Началось деление театров по видам: на рубеже 16-17 вв. появилась опера, с середины 18 в. – балет, в 19 в. – оперетта. Считается, что театр возник в Древней Греции в V-VI вв. до нашей эры. Спектакли проводились в построенных специальным образом амфитеатрах (о них в отдельном посте). 10 сентября 1756 года указом императрицы Елизаветы Петровны в Санкт-Петербурге был учрежден первый русский театр. Если вы любите театр, его атмосферу, его запах и вид, если вы хотите знать о нём больше и хоть раз задавались вопросом “как выглядят традиционные спектакли в других странах?”, то этот курс для вас.
От Древней Греции до современности: интересные факты во Всемирный день театра
Он появился в 1989 году, передает корреспондент «МИР 24» Анастасия Глебова. Новости и события Российского исторического общества. 28 марта 1776 года в Москве был основан один из самых известных театров мира – Большой театр. 10 сентября 1756 года указом императрицы Елизаветы Петровны в Санкт-Петербурге был учрежден первый русский театр. Дата основания: 1791 год Театр русской драмы появился в городе еще в XVIII веке, в 1791 году, когда город по приглашению властей приехал петербургский артист Василий Бобровский. Первые театральные куклы появились в Древней Греции.
История театра. От истоков до сегодняшнего дня.
Что будет дальше, не знал никто. Последней каплей стал прием, устроенный Никитой Хрущевым для работников культуры. Из всех руководителей московских театров не пригласили только Олега Ефремова. Нина Дорошина, игравшая в «Голом короле» принцессу, вела концерт, которым сопровождался прием. На нее была возложена важная функция: улучить момент, подойти к Хрущеву, объяснить ситуацию и попросить помочь. И вам надо много работать. Этой дамой оказалась Екатерина Алексеевна Фурцева, которая вскоре стала министром культуры», — рассказывала Нина Дорошина. Оно располагалось на площади Маяковского между памятником поэту и входом в ресторан «Пекин», но до наших дней не сохранилось — в 1974 году было снесено.
В 1965 году «Современник» получил статус театра, а не студии. Впервые Ефремов и его актеры вздохнули свободно: они уже были не шабашниками при МХАТе, а городским театром со штатным расписанием и финансированием. Актеров «Современника» начали приглашать в кино. Чтобы съемки не мешали работе театра, Ефремов предложил эксперимент: сняться всем вместе. Он вывез половину труппы в Саратов и сам снял для «Мосфильма» картину о жизни рабочих, занятых на строительстве моста. В основу лег документальный очерк Наума Мельникова, съемки проходили на фоне строительства реального моста, но интеллигентным московским актерам в образе представителей рабочего класса не поверили. Не понравились в Госкино и некоторые сцены — например, те, в которых рабочие пили.
Фильм «Строится мост» не запретили, но присвоили ему категорию, не предполагающую широкий прокат. Вскоре он принял решение оставить пост руководителя. Перед уходом из театра, созданного в противовес засилью классики на сцене МХАТа, Ефремов обратился к классическому чеховскому тексту, одному из самых популярных. Работа началась с вдумчивого чтения режиссерских тетрадей Станиславского, открывшего Чехова-драматурга, но, по словам Ефремова, не понимавшего его пьес. Как выяснилось, современные актеры тоже не очень хорошо представляют себе, что такое Чехов и как его играть. В 1972 году ефремовскую «Чайку» увидел польский режиссер театра и кино Анджей Вайда, приехавший в «Современник» по приглашению Галины Волчек ставить спектакль. Лилия Толмачева, игравшая Аркадину, вспоминала, что Вайда был в восторге: «Утром прихожу на репетицию.
Поверь мне. То гениально! Олег гений, ты, Лила, гений, спектакль — современный, умный. Так смешно, так смешно! Ее перестали показывать после смерти Евгения Евстигнеева, игравшего Дорна. Вводить в спектакль никого другого на эту роль не хотели. Уход Ефремова во МХАТ, куда его пригласили на пост главного режиссера, почти вся труппа расценила как предательство.
Разочаровавшись в идеалах оттепели, в современной режиссуре, он видел свой дальнейший путь в спасении МХАТа, к тому моменту находившегося в тяжелом положении. Ефремов предполагал, что «Современник» войдет в состав Художественного, но труппа распорядилась иначе. Художественное руководство взяла на себя несколько позже Галина Волчек. Говорю как на духу.
