Филипп – пианист ещё очень молодой, и со студентами он говорил на понятном им языке, не избегая молодёжного музыкального сленга. Филипп Копачевский родился 22 февраля 1990 года в Москве. Пианист Филипп Копачевский представляет собой сплав романтической манеры исполнения с аналитическим пониманием музыки.
Филипп Копачевский - фортепиано и музыка,музыка, музыка....
Он оттачивал свое мастерство у профессора Консерватории Эммануила Александравича Монасзона. А именно, высочайший уровень техники и виртуозность игры на фортепиано дополняется у Филиппа Копачевского проникновением в душу и замысел исполняемых произведений, открытием личных глубоких переживаний. Это очень трудная задача - овладеть безукоризненной точностью и виртуозной техникой игры с артистизмом.
Вы много играете с известными коллективами и дирижерами. Что в этом случае важно для солиста — умение уловить стиль коллектива и быть ему созвучным или лидерские качества, способность быть услышанным на любом фоне? Бывают разные коллективы, разные дирижеры, разные оркестры. Если выходишь на сцену с таким фантастическим дирижером, как, например, Владимир Спиваков, не нужно много репетиций, потому что мы одинаково чувствуем, как это должно в итоге звучать. Работать с ним — одно удовольствие. Но бывают и другие ситуации, когда во время репетиций с оркестром возникают какие-то споры, нестыковки — тогда пытаемся найти консенсус с дирижерами, концертмейстерами — мы же все заинтересованы в конечном хорошем результате. Поэтому здесь должна быть совокупность и лидерских качеств, когда это нужно, и умения «влиться» в музыкальный коллектив.
Участие в престижных музыкальных конкурсах — что это для вас: способ стать известным или совершенствовать свое мастерство? В свое время я много выступал на конкурсах, становился лауреатом, а сейчас я сконцентрирован на концертной деятельности. Мне кажется, конкурсы — это этап становления музыканта; победы в конкурсе в какой-то мере «делают имя» и тогда уже на смену конкурсам приходят концерты. На данном этапе я никогда не пожертвую концертом в пользу конкурса, потому что в конкурсе ты играешь для себя, а на концерте — для публики. Ваш концерт в Вологде планировался в марте, но по причине полученной травмы перелом пальца был перенесен.
Шашкиной , Московскую консерваторию и аспирантуру класс профессора С. Был стипендиатом Фонда М. С 2013 года — участник программ Санкт-Петербургского Дома музыки. С 20 лет — солист Московской филармонии. Лауреат престижных международных конкурсов — имени Ф.
Это доказательство, что конкурс ставит нас в определенные рамки. Чтобы победить, боишься, входя в "раж", проявлений спонтанности, интуитивности, чтоб не потерять в качестве. Включаешь аналитическое мышление, думаешь, даже подсознательно, кто сидит в жюри, одному одно нравится, другому - противоположное. Эта путаница в голове музыке совершенно не нужна.
На конкурсы ездить надо, но осторожно. Конкурсы цикличны. Крупные проходят раз в 4 года. Прошло 4 года и "Король умер, да здравствует король".
Поэтому конкурс просто дает шанс получить какие-то ангажементы и заявить о себе. И дальше спокойно играть концерты. Бывает, что прошлый лауреат даже на крупнейшем конкурсе по прошествии 4-х лет выпадает из нашего зрения. Ошибочно думают, что конкурс что-то гарантирует и кому-то что-то должен.
Существуют такие люди, как Кисин, который никогда нигде не участвовал. И Трифонов, я уверен, выбился бы за счет таланта и без конкурса. Да, конкурс может подстегнуть, сиди себе занимайся, готовься, время для этого расчищено, но... Фото: gorcom36.
Еще с детства никогда не мог учить то, что в скором времени не нужно играть. Может, это и плохо. Но я интуитивно дожидаюсь момента идеального расстояния до концерта и приступаю к работе над новым произведением. Для меня всегда интересно и близко то, над чем я работаю сейчас.
Честно говоря, я равнодушно когда-то относился к Шостаковичу. Однажды меня пригласили исполнить его Первый концерт, и сразу же позвали сыграть Второй. Таким образом, у меня в репертуаре два концерта Дмитрия Дмитриевича, которые я искренне за время работы полюбил и теперь с большим удовольствием играю. Просто, может быть, эта музыка какое-то время для меня не открывалась до конца.
А в процессе работы копаешь, ищешь и находишь много интересного. Как появилась "Голубая Рапсодия" Гершвина в моем репертуаре. Началось это очень давно. Мне было лет 15.
С нашим школьным оркестром нужно было играть Рапсодию Гершвина, и не могли никого найти в ЦМШ, кто быстро сможет выучить. Я ее выучил тогда за пять дней. Мы много ее играли и в нашем зале, и ездили в несколько интересных мест, в Звездый городок, например. Потом был большой перерыв, и вновь я сыграл ее с оркестром "Новая Россия".
Рапсодия очень интересна, неоднократно мной исполненная, она у меня прошла определенный путь развития. Доренский считает, что эту музыку нужно играть академично. Существует запись, где он замечательно ее исполняет, как раз академично, но невероятно интересно и оригинально при этом. Кто-то добавляет свои импровизации, как Денис Мацуев — он прекрасно это делает.
Я тоже ищу что-то свое. Сейчас моя рапсодия совсем другая, чем была в 15 лет. В попытке соединить два стиля — классическое понятие о концерте-рапсодии для фортепиано с оркестром и джазовую импровизацию — грань между ними может "плавать" как в сторону академизма, так и в джазовом направлении. При этом интерпретация может быть убедительной и та, и другая.
Все зависит от мастерства исполнителя, его идеи. Фото: omfil.
Выдающийся пианист Филипп Копачевский дал концерт в Вологде
Филипп Копачевский Филипп Копачевский Лауреат международных конкурсов, молодой пианист Филипп Копачевский уже снискал любовь и признание публики. Партию фортепиано исполнит солист Московской государственной академической филармонии Филипп Копачевский, сообщает пресс-служба учреждения. Пианист Филипп Копачевский представляет собой сплав романтической манеры исполнения с аналитическим пониманием музыки[4]. Филипп Копачевский — молодой пианист современности, солист Московской Государственной Академической Филармонии и лауреат международных конкурсов. Филипп Копачевский. Фортепиано.
Филипп Копачевский
Андрея Вознесенского 2017. Российский национальный оркестр Российский национальный оркестр РНО был основан в 1990 году народным артистом России Михаилом Плетнёвым. За свою более чем тридцатилетнюю творческую жизнь оркестр обрел международную известность и безусловное признание публики, став олицетворением русской музыкальной традиции и одним из ее ярчайших символов. В 2004 году РНО стал первым оркестром в истории симфонических коллективов нашей страны, получившим премию Grammy. Самый авторитетный в Европе журнал о музыке Gramophone включил РНО в двадцатку лучших оркестров мира. Вместе с тем, Российский национальный оркестр с самых первых шагов оправдывал свое название, уделяя огромное внимание концертной деятельности внутри страны.
Когда в трудные времена 1990-х столичные оркестры практически прекратили выезды в провинцию и устремились в гастрольные поездки на Запад, РНО начал проводить Волжские турне. Грандиозный просветительский проект для жителей городов Поволжья стал первым в ряду последовавших акций других известных исполнителей и коллективов, послужив для них наглядным примером. О весомом вкладе РНО и Михаила Плетнёва в современную российскую культуру свидетельствует тот факт, что оркестр первым среди негосударственных коллективов получил грант Правительства РФ, а в 2009 году обрел государственный статус. Оркестр регулярно выступает в лучших залах страны. С 2009 года в Москве проходит Большой фестиваль РНО, участие в котором принимают ведущие исполнители современности.
В школе моим педагогом была Кира Александровна Шашкина, первый педагог знаменитого пианиста Михаила Плетнева. Она научила меня самому важному: не только полагаться на мнение педагога, но и учиться думать своей головой. Кроме того, в детстве со мной занимался папа. Он обладает удивительной музыкальной интуицией: часто дома он говорил мне то, что потом на уроке повторяли педагоги. В Московской консерватории я учился у знаменитого профессора Сергея Леонидовича Доренского, у которого были тогда звездные ассистенты: Николай Луганский, Павел Нерсесьян, Андрей Писарев. Очень разные и очень интересные музыканты, каждый из которых привнес в формирование меня как музыканта что-то свое. Вы, наверное, один из самых молодых солистов? Каково это, быть частью одной из крупнейших концертных организаций мира? Это было для меня очень неожиданно и я счастлив, что так случилось. Проекты Московской филармонии дают молодым музыкантам самое главное: возможность играть на сцене, участвовать в концертах, гастрольную деятельность.
Для каждого музыканта это очень важно. Расскажите о своем опыте участия в музыкальных проектах и какая из ваших многочисленных наград Вам наиболее дорога? Вот, например, в спорте все понятно: кто быстрее пробежал 100-метровку, например , тот и победил. А в музыке все гораздо сложнее и на первый план выходят такие моменты, которые и описать словами порой сложно: интерпретация, стилистика, традиция и другие. Кроме того, это дело вкуса: кто-то любит мясо, кто-то - рыбу. Но от этого ни мясо, ни рыба хуже не становятся. Я уже много лет не играю на конкурсах, сделав исключение только для конкурса Чайковского, и конкурсы всегда меня интересовали в большей мере как стимул к работе, а не как соревнование. Являясь лауреатом многих международных конкурсов, я, тем не менее, не считаю, что это должно быть самоцелью для музыканта. Какой путь должен пройти классический музыкант, чтобы стать популярным.
Конкурс для меня — это, в первую очередь, не состязание, а стимул к работе, возможность новых концертов, ведь благодаря конкурсам тебя могут заметить и пригласить. Этот проект имеет неоценимую значимость для молодых исполнителей, ведь место музыканта — на сцене. Особую теплоту и благодарность я испытываю к Мстиславу Ростроповичу, который помогал мне, когда я был совсем юным. Мы ездили по всему миру, играли концерты. Один раз мне выпала большая честь выступить с Мстиславом Леопольдовичем, как с дирижером, на одной сцене. Большое влияние на меня оказал и продолжает оказывать Владимир Теодорович Спиваков, мы много музицируем вместе: он — невероятный человек и музыкант, и находиться с ним рядом всегда очень приятно. Я очень многому у него учусь. Невозможно не волноваться, когда чувствуешь ответственность за то, что делаешь. Пока концерт является событием для музыканта, он будет событием и для публики.
Особенно когда это касается композиторов 18-19 веков, о традициях исполнения которых мы знаем только из литературных источников, но чьих записей у нас нет. На мою первую учительницу по фортепиано, Киру Александровну Шашкину, часто жаловались, что она отправляла учеников с урока со словами: "Мне не нравится, иди ищи", — и не говорила, как нужно сыграть. А я тогда понял, что в этом вся суть! Учеников необходимо учить думать своей головой, без этого не получится самостоятельный музыкант. В Консерватории я учился у С. Доренского, у которого были ассистенты. Все они — совершенно разные индивидуальности. Луганский, Писарев, Нерсесьян — абсолютно разный пианизм, мышление, самобытность. И мне всегда было очень интересно ходить по очереди к трем разным ассистентам, а потом идти к шефу. Это просто кладезь самой разной информации! И мне бы хотелось, чтобы и начальные этапы музыкального образования могли подготовить к такого рода навыкам самостоятельного поиска. Это в музыке — самое необходимое, чужой головой играть нельзя. Помню, как П. Нерсесьян, например, гастролируя с концертами, в день работы в переполненном студентами классе консерватории мог уделить каждому не очень много времени. Но за эту условную четверть часа он вываливал огромную порцию потрясающей информации. В тебя как в мельницу засыпали зерна, а ты уж что сам перемелешь, то и твое. В моей жизни, слава Богу, ничего ультимативного никогда не было. Если это появлялось, я от этого старался бежать. Я не к тому, что можно играть неадекватно, все шиворот-навыворот. Рамки адекватности, безусловно, должны быть, такие же логичные, как заповеди: не убей, не укради. Но в целом возможность решения музыкальных задач огромная, гораздо больше, чем тот ресурс, который мы используем. Если посмотреть на великих музыкантов, то они безумно разные, а некоторые абсолютно "неправильные". С точки зрения как учить играть на рояле Горовиц — абсолютный нонсенс. Никто никогда не может научить тебя играть гениально, гениальность не имеет отношения к ремеслу. Это объективно. Иначе появился бы педагог в мире, который учил бы всех гениев. А такого нет. Это чудо, которому не научить. Вдохновение не приходит каждый раз и зависит не понятно от чего. Да, научить исполнительскому ремеслу - это задача педагога. Но задача педагога также и открывать литературу и живопись, другие сферы искусства, как это делал, например, Нейгауз. Он воспитывал не только любовь к занятиям музыкой, но и расширял кругозор ученика. Вы преподаете или планируете? Я провожу мастер-классы, хотелось бы даже чаще это делать. И сложнее всего с детьми. Ты пытаешься объяснить более взрослым языком и ловишь себя на мысли, что надо бы адаптировать информацию. Хотя я в 12 лет я пришел к Нерсесьяну, и он сразу занимался со мной как со взрослым, мне это было комфортно. В музыке, если ты идешь против себя, никогда не будет хорошо. Если не твое, не близкое тебе — не получится. Испытывали моменты исполнительского вдохновения, транса на сцене? Даже если они и были, не факт, что это правда. На сцене мозг работает по-другому. Это большая нагрузка. В эти моменты могут приходить абсолютно любые мысли, это такая мясорубка, которую не объяснить. Это мысли как под гипнозом или под наркозом. Мозг что-то генерирует, и верить этому не всегда можно. Музыку словами объяснить невозможно. Тайна музыки — это время. Мы так привыкли к тикающим секундам, нам кажутся они обыденными. А это совершенно неизученная субстанция. Благодаря музыке время становится живым.
Филипп Копачевский: иногда я чувствую себя человеком из XIX века
Программа началась с исполнения произведений И. Продолжился концерт "Этюдами" Дебюсси, где словно весенний дождь с грозой лился на залом Чайковского, то усиливаясь, то затихая. А капли воды звонко ударялись об оконное стекло и скатывались на землю. И, казалось бы, всё, концерт окончен. Но публика неиствовствовала в аплодисментах, раз за разом вызывая музыканта на поклоны. И он дважды сыграл на "бис" Грига "Летний вечер" и пьесу Горовица 05. Я взял блиц-интервью для проекта Москультура после концерта: - Скажите. Филипп Копачевский: "Как обычно.
Лауреат восьми международных конкурсов, в том числе Х Конкурса пианистов имени Шуберта Германия и Конкурса пианистов в Энсхеде Нидерланды. Выступает с Госоркестром России имени Светланова, Симфоническим оркестром Мариинского театра, Большим симфоническим оркестром имени Чайковского, Российским национальным оркестром, Национальным филармоническим оркестром России, Государственным симфоническим оркестром «Новая Россия», Академическим симфоническим оркестром Московской филармонии, Академическим симфоническим оркестром Санкт-Петербургской филармонии, оркестром Московского театра «Новая Опера», Английским камерным оркестром, оркестрами Sinfonia Varsovia, Filarmonica de Toscanini, Миланским симфоническим оркестром имени Верди, Национальным оркестром Иль-де-Франс и другими. Сахарова Нижний Новгород , памяти В. Лотар-Шевченко Новосибирск.
Никто не слышал, как играет Паганини. Но все соглашаются с тем, что он гений. Бесподобный Филипп Копачевский оттачивал свое мастерство у профессора Консерватории Эммануила Александравича Монасзона. А именно, высочайший уровень техники и виртуозность игры на фортепиано дополняется у Филиппа Копачевского проникновением в душу и замысел исполняемых произведений, открытием личных глубоких переживаний. Это очень трудная задача - овладеть безукоризненной точностью и виртуозной техникой игры с артистизмом. Еще раз повторяю, Святослав Рихтер рядом с Филиппом Копачевским кажется бледной тенью.
Все они — совершенно разные индивидуальности. Луганский, Писарев, Нерсесьян — абсолютно разный пианизм, мышление, самобытность. И мне всегда было очень интересно ходить по очереди к трем разным ассистентам, а потом идти к шефу. Это просто кладезь самой разной информации! И мне бы хотелось, чтобы и начальные этапы музыкального образования могли подготовить к такого рода навыкам самостоятельного поиска. Это в музыке — самое необходимое, чужой головой играть нельзя. Помню, как П. Нерсесьян, например, гастролируя с концертами, в день работы в переполненном студентами классе консерватории мог уделить каждому не очень много времени. Но за эту условную четверть часа он вываливал огромную порцию потрясающей информации. В тебя как в мельницу засыпали зерна, а ты уж что сам перемелешь, то и твое. В моей жизни, слава Богу, ничего ультимативного никогда не было. Если это появлялось, я от этого старался бежать. Я не к тому, что можно играть неадекватно, все шиворот-навыворот. Рамки адекватности, безусловно, должны быть, такие же логичные, как заповеди: не убей, не укради. Но в целом возможность решения музыкальных задач огромная, гораздо больше, чем тот ресурс, который мы используем. Если посмотреть на великих музыкантов, то они безумно разные, а некоторые абсолютно "неправильные". С точки зрения как учить играть на рояле Горовиц — абсолютный нонсенс. Никто никогда не может научить тебя играть гениально, гениальность не имеет отношения к ремеслу. Это объективно. Иначе появился бы педагог в мире, который учил бы всех гениев. А такого нет. Это чудо, которому не научить. Вдохновение не приходит каждый раз и зависит не понятно от чего. Да, научить исполнительскому ремеслу - это задача педагога. Но задача педагога также и открывать литературу и живопись, другие сферы искусства, как это делал, например, Нейгауз. Он воспитывал не только любовь к занятиям музыкой, но и расширял кругозор ученика. Вы преподаете или планируете? Я провожу мастер-классы, хотелось бы даже чаще это делать. И сложнее всего с детьми. Ты пытаешься объяснить более взрослым языком и ловишь себя на мысли, что надо бы адаптировать информацию. Хотя я в 12 лет я пришел к Нерсесьяну, и он сразу занимался со мной как со взрослым, мне это было комфортно. В музыке, если ты идешь против себя, никогда не будет хорошо. Если не твое, не близкое тебе — не получится. Испытывали моменты исполнительского вдохновения, транса на сцене? Даже если они и были, не факт, что это правда. На сцене мозг работает по-другому. Это большая нагрузка. В эти моменты могут приходить абсолютно любые мысли, это такая мясорубка, которую не объяснить. Это мысли как под гипнозом или под наркозом. Мозг что-то генерирует, и верить этому не всегда можно. Музыку словами объяснить невозможно. Тайна музыки — это время. Мы так привыкли к тикающим секундам, нам кажутся они обыденными. А это совершенно неизученная субстанция. Благодаря музыке время становится живым. Музыкантам часто кажется, что они на сцене играют медленнее, а в реальности играют быстро. На сцене время сжимается. Если вдохновение приходит по расписанию, то есть большой шанс, что это не оно. Напряжение на сцене тоже бывает разное. Это зависит от совокупности факторов - от репертуара, от того, в какой ты находишься форме, много ли было времени для подготовки, разучивания, повторения. Из нашего разговора следует, что гениальность - это не ремесло, не пианизм, а это психодеятельность мозга.
Копачевский пианист
Лауреат международных конкурсов, солист Московской государственной академической филармонии, пианист Филипп Копачевский уже снискал любовь и признание публики. не только пианист, но и художник, которого однажды вдохновил Таллинн. фото: архив Филиппа Копачевского Новогодним подарком любителям музыки стал сольный концерт молодого российского пианиста Филиппа Копачевского. Филипп Копачевский дважды выступил в Большом зале Санкт-Петербургской филармонии: 17 и 18 ноября 2012 в сопровождении Академического симфонического оркестра под управлением А. Дмитриева он исполнил «Бурлеску» Р. Штрауса.
Филипп Копачевский: «Пока для тебя концерт — это событие, он будет событием и для публики…»
Музыкант Филипп Копачевский родился: 22 февраля 1990 г (34 года). Филипп Копачевский родился 22 февраля 1990 года в Москве. Philipp Kopachevsky слушать лучшее онлайн бесплатно в хорошем качестве на Яндекс Музыке. Филипп Копачевский дважды выступил в Большом зале Санкт-Петербургской филармонии: 17 и 18 ноября 2012 в сопровождении Академического симфонического оркестра под управлением А. Дмитриева он исполнил «Бурлеску» Р. Штрауса. Лауреат международных конкурсов, солист Московской государственной академической филармонии, пианист Филипп Копачевский уже снискал любовь и признание публики. Филиппа Копачевского!
Пианист Филипп Копачевский сыграл с белгородским симфоническим оркестром
Однако пройти в финал ему не удалось из-за оценок жюри, и зрители посчитали это решение несправедливым. Но он всё равно смог привлечь внимание критиков из данной области. Сейчас Филипп Копачевский концерт даёт чаще всего при поддержке филармонического коллектива. За период карьеры уже выступил в главных театрах стран СНГ и Европы. Большое признание он получил в Японии благодаря исполнению творчества Шопена. В списке композиций на выступлениях играются знаменитые произведения авторов прошлого.
Филипп Копачевский: что известно о личной жизни и семье Мужчина не любит рассказывать о своей семье. Он познакомился с женой через общих знакомых. Она работает музыковедом, поэтому у неё много общего с мужем.
Но истинные любители и знатоки музыкального искусства приходят в концертные залы, как сейчас говорят, за драйвом, ощутить который куда приятнее в живом звуке. Отступают ли такие эмоции перед сложившейся со временем привычкой выхода на сцену?
Филипп: Кто-то считает, что предконцертные волнения происходят из-за «интерпретации», но это лукавство, не более того. Потому что на сцене все, как в жизни, волнуются об обыденных вещах: забыть нотный текст, зацепить другую ноту, разойтись с оркестром и так далее. Как справиться с поставленными задачами? Конкретных рецептов нет, но, к счастью, срабатывает инстинкт самосохранения, переведенный на исполнительский язык. В тоже время, я знаю музыкантов, которые действительно не испытывают сценического волнения.
Но человеческий фактор в том смысле, о котором вы говорили — вещь непредсказуемая. Если вам интересно мое мнение, что бы ни говорили, но перед выходом на сцену волнение даже полезно, ведь каждый концерт для исполнителя — событие, и пока он так считает и чувствует, аудитория тоже будет воспринимать его концертное исполнение как событие. Расскажу вам жизненную историю. Общеизвестный факт — гениальный композитор и пианист Роберт Шуман отличался неустойчивой психикой. В его жизни было немало переживаний, эмоциональный фон которых «спровоцировал» создание выдающихся творений, говорящих о внутреннем надломе композитора, его тоске.
Среди них «Гейстер вариации» — одно из последних произведений Шумана, не пользующееся особой популярностью у исполнителей. В основе «Вариаций» лежит простая песенная тема, развитие которой направлено на усложнение музыкального языка. Возникает вопрос: почему произведение выбивается из единого стиля? Ответ на этот вопрос надо искать в состоянии самого Шумана, который написал «Вариации» после попытки самоубийства и выхода из больницы для душевнобольных. Шуман рассказывал, что тему «Вариаций» он услышал от ангелов, снизошедших к нему в образах композиторов-романтиков Франца Шуберта и Феликса Мендельсона.
Затуманенное сознание Шумана не позволяло ему вспомнить, что до попытки самоубийства, он использовал эту тему в Скрипичном концерте, история создания которого тесно переплетается с «Гейстер вариациями». Знакомство с судьбой Шумана помогло мне на чувственном уровне пережить то состояние, которое испытывал композитор при написании этого сочинения. Обретенное понимание многое определило для меня в интерпретации «Вариаций». А обнародование столь волнующего биографического факта из жизни композитора приоткрыло завесу непонимания, вызвав активный интерес к произведению со стороны широкой аудитории. В связи с этим, возможен ли интерпретационный плагиат?
Ведь многие педагоги ориентируют своих учеников на «копирование» чьей-то понравившейся манеры исполнения. Филипп: Такое подражание не родит настоящего. Да и вряд ли ученики смогут сыграть так, как играют великие. Необходимо правильно расставлять акценты: слушание профессионального исполнителя должно быть ориентировано на изучение мастерства. В моей жизни было немало концертирующих педагогов, я ведь учился в Московской консерватории в классе профессора Сергея Леонидовича Доренского — блистательного педагога и пианиста, великого человека, который, к сожалению, покинул этот мир 26 февраля.
Денис Мацуев, Николай Луганский, Андрей Писарев, Вадим Руденко, Екатерина Мечетина — далеко не полный перечень громких, признанных в мире воспитанников Доренского, каждый из которых отличается яркой индивидуальностью. Сергей Леонидович позволял каждому из нас оставаться самим собой. Да потому что здесь речь идет об успешных музыкально-педагогических методиках, вобравших в себя наиболее жизнеспособные, устойчивые компоненты. Конечно же, я слушал и продолжаю слушать музыку, но с уверенностью могу сказать, что ни на чем никогда не «зацикливался». Возможно, такая свобода от эталонов поначалу происходила на интуитивном уровне, но со временем пришло понимание — даже универсального пианизма недостаточно для полного прочтения авторской идеи, а значит, и для реализации собственного видения и понимания исполняемого произведения.
К тому же передать чужие мысли — для этого надо очень и очень постараться. Но однозначно всегда слышно, когда исполнитель делает что-то противное его собственному «я». Сразу же оговорюсь, сказанное не претендует на «истину в последней инстанции», а отражает лишь мое мнение. Ведь ничего удивительного нет в том, что кто-то, к примеру, с удовольствием играет Бетховена, но не любит и не играет Шопена, или обращается к наследию Брамса, но ему чужд Прокофьев — и таких примеров немало. Филипп: Ту, которая мне нравится.
А ту, что не нравится, не играю.
У него через три часа — репетиция, через шесть часов — концерт в Средиземноморском конференц-центре в Валлетте, через день — концерт в Берлине. А еще через минуту, точно в назначенное время, без секундной задержки, в холл отеля спускается сам Филипп Копачевский — гость 7-го Мальтийского международного музыкального фестиваля. Спускается, чтобы мы успели побеседовать о том, что привело музыканта на небольшой средиземноморский остров по имени Мальта. Концерт как событие — Это не первое музыкальное событие, организованное Европейским Фондом Поддержки Культуры, в котором вы принимаете участие? Я всегда рад нашему сотрудничеству, всегда все организовано на самом высоком уровне. На концертах, организованных Фондом, выступают прекрасные музыканты, и для меня большое удовольствие работать с ними, а сейчас — быть здесь, на Мальте.
Музыканты, даже исполняя одно и то же произведение, постоянно меняются. Бывает, что сегодня ты играешь так, а завтра — по-другому, и это самое важное для того, кто занимается творчеством, на мой взгляд. Потому что, если все будет одинаково, тогда просто можно записать один единственный диск и бесконечно его слушать. Люди приходят в концертный зал именно за впечатлениями, и впечатления от каждого концерта должны быть особенными. Не должно быть рутины. Бывает, что в чем-то, предположим, веселом, ты можешь почувствовать какое-то двойное дно, сарказм или другую драматургию, если у тебя такое настроение в этот момент. Музыка сама по себе натуральна, природна, она — как горизонт, как дерево, изменяющееся от ветра, от погоды, света, от всего.
Это такой живой организм, который постоянно меняется. Как на вас влияет зал? Есть и новые залы, которые только обретают свою атмосферу. Акустика очень многое меняет в игре, то есть мы говорим о совокупности большого количества факторов. Конечно, мы, как интерпретаторы, исполняем то, что написано в нотах, и это пытаемся донести слушателям. Мы делаем это, в том числе, сквозь призму нашего века, нашего времени. Когда мы играем Моцарта или Бетховена, мы не знаем, как играли эту музыку тогда.
Мы можем только догадываться. Поэтому важно знать и исторический контекст, и эмоциональное состояние автора,когда создавалось произведение. Вместе с тем, конечно, мы привносим в игру свою исполнительскую индивидуальность. Есть многие музыканты, которые говорят: «Все написано в нотах, и больше ничего не нужно! Это лукавство, на мой взгляд.