека ограниченного, который не берет мир в его целом, а рассматривает каждое явление в отдельности; но для мыслящего бога нет: для него всякое противоборство является гармонией, невидимой для обыкновенного человеческого глаза, но ясной для того, кто, как Гераклит, подобен созерцающему богу. Перед его огненным взором исчезает последняя капля несправедливости, приписываемой окружающему миру; даже главное затруднение, заключающееся в вопросе, как чистый огонь может переходить в столь нечистые формы, он устраняет возвышенным уподоблением. Появление и исчезновение, созидание и разрушение суть не более как игра, которой в полной невинности и не подвергаясь нравственной ответственности предается художник и дитя. И, подобно тому, как забавляются художник и дитя, забавляется и вечно живой огонь, невинно созидая и разрушая мир, и такая игра продолжается в течение неизмеримого времени — вечности.
Переходя то в воду, то в землю, громоздит он на море песчаные кучи, громоздит и разрушает. Представить «созидание и разрушение» как равные компоненты «игры в песок на берегу моря», где «очистительный огонь» сжигает «последние капли несправедливости» - первая потребность шкодливого ума сюрреалиста. Добра и зла нет; все равнозначно; лишь «для человека ограниченного, который не берет мир в его целостности» дефиниции добра и зла существуют, - в числе многих других, так рассуждал и Гиммлер, обосновывая свое мнение касательно еврейского вопроса; данный отрывок Ницше — в условиях фашизма — есть ни что иное как гимн релятивизму. Собственно, первый манифест сюрреализма Андре Бретона и есть манифест релятивизма: «Чистый психический автоматизм, имеющий целью выразить, или устно, или письменно, или другим способом, реальное функционирование мысли. Диктовка мысли вне всякого контроля со стороны разума, вне каких бы то ни было эстетических или нравственных соображений... Бретон нигде и никогда не уточнял, как представляет «мысль» «вне нравственных соображений», еще больший интерес представляет «мысль» «вне всякого контроля со стороны разума» - но, возможно, последний пассаж лишь следствие эмоциональности художника, который запутался в словах. Сознавали ли сюрреалисты свое тождество не только с Ницше, но и с Гиммлером, вопрос риторический; ответа не существует. Представить, будто Пикассо — автора панно «Война и Мир», автор «Герники», автора «Старого еврея и мальчика», автор «Резни в Корее», автор «Кошки с птицей» мог бы плениться такой игрой мысли — невозможно, это противоречит творчеству Пикассо, человеку твердых моральных убеждений.
Скорее всего, у сюрреалистов имеются «левые» взгляды — раз авторы эпатируют общественность, ту общественность, что идет на поводу у партийцев-популистов, а эпатировать лавочников в Париже считается занятием скорее «левым», нежели «правым». Сказать в точности, какова цель мыслительного дискурса, за какой именно порядок общества выступают эти авторы эпатажа - невозможно. В сущности, социальная философия нацизма состоит ровно в том же самом — в уничтожении привычной обывательской морали и в учреждении новой морали «нового порядка» в общественной организации вместо прежней лицемерной и вялой христианской доктрины. Имморальное будоражит воображение, но если признать эстетику маркиза де Сада и Жана Жене, то как обосновать неприятие Гитлера и Сталина? И Сад, и Жене, и Жуандо, и героизированная аморальность эстетов - чем отличается от аморальности Гиммлера и Гитлера? В душном воздухе века стоит хор голосов, наглых и агрессивных, и все требуют крови: одни по причине расовой ненависти, другие из классовых соображений, особенно изысканные желают таким образом отделяться от толпы, но все они — жаждут славы. Даже, если сюрреалисты итогом своей деятельности видят несколько иную конструкцию, и их финальная модель «Великого Полудня» чем-то отличается от идеалов Третьего Рейха нигде это явно не прописано, и как будет устроен Великий Полдень неизвестно , то роднит их с программой нацизма план замены лицемерной морали на мораль нового типа. И во многом этот план равно и индульгенция, выданная Ясперсом Ницше соблазнительна: есть одна неприятность - досадная пауза, наступающая, когда прежняя мораль уже снесена, а новая еще не построена.
Сюрреалисты живут как бы на том пустыре, образовавшемся от устраненной морали, но не спешат с возведением нового здания взаимных обязательств. Будет ли Великий Полдень тем упоительным раздольем, когда Жене ворует, Батай совокупляется, а Фриц Беллмер втыкает куклам во влагалище булавки; впрочем, на то и сюрреализм, чтобы не предугадывать результата. Радикальная риторика потрясала кафе. Это не было нарочитым издевательством над солидарностью трудящихся, просто левые интеллектуалы не связывали, в отличие от Маркса, коммунистические принципы с классической эстетикой, еще менее — с моральной догмой. Текучесть принципов и эфемерность морали — это кажется радикальным в эпоху казарм. Пикассо, выполнивший обложки к журналу «Минотавр», знаком и с Бретоном, и с Батаем с Батаем познакомила журналистка Дора Маар, возлюбленная и модель , принимал участие в застольях; в отсветах фейерверков мысли Пикассо выглядит соучастником карнавального движения. Будь он единомышленником, Минотавр стал бы портретом «сюрреализма»; собственно говоря, Батай и Бретон именно так и считали. Можно решить, что Пикассо, вслед за Батаем, нарисовал пугающую обывателя сущность бытия, лишенную нравственности и рассудка.
В облике Минотавра присутствуют и похоть, и напор; зная за Пикассо потребность ошеломить зрителя, легко поверить в такую версию. Именно так понял пикассовского Минотавра сюрреалист очарованный экстравагантностью аккуратного Батая Андре Масон. В небольшом альбоме, посвященном республиканской Испании работало семь художников, половина из них испанцы , Масон публикует несколько офортов, на одном из которых появляется пикассовский Минотавр на поле боя, заваленном трупами. Трупы нарисованы условно, на поле битвы Масон не бывал; а у Минотавра-генерала на груди висит распятие на грубой веревке — на кресте изображение распятого Минотавра. Такое переворачивание сакральных символов убийца-Минотавр верит в христианство, но сам его Бог тоже Минотавр возможно связано с тем, что республиканцев в Испании атакуют среди прочих марроканцы, благославленные католической церковью. Возможно, это связано с тем, что мыслитель Батай рассказал своему верному художнику, что анти-христианин Ницше подписывал свои письма «Распятый»; возможно причиной является сумятица в сознании сюрреалиста — впрочем, адекватная сумятице времени. Сколь бы ни привлекательно числить Минотавра Пикассо — сюрреалистическим порождением, существует трактовка поверх этой: Минотавр — не воплощенный сюрреализм, но невольный соучастник процесса, вовлеченный в чужую драму. Причем в этой драме Минотавр скорее страдательная сторона.
В картине 1936 года, периода Гражданской войны в Испании, Минотавр появляется в костюме арлекина — любимейшего персонажа Пикассо, его alter ego. Арлекин для Пикассо — это образ мужчины, способного защитить, опоры семьи. Минотавр-арлекин — это образ существа, разрушающего свое предназначение, подчинившись животной природе. Минотавр на этой картине наделен классическими чертами греческой статуи, так Пикассо обычно рисует портреты комедиантов то есть, своей семьи. Изображен пустырь сожженного войной города, на заднем плане - остов дома, из парижских картин 10х годов. По пустырю движется группа не то комедиантов, не то участников законченной корриды; в данном случае Пикассо объединяет ода действия. Останки Минотавра в костюме Арлекина» многое объясняет. Изображен не «мертвый Минотавр», как трактует английский или русский перевод, но именно «останки», остатки - то есть, то, что осталось от позы и бравады сюрреализма, когда началась настоящая война.
Жалкое тело в трико с ромбами никак не ассоциируется с Минотавром, коего мы привыкли видеть в напористой ипостаси. Однако это именно Минотавр, поверженный и уничтоженный империей, оказалось, что он нежен и раним. Это не сюрреалистический ребус, a la Магритт, картина не представляет загадки и не зашифрована; просто Пикассо рисует своих героев, давно ставших для него живыми, их судьбы сплетаются необычно.
Предмет раскладывают на набор геометрических форм, а затем наносят на холст нужным цветом. При этом предмет можно узнать — в этом отличие кубизма от абстрактного искусства.
Главный жанр — натюрморт, потому что застывший мир легче всего анализировать и раскладывать на части. Картины монохромны, все внимание уделяется объему и форме. Возврат к цвету и фактуре. Предметы так же разделены на части, но не собираются вместе: например, у гитары гриф, дека и струны существуют отдельно. Чтобы добавить картинам объем и материальность, художники начали вклеивать в них объекты реального мира: газетные вырезки, части музыкальных инструментов, ткань, бумагу.
О роли африканской скульптуры в живописи Пикассо курс Level One Гении в истории искусства Самый быстрый способ разобраться в искусстве — изучить картины и события жизни известных художников.
Впечатляющий пример - «Гернику», ширина которой составляет почти восемь метров, - он создал всего за шесть недель. Мозайка стилей Пикассо оставил после себя гигантское наследие - около 20000 работ, исполненных в самой разной стилистической манере. Хотя карьеру Пикассо принято делить на отдельные фазы, его мысль и рука творили с такой быстротой, что художник в своём стремлении к новому как бы обгонял самого себя.
Он говорил: «Несколько стилей, используемых мною в работе, не следует рассматривать как эволюцию или как поиск идеала. Когда я хочу что-то выразить, я делаю это, не задумываясь ни о прошлом, ни о будущем... И в самом деле, Пикассо с завидной лёгкость переключался с почти абстрактных, искажённых образов на реалистический рисунок, в котором не уступал лучшим рисовальщикам XIX века. Источник вдохновения Пикассо внимательно изучил множество художественных систем.
Иногда работы других художников оказывали влияние на его собственный стиль. Так, в ранней картине «Авиньонские девицы» можно найти отголосок «Трёх купальщиц» Сезанна. Другим источником вдохновения, оказавшим огромное влияние на Пикассо, стали предметы, показанные на парижской выставке примитивного искусства народов Африки и Океании в 1907 году. Пикассо признавался, что эту выставку воспринял как откровение.
Особенно потрясли его искажённые пропорции фигур и двумерное изображение лиц - как на этой ритуальной маске из Центральной Африки. Дягилев страстно верил в то, что балет должен быть синтетическим и объединять в себе все формы искусства. Для «Парада» Пикассо создал опускающийся занавес и костюмы персонажей, которые назывались в балете «Управляющими». Костюм Американского Управляющего представлял собой небоскрёб, изображённый в неоклассическом стиле.
Рождение кубизма Ещё одна цитата из Пикассо: «Я рисую предмет так, как представляю его, а не так как вижу». В этой фразе выражена вся суть кубизма, созданного Пикассо в сотрудничестве с Жоржем Браком. Мировую славу принёс Пикассо именно кубизм, оказавший огромное влияние на развитие всего искусства XX века. Известный историк искусства Джон Голдинг писал, что «кубизм, совершивший полный и радикальный переворот в живописи, вероятно, самое важное и значительное явление в искусстве со времён Ренессанса».
Само название этого направления появилось случайно. Это слово впервые произнёс критик, написавший в насмешку, что на своих картинах Брак всё уменьшает до «маленьких кубиков». Пикассо и Брак приняли этот термин, несмотря на то, что предметы на картинах художников-кубистов разложены не на кубы, а скорее на грани. Самым революционным в кубизме стал отказ от традиционного для европейской живописи изображения объектов в одном ракурсе.
Теперь для изображения предмета одновременно использовались разные точки зрения. В результате художник показывал, из чего состоит предмет, а не то, как он выглядит «здесь и сейчас». Последователи Пикассо и Брака научились разлагать предмет на формы и перемещать их таким образом, что их картины были не раскрытым в мир окном, а плоскостью, выражающей восприятие предмета художником. Темы и вариации Брак и Пикассо придумали новое направление в живописи не за одну ночь.
Идея кубизма постепенно вызревала с 1907 по 1914 год с началом войны Брака мобилизовали в армию. Наиболее тесным их сотрудничество было в период между 1910 и 1912 годами. В это время работы Брака и Пикассо были настолько похожими, что даже специалисты затруднялись порой сказать, кому из них принадлежит то или иное полотно.
Он купался в роскоши и внимании. Пикассо в 1920-х: оглушительный успех продолжается Образ жизни Пикассо на время изменился: он примерил на себя роль добропорядочного семьянина и отошёл от богемной жизни. Вдохновленный рождением сына, Пикассо создал много работ о материнстве и семейной жизни. Художник писал античные образы и, как и многие современники, после войны увлёкся неоклассическим стилем.
Но спокойный период продлился всего несколько лет. Уже в 1925 Пикассо увлёкся новым течением — сюрреализмом. Это помогло ему сбежать от домашних проблем, отношения с женой портились. Пикассо сначала тайно, а затем и открыто встречается с новой любовью — французской натурщицей Марией-Терезой Вальтер. Она стала частой музой его сюрреалистических произведений. Популярность Пикассо продолжала расти благодаря новым выставкам. Его работы показали в Париже и Цюрихе, началось издание первого каталога.
Публику поражала его работоспособность и умение оставаться собой, работая в разных стилях. Пикассо в 1930-х и 1940-х: начало трудностей Этот период был тяжёлым для Пикассо по двум причинам — перипетии в личной жизни и война. Разрыв с женой вызвал творческий кризис, из которого художника вывела гражданская война в Испании. Пикассо стал ярым противником насилия. В этот период он написал множество работ на антивоенную тему, в том числе знаменитую «Гернику» для испанского павильона на Всемирной выставке в Париже.
Портрет музы Пикассо был продан по телефону за рекордную цену
Долгое время Анри Матисса и Пабло Пикассо считали чуть ли прямыми противоположностями в искусстве. Когда Гжон Мили по заказу журнала Life посетил в 1949 году Пабло Пикассо, жившего в то время на юге Франции, и предложил великому художнику сделать совместный инновационный проект. Вместе с французским художником Жоржем Брако, Пабло Пикассо стал родоначальником кубизма – направление, отвергающее традиции натурализма. Пикассо добился успеха в направлении клиентской динамики и решил различные болевые точки, вызванные традиционной клиентской «статической» моделью исследований и разработок. Кто такой Пикассо, какие картины Пикассо писал в розовый период своего творчества и как он пришел к кубизму. Направление в Пикассо на кт исследование.
Как научиться разбираться в живописи Пабло Пикассо за 5 минут
| Пикассо и импрессионизм – этап и предтеча нового искусства. | Приходите на уникальную выставку «Сальвадор Дали & Пабло Пикассо» в Сад имени Баумана и откройте для себя новые грани искусства! |
| «Дали & Пикассо» – билеты на выставку в Москве – расписание и рейтинг на Яндекс Афише | Уже будучи пожилым человеком, Пикассо признавался, что рентгеновские лучи и прочие технологии в будущем найдут немало интересного под поверхностью его ранних работ. |
| Пабло Пикассо | Клод Пикассо, сын художника Пабло Пикассо Сын Пабло Пикассо, управлявший наследием отца, скончался в возрасте 76 лет. |
| Пабло Пикассо — Творческие периоды | Пикассо предстаёт перед нами в первых залах как скульптор, работы которого тесно переплетены с шедеврами другого выдающегося представителя этого направления – Огюста. |
| Судьба Пикассо в современном мире [31]. В поисках гармонии. Искусствоведческие работы разных лет | Художник хотел пожить по распорядку Пабло Пикассо, чтобы понять, как живописец писал свои шедевры, но не справился с челленджем. |
Искусство неподражаемого художника Пабло Пикассо
Но термин вошел в обиход, когда его подхватил Гийом Аполлинер. Картину «Авиньонские девицы» Пикассо написал до знакомства с Браком. Пути художественных ассоциаций и прозрений неисповедимы, причудливым образом изысканный Сезанн, африканский примитивизм и грубая изнанка жизни соединились в воображении, пришло вдохновение, и он встал к холсту. Пять обнаженных женщин он написал в разной манере. У двоих в правом углу холста лица напоминали маски. Все фигуры состояли из углов, были огрублены и деформированы, как и окружавший их мир. Он отказался от перспективы и светотени и выдержал картину в розово-охристых и голубых тонах. Картина наделала много шума среди друзей — они ее не поняли. Ее отверг Матисс, не воспринял Аполлинер...
Только Брак признался Пикассо, что под впечатлением от «Девиц» писал свою «Обнаженную». Автор хотел назвать картину «Философский бордель», но его друг, поэт Андре Сальмон, предложил «Авиньонские девицы». Через несколько лет Пикассо обмолвился: «Когда мы начинали рисовать, в наши намерения не входило изобретать кубизм. Мы лишь хотели выразить то, что было в нас самих». Новое направление было разрывом с реалистическим изображением натуры, преобладавшим в европейской живописи со времен Ренессанса. Пикассо и Брак пошли на этот шаг, стремясь сбросить тесные реалистические оковы. Вместе, продолжая конструировать объемные формы на плоскости, расчленяя ее на геометрические элементы, теоретически обосновали новое направление. Но плыть по течению становилось все труднее, и после Первой мировой их пути разошлись — Брак отошел от кубизма, стал рисовать натюрморты, а Пикассо увлекся балетом.
Пышные, с азиатским размахом исполненные костюмы и декорации Бакста поразили воображение парижан, но талантливый антрепренер, барин и эстет понимал, что все это ненадолго. Чтобы закрепить успех, были необходимы новые художественные идеи — самобытный талант русских танцовщиков и музыкантов нужно было облачить в современные одежды западноевропейской живописи. Авангардный танец требовал авангардной музыки и авангардных декораций. Сати обещал написать такую музыку, которая удивит весь мир. Пабло — расписать декорации.
Сентябрь 1944.
Фото: Роберт Капа. Источник: icp.
Аукционист Оливер Баркер начал торги за картину Пикассо с 95 миллионов долларов, которые быстро выросли до 110 миллионов долларов с шагом в 5 миллионов долларов. После того как три участника торгов по телефону повышали цену в течение примерно четырех минут, она достигла 139,3 миллиона долларов, включая налоги и сбор аукционного дома. Он также добавил, что арт-рынок перестал быть популярным, но главное «сохранять спокойствие и продолжать дело». Картина «Женщина с часами» была куплена в 1968 году филантропом Эмили Фишер-Ландау.
Она стала одним из выдающихся коллекционеров мира, выставляя произведения из своей коллекции из 1500 работ в своём частном музее на Лонг-Айленде. Меценат скончалась в возрасте 102 лет в начале 2023 года. Незадолго до этого коллекционер объявила о распродажи произведений искусств. Этим решением Фишер-Ландау хотела оказать поддержку новому поколению: «Я хочу продолжить традицию поддержки молодых начинающих художников.
А также «Голубая комната», одна из картин, ознаменовавших «голубой» период.
Это его любимый цвет, таким он в то время видел мир и одевался тоже в голубое. О голубом он говорил тогда как о «цвете всех цветов». Этот этап его творчества назвали «голубым» периодом. Картина «Жизнь» слева и «Автопортрет» слева Картины «голубого» периода — в числе самых известных и любимых в творчестве Пикассо. Разумеется, потому, что изображенные на них персонажи еще довольно реалистичны.
А сюжеты полотен отражают знакомые всем чувства. Мастерская и хаос В мастерской пахло льняным маслом, которое использовалось для лампы и разбавления красок. У стен стояли десятки картин. Та, над которой он работал в данный момент, стояла прямо на полу, опираясь на ножку мольберта. Рядом с мольбертом — краски, кисти, множество баночек, тряпочек и жестяных коробок.
Пикассо А еще книги, странные предметы, какая-то цинковая труба — настоящий хаос с белыми мышами в выдвижном ящике и искусственными цветами, которые он нашел у старьевщика и купил, потому что понравился их цвет… Невероятный хаос. Но жизненно необходимый. Пикассо всегда его любил. Возможно, он казался ему богаче идеями, чем порядок. Это была его собственная система.
Вещи находили место в потребности быть там или тут в данный момент. Внешний порядок, наоборот, нес в себе нечто навязанное, сковывал дух. Чаще всего это акробаты и бродячие актеры, беззащитные обитатели обочины жизни, каждый жест которых говорит о грации и смирении. Гертруда Стайн позировала на протяжении длительного времени. Гладкий, выпуклый лоб, обезличенные, правильные и схематичные черты.
Почти шесть квадратных метров, сотни подготовительных рисунков и этюдов.
Кубики и маски. Человеческая комедия Пабло Пикассо
О сервисе Прессе Авторские права Связаться с нами Авторам Рекламодателям Разработчикам. Когда Гжон Мили по заказу журнала Life посетил в 1949 году Пабло Пикассо, жившего в то время на юге Франции, и предложил великому художнику сделать совместный инновационный проект. Направление в Пикассо на кт исследование. Борцы за природу из организации Climаximo облили красной краской известное произведение искусства Пабло Пикассо 1929 года — «Женщина в кресле (метаморфоза)». Пабло Пикассо — один из главных революционеров современного искусства и один из самых. Пикассо умер 8 апреля 1973 года, и весь мир потрясла эта новость.
Максим Кантор: Пабло Пикассо
Спустя 50 лет после кончины Пабло Пикассо находится в центре внимания нескольких французских музеев. Отправной точкой этого исследования, посвященного влиянию, которое Пикассо оказал на художественную жизнь Парижа самого начала ХХ века, стала картина «Мулен де ла Галетт». Поиски Пикассо были основаны на его убеждении, что живопись способна на большее, чем просто показывать то, что видит глаз. Вместе с французским художником Жоржем Брако, Пабло Пикассо стал родоначальником кубизма – направление, отвергающее традиции натурализма. Искусство Пабло Пикассо сыграло большую роль в формировании в США абстрактного экспрессионизма — направления, успевшего стать «классикой» XX века.
Как научиться разбираться в живописи Пабло Пикассо за 5 минут
Воплощение этого подхода мы можем увидеть как только попадаем на экспозицию. Пикассо предстаёт перед нами в первых залах как скульптор, работы которого тесно переплетены с шедеврами другого выдающегося представителя этого направления — Огюста Родена. Их творческие пути часто сопоставляют друг с другом на выставках, благодаря чему создаётся единый памятник скульптурному искусству XX века. Источник фото: из личного архива автора Музей с каждым шагом знакомит нас с внутренним миром Пикассо всё ближе через произведения различных периодов его жизни. Уходящие в синеву портреты делают отсылку к «голубому периоду» в творчестве художника, который пришёлся на начало XX века и связан с тяжёлой утратой в жизни Пикассо — смертью близкого друга Карлоса Касагемаса. Именно с ним он приехал в Париж и начал прокладывать путь в мир искусства. Этот приём находит в дальнейшем своё проявление в обнажённых фигурах женщин. Далее художник предпочитает направление кубизма, где начинает прописываться фактура предметов. Позже он посвящает себя классицизму.
Этот период был обусловлен связью Пикассо в том числе с русским театром, где он играл важную роль в качестве декоратора. Большое место Пикассо отводит образу женщины, эмоциональное воплощение которой представлено в самых различных вариациях.
Даже когда его юная любовница понесла от него дитя, он всё ещё не мог заставить себя бросить супругу, поскольку это принесло бы ему потерю большей половины его состояния, а также имущества и даже работ.
Пабло Пикассо и Франсуаза Жило. Примерно в тот же период у него появляется ещё одна его любимая — Дора Маар, известная мастерица фотографии и искусства. Случилось так, что в один день обе они случайно увиделись в его мастерской, а затем, в результате небольшой ссоры, потребовали, чтобы художник выбрал между ними.
Пабло Пикассо и Жаклин Рок. Однако Пикассо был не так прост. Он сказал Доре и Мари, что им придётся самостоятельно разобраться друг с другом.
И в тот момент женщины действительно начали бороться за него в самом прямом смысле этого слова. Пабло называл это воспоминание одним из лучших в своей жизни, а также посвятил ему свою работу под названием «Птицы в клетке» 1937 , которая изображает черно-белых голубей. Ссора с Шагалом Шагал и Пикассо.
Эти два великих по своей сути художника довольно долго дружили. Однако эта связь разрушилась впоследствии всего одного ужина и нескольких слов, которые были сказаны сгоряча. После этого ни один из них не упускал возможности оскорбить или задеть, намеренно унизить и раскритиковать стиль другого.
Однако перед этим событием они были связаны крепкой дружбой, что длилась много лет, и без зазрения совести подчеркивали гениальность талантов друг друга. Закадычные друзья. Позже Пикассо даже сказал: «После смерти Анри Матисса, Шагал стал единственным, кто правда знает всё о цвете и легко им орудует.
Мне не очень нравятся его фигуры ослов, петухов или скрипачей, однако это не отменяет того факта, что они вплетены в общую канву, а не просто собраны в одном месте. Большинство его последних работ в Венце убеждают меня в том, что с момента появления Ренуара и до сегодняшнего дня не существовало никого, кто управлял бы тенями так мастерски, как это делает он». Размолвка случилась в конце 60-х годов.
Тогда Пабло и Франсуаза Жило отправились к его другу на ужин по его приглашению. После того, как они выпили немного вина, они вступили в диалог. Пабло спросил у своего друга, когда он планирует вернуться в Россию, на что тот заметил, что сделает это после самого Пикассо.
Также Шагал добавил, что до него дошли слухи, что самому Пабло нравилось в России, однако он не любил там работать, а потому он предпочтет задержаться на месте и дождаться, пока его друг отправится туда первым. Марк и Пабло. Это задело Пикассо, и он не смог не ответить в язвительном тоне.
Гений обронил фразу о том, что Шагал, вероятно, никуда не поедет, если это не будет связано с личной и финансовой выгодой. Жило, которая наблюдала за этим конфликтом, позже сказала о том, что несмотря на ухмылку, которая осталась на лице Шагала, сказанные Пикассо слова действительно его задели. И на этом их древняя и крепкая дружба оборвалась.
Кража Моны Лизы Мона Лиза. Многие искусствоведы утверждают, что первоначально эта картина не была таким общепризнанным шедевром.
Под ней художник изобразил сидящую женщину. Ее левая рука тянется к зрителю, а правая рука прижата к коленям. Любопытно и то, что она соответствует эскизу, который Пикассо отправил коллеге в то же время.
До сих пор все, что можно было обнаружить в потерянной картине — слабый след очертаний силуэта женщины. Любая дополнительная деталь — например цвет и стиль — была утеряна. Как нейросети воссоздают произведения искусства Однако, используя нейронную сеть, обученную отличать стиль одного художника от другого или в случае таких художников, как Пикассо находить отличия одного периода от другого, исследователи из Университетского колледжа Лондона вдохнули в картину новую жизнь, воссоздав оригинал Пикассо. Портрет сидящей женщины, обнаруженный под слоем краски Основой для нейронной сети стала методика,которую в 2015 году разработал Леон Гатис из Университете Тюбингена Германия , под названием передача нейронного стиля. Техника машинного зрения может определить стиль картины и преобразовать его в соответствие со стилем другой картины.
Анри Руссо. Мандрил в джунглях. Амбруаз Воллар. Один из самых известных и влиятельных арт-дилеров мира. Этот человек вовсе не был лишен вкуса, он был равнодушен к кубизму Пикассо, но бизнесмен всегда боролся в нем с эстетом.
Воллар умел делать деньги и быстро понял, что продажи картин в США по протекции Гертруды Стайн - отличный заработок. Так он начал поддерживать Пикассо, Шагала, Мунка, то есть всю ту шелуху от искусства, которая так хорошо переходила в коллекции пресытившихся реализмом богатеев. Изначально Воллар продавал классическую живопись, чем привлек в свой магазин орлеанских принцев, короля Сербии, и множество особ с титулами, которые сделали имя и дали статус его магазину. Пользуясь огромным уважением света, Воллар впоследствии мог запудрить мозги любому покупателю. Но он нашел еще один нестандартный и умный путь: иллюстрированное книгоиздательство.
Естественно, Амбруаз Воллар не продавал бульварные романчики. Он печатал коллекционные книги для богатейших персон. Лично отбирал лучшую бумагу, контролировал шрифты, переплеты. Издавал литературную классику, ведь любой читатель со вкусом согласится, что "Басни" Лафонтена или "Мертвые души" Гоголя критиковать глупо. А дальше шли иллюстрации сомнительных мастеров к этим книгам.
Например, Пикассо иллюстрировал «Неведомый шедевр» Бальзака. Иллюстрация к "Неведомому шедевру" Бальзака Пол Розенберг - антиквар и дилер, коллекционер, содержавший Пикассо практически с самого приезда испанца во Францию собирал предметы искусства с масонской символикой. Ничего не замечаете? Не ожидали? Именно эта прослойка умных, богатых, но ущемляемых русских коллекционировала живопись и поддерживала художников.
Старообрядцы в царской России не могли получить офицерских чинов, платили двойные налоги и часто не имели другого выхода, как заниматься торговлей и промышленностью. Разбогатевшие, деятельные главы семейных кланов надеялись отстоять свои права, поэтому так рьяно начали бороться с царизмом, так запросто консолидировались с социалистами. Они находили разные варианты вложения средств, в том числе и в искусство, и тоже хотели покорять души развитой части общества посредством живописи, театра, скульптуры и музыки. Конечно, далеко не все они бросились осыпать Пикассо банковскими билетами, но Сергей Щукин и Иван Морозов, раскладывая яйца в разные корзины Щукину это впоследствии спасет жизнь , покупали холсты французского испанца. Именно эти работы мы можем увидеть сейчас в столичных музеях, ведь собрания старообрядцев национализированы.
Голова женщины. Сейчас искусствоведы с энтузиазмом рассказывают о стиле кубизм, придуманном Пикассо и о его небывалом новаторстве.