Первая вдохновляет на трагедию, а вторая — на комедию. В давние времена актрисы в театрах использовали веера не от жары — они выполняли роль суфлеров. Они могли разместить на задней стороне подсказки, чтобы вспомнить сложные фразы во время выступления. Кроме того, посетителям тоже порой раздавали веера, на которые наносились программы и отрывки из пьес.
Само слово «театр» произошло от древнегреческого theatron — оно переводится как «место для зрелищ». В Древней Греции в театрах существовала особая должность — «рабдух». Его работа заключалась в усмирении слишком шумных и возбужденных зрителей. У актеров кукольного театра и кассиров есть свои праздники. Так, 21 марта отмечается Международный день кукольника, а в каждый первый понедельник марта — День театрального кассира.
Развитие театрального искусства началось именно в Древней Греции. В те времена люди надевали на себя козлиные шкуры и пели хвалебные оды. Это был так называемый хор сатиров, песнопения носили ритуальный характер. Именно тут кроется ответ на вопрос, какой театр появился первым. Настоящий первый театр появился в древней Греции В середине пятого века афинским поэтом Феспидом было принято решение приставить к распевающим песни людям помощника-декламатора, вступавшего в переговоры с сатирами, объяснявшего их поведение, изображавшего персонажей древних сказаний. Некоторое время спустя количество гипокритов, участвовавших в хоре, увеличилось до трех.
Помещики создавали крепостные театры не только для развлечения. Это был еще один способ щегольнуть богатством и просвещенностью. Держать усадебный театр было так же престижно, как и иметь псарню, зверинец, конюшню с племенными кобылами или оранжерею с экзотическими растениями. Крепостные театры существовали до того времени, как Александр II подписал Манифест об отмене крепостного права. Актеры и театральные сотрудники получили право уходить от теперь уже бывших хозяев, создавать собственные труппы, гастролировать. Некоторые усадебные театры перешли на коммерческие начала, но большинство просто опустело. Первый русский театр имени Волкова История Волковского театра восходит к кожевенному амбару, в котором, по преданию, два с половиной века назад молодой купеческий сын Фёдор Григорьевич Волков с братьями и друзьями начал устраивать в Ярославле театральные представления. Первое из них прошло 10 июля 1750 года в кожевенном амбаре отчима Фёдора, купца Полушкина — это была «Эсфирь» Жана Расина в переводе Фёдора Волкова. Специальное театральное здание открылось на Никольской улице 7 января 1751 года Первой постановкой была трагедия А. Сумарокова «Хорев». Для были изготовлены первые костюмы и декорации. Слух о молодых ярославцах дошёл до императрицы Елизаветы Петровны, которая в январе 1752 года вызвала их в Петербург специальным указом. С тех пор основатель театра в Ярославль больше не возвращался. Театр Фёдора Волкова в Ярославле принято считать первым русским публичным общедоступным профессиональным театром. Разумеется, в те времена в России существовало немало театральных трупп, прежде всего иностранных, «баловались театром» школяры, нередки были разовые постановки театральных действ «по случаю». Тем не менее, ярославский театр Фёдора Волкова считается первым. Именно он впервые отвечал всем характеристикам, заложенным в определении — Русский Публичный Профессиональный Театр Русский Русский — потому что здесь русские актёры играли пьесы на русском языке. Публичный Публичный — потому что он был общедоступным, в отличие от театров дворцовых, домашних или школьных; ранжир публики в зале зависел именно от цены на билет, а не от социального статуса Профессиональный Профессиональный — потому что актёры получали зарплату за свой труд, актёрство стало их профессией. Театр Театр — потому что это была не труппа, не отдельная постановка, а именно театр с организационной точки зрения — с постоянным репертуаром, с билетным хозяйством, со всей «матчастью» — зданием, декорациями, костюмами. В 1756 году императрица Елизавета Петровна издала указ «Об учреждении Русского для представления трагедий и комедий театра». Указ этот закреплял правительственной поддержкой и «высочайшим» покровительством попытку театральных любителей из Ярославля, объединенных двумя русскими гениальными самородками — Федором Волковым и Иваном Дмитриевским, создать постоянный русский театр. На сцене Знаменского театра произошли выдающиеся события русской театральной истории. Здесь в 1777 году была поставлена русская опера «Перерождение» Матинского, созданная по мотивам русских народных песен. Здесь же два года спустя увидела свет рампы и знаменитая опера Аблесимова «Мельник, колдун, обманщик и сват», не забытая до сих пор. На сцене Знаменского театра была показана и четырехактная «драма с голосом» «Розана и Любим» Николева на музыку Керцелия — одна из первых русских комических опер, шла новая трагедия Хераскова «Гонимые», ставились трагедии Вольтера, комедии Гольдони и Мольера. Открытие Петровского театра Петровский театр открылся торжественным спектаклем, в программе которого были специально написанный Аблесимовым пролог «Странник» и большой балет «Волшебная школа». В Петровском театре давались оперы и балеты, трагедии и комедии. В музыкальных и драматических спектаклях участвовали одни и те же актеры, что вообще было обычным в те времена. Артисты театра играли без суфлера. Современники утверждают, что в Петровском театре никогда не случалось, чтобы пьеса была «плохо распределена или нерачительно поставлена». Это был актер большого темперамента и глубокой искренности. Играл он роли благородных отцов. Ее амплуа было добродетельные, страдающие героини. О она неподражаемо играла злодеек и мрачных интриганок. Расцвет Останкинского театра П. Шереметев по большей части занимался своей родовой усадьбой в Кусково, а Останкину он отводил чисто хозяйственную роль. Умирает П. Шереметев в 1788 г, оставив все свои богатства единственному сыну — Николаю Петровичу. Именно с его именем и связана история возникновения и расцвета Останкинского театра. Шереметев был одним из самых просвещенных людей своего времени. Он получил прекрасное образование, много путешествовал по Европе, слушал лекции в Лейденском университете, брал уроки музыки у известного парижского виолончелиста Ивара, страстно любил театр, собрал великолепную библиотеку. В 1777 г. Шереметев вышел в отставку и всецело предался своему увлечению искусством. Его мечтой было создание грандиозного Дворца искусств, который объединил бы в себе театр, библиотеку, кунсткамеру, картинную и культурную галерею. Полностью воплотить свой проект в жизнь граф не сумел, и вместо Дворца искусств в Останкине появился Дворец-театр. На склоне лет Н. Шереметев писал: «Украсив село мое Останкино и представив его зрителям в виде очаровательном, думал я, что, совершив величайшее, достойное удивления и принятое с восхищением дело, в котором видны мое знание и вкус, буду всегда наслаждаться покойно своим произведением». Дворец-театр строился с 1792 по 1798 год, но основные работы были завершены уже к 1795 г. Театральную труппу составили актеры из Кусковского театра. Кусковский театр к тому времени усилиями отца Н. Шереметева был несравненно богаче тогдашнего московского. По мнению знаменитого историка и бытописателя России XIX в. Театр в первой половине XIX века XIX век в истории России был наполнен множеством событий, оказавших сильнейшее влияние не только на жизнь современников и дальнейшую историю страны, но и на культурное развитие. Театральная жизнь в XIX веке не просто развивалась, она по настоящему расцвела. Именно в это время стали появляться первые театры, сохранившиеся по сей день, писаться пьесы, тематика которых актуальна и сегодня и, наконец, именно в этом столетии появились первые актеры и театральные критики, чьи имена вошли в историю искусства. Театральное искусство этого времени прощалось «с екатерининской эпохой, с ранним русским классицизмом». XIX век в первую очередь ознаменован годами Великой отечественной воны с армией Наполеона. В театре с огромным успехом идут пьесы, посвященные борьбе за отечество, прославляющие подвиги героев. Наибольшей популярностью пользовались трагедии В. В его произведениях раскрылось дарование замечательных трагических актеров Алексея Семёновича Яковлева и Екатерины Семёновны Семёновой. Самой яркой постановкой Озеровских пьес стала премьера «Дмитрия Донского» с Яковлевым и Семёновой в главных ролях в петербургском Большом театре. Премьера состоялась за несколько месяцев до заключения Тильзитского мира, который многие считали унизительным для России.
Всемирный день театра – когда и где появились первые храмы искусства
Включение партитуры в ткань спектакля происходит в контакте с заведующим постановочной частью, то есть непосредственным руководителем радиоцеха, отвечающим за воспроизведение записи во время спектакля. Параллельно с репетиционным процессом идет подготовка к последнему важнейшему этапу — организации проката спектакля. Так как без зрителя театр невозможен, необходимо создать оптимальные условия для показа спектакля максимальному числу зрителей. Это — главное условие как для художественного, так и для коммерческого успеха представления. Эта часть работы находится в ведении заместителя директора по зрителю и подчиненного ему штату театральных администраторов. Разрабатывается оптимальный график проката спектакля на стационаре и гастролях, организуется распространение билетов.
При этом учитываются интересы и потребности разных социальных и возрастных категорий зрителей, привязка тематики спектакля к календарным датам или иным событиям. Так, одной из распространенных практик проката спектаклей классического репертуара является предложение билетов в школах в тот период, когда данное произведение драматургии изучается в рамках школьной программы. Еще до премьеры организуется рекламная кампания спектакля: разрабатываются и печатаются афиши, плакаты, буклеты, программки и т. К разработке рекламной кампании и графика проката привлекается заведующий литературной частью театра, организующий публикацию статей и интервью в прессе, на телевидении и в других средствах массовой коммуникации. В рамках рекламной кампании проводятся и творческие встречи со зрителями исполнителей главных ролей и других членов постановочной группы — это весьма эффективное средство формирования зрительского интереса.
Успешное осуществление работы на всех трех этапах подготовки спектакля суть организации театрального дела. В зависимости от формы спектакля, типа театра, его географического положения, количества сотрудников, степени известности коллектива или отдельных «звезд» варианты прохождения этих этапов чрезвычайно многообразны — как по времени и объему работы, так и по количеству занятых в нем специалистов. Каждый из этих этапов может быть подробен и растянут во времени, а может быть осуществлен в «свернутом» виде. Так, странствующий средневековый кукольник мог один изготовить своих «артистов», ширму для представления, пищик и свой костюм. В подготовке же современного антрепризного мюзикла может участвовать не одна сотня специалистов, включая, например, экзотического для российского театра директора по кастингу.
Или: единственный театр в небольшом городе, куда приглашается для участия в спектакле актер-«звезда», может не нуждаться в широкой рекламной кампании — для серии аншлагов будет достаточно информационного обеспечения. Однако обойтись без работы по каждому из этапов невозможно, что, собственно, подтверждается всей огромной историей мирового профессионального театра. В то же время конкретные пути становления и развития профессионального театра в разных странах и государствах имели свои отличительные черты, связанные с социальным устройством, идеологической доктриной и, что важно, особенно с господствующей религией, в частности, со степенью ее терпимости к архаическим религиозным воззрениям. В дальнейшем своем развитии театры разных стран шли по разным путям. Театр Востока.
Для традиционного театра Востока преемственность обрядово-ритуальных действ свойственна в наибольшей степени. Только там до сего дня бережно сохраняются многочисленные формы архаичных традиционных театров — драматического, кукольного, музыкального; причем сохраняются не как застывшие музейные экспонаты, а как живое художественное течение, имеющее своих многочисленных поклонников. Это одинаково справедливо для символического, семантически нагруженного, традиционного театра Индии как его народной, так и придворно-аристократической линий ; театра Японии особенно Ноо, Кабуки, театра кукол Дзёрури ; театра Китая в котором традиционно сильны музыкальная, вокальная и танцевальная линии. К театрам этого типа примыкают все формы индонезийского культового театра Ваянг: ваянг-кулит театр теней ; ваянг-голек театр объемных кукол ; ваянг-топенг театр масок ; ваянг-оранг театр живого актера и мн. Все эти формы сохранены сегодня в живом контексте культуры.
При всем разнообразии форм и видов театра Востока к ним относятся также мистериальный тибетский театр Цам; балийский мимико-пластический театр — о нем как об откровении писал Антонен Арто; вьетнамский театр Туонг, и мн. В первую очередь это высокая степень семантической насыщенности всех его элементов, а следовательно — условности изобразительных средств. В определенном смысле этот театр всегда был адресован искушенному, «посвященному» зрителю, способному считывать сложный символический код пластики, жестикуляции, мимики. В этом сохраняются традиции ритуальных действ — диалога с богами. На такой путь развития театра и сохранения его традиционных форм, несомненно, оказал благотворное влияние его традиционно высокий общественный статус: занятия театром на Востоке всегда были уважаемым и почтенным делом.
Сакральность театрального действия помогала сохранять его близость к религиозным ритуалам. Во многом эти особенности театра Востока определялись его развитием под эгидой и в рамках буддизма театр юго-восточных цивилизаций — и под влиянием индуизма. Театр Африки. По сходному пути шло развитие традиционного театрального искусства в Африке. Сохранившиеся в незыблемости старинные религиозные верования и древние анимистические культы обусловили и сохранение традиционных ритуальных представлений, насыщенных танцами, пластическими действами, песнями, барабанными ритмами маримбы и тамтамов.
Эти традиционные представления проходят на открытом воздухе, и приурочены к различным знаковым событиям — сбору урожая, окончанию полевых работ, удачной охоте, примирению племен, рождению ребенка и т. У африканских народностей, относящихся к мусульманской конфессии Южная Нигерия и др. Театр Европы. Наиболее драматичным и противоречивым было развитие европейского театра, развивавшегося под влиянием христианской религии. Если в Древней Греции театр считался государственным делом и соответственно драматурги и актеры были уважаемыми гражданами и могли занимать высокие общественные должности , то во времена Римской Империи общественный статус театрального искусства сильно понизился.
Представления устраивались все чаще, но основной упор в них переносился на зрелищность. Театральные представления заменялись получившими огромное распространение гладиаторскими боями, проходившими в Колизее и других театральных зданиях. Здесь же устраивались и более кровавые зрелища — массовая охота, единоборства со зверем, публичное растерзание дикими зверями безоружных людей главным образом, осужденных преступников. Активно развивались цирковые игры — состязания колесниц, кулачные бои и др. Театральное искусство постепенно приходило в упадок.
К этому времени оно окончательно утеряло связь с ритуалом и свой сакральный характер. Изменилось и социальное отношение к актерам: из уважаемых граждан, общественных деятелей они перешли в самые низшие слои общества. Средневековый театр. Однако времена римской империи были не самыми печальными в мировой истории театра. Во времена становления христианства молодая религия боролась с пережитками язычества и его ритуалов, несомненно, прослеживавшихся в театральном искусстве.
Актеры окончательно превратились в изгоев общества и подвергались жестоким преследованиям. Светские театры были закрыты; зрители объявлены заблудшими душами, актеры — детьми сатаны и вавилонской блудницы. Этап гонений на театр продолжался около тысячи лет: уже в 14 в. Актерам было отказано даже в загробной жизни — их, вместе с самоубийцами, хоронили за кладбищенской оградой, вне освященной земли. Европейский театр в христианских странах должен был погибнуть, но этого не произошло.
Крохотные мобильные труппы уцелевших мимов и одиноких странствующих комедиантов, рискуя жизнью, показывали свои представления в деревнях и селах. В их творчестве сохранилось то, что позволило начать возрождение театрального искусства. Затаенный процесс упорно шел по всей Европе, об этом свидетельствует то обстоятельство, что в каждой европейской стране странствующие комедианты назывались по-разному: гистрионы , жонглеры, шпильманы, франты, менестрели, хугляры, мимы и др. Особый интерес представляли ваганты, бродячие певцы-сказители из среды недоучившихся семинаристов и разжалованных священников. В творчестве странствующих актеров, и особенно вагантов, развивалась преимущественно сатирическая линия, оппозиционная официальной идеологии.
Это на первый взгляд кажется парадоксом, но на деле оборачивается закономерностью. Религия обращена не только к разуму, но и к эмоциям человека. При этом самой сильной эмоцией является коллективная — на ней, собственно, строится сакральное воздействие богослужений. В том числе христианских, православных литургий и католических месс.
Например, в Малом драматическом театре Льва Додина и в Большом драматических театре Андрея Могучего для ряда спектаклей декорации построены на строительных конструкциях Layher, которые, по задумке режиссеров, часто открыты взгляду зрителя. Фестивальные сцены — прошлое и настоящее В двадцатом веке сформировался новый формат массовых выступлений — фестивали. Конечно, на первых из них сценические конструкции были довольно пимитивными. Сколоченный помост, первые попытки использования трубных конструкций строительных лесов, на которых ставились колонки и пытались повесить декорации — всё в духе «эпохи хиппи». Или посмотрите на весьма скромный сценический сет группы Битлз. Концерты Битлз Концерт Пола Маккартни в 2004 году А вот во что это превратилось чуть позднее, потому как помимо использования модульных конструкций, большое развитие сценических решений произошло благодаря английской компании TATE, о которой мы уже говорили. Концерт в честь 850-летия Москвы Основным толчком для развития российской фестивальной сцены послужило 850-летие Москвы в 1997 году с грандиозным концертом Жана-Мишеля Жарра и лазерным шоу на здании МГУ. Тогда в Россию привезли первый набор строительных лесов и впервые закупили европейское оборудование — это были первые комплекты Layher. Эпоха самоварных конструкций, сделанных на коленках, закончилась. Современные фестивальные сцены неотрывно связаны с высокими технологиями: организаторы используют video-mapping, объемные конструкции, превращающие площадку в объемную инсталляцию, устанавливают на ней многометровые экраны, пиротехнику, световое и звуковое оборудование по последнему слову техники. Фестиваль Tomorrowland Крупнейшее событие для поклонников электронной музыки в Бельгии привлекает туристов не только хедлайнерами, но и своими удивительными сценами. Проходящий в небольшом городке Бум фестиваль за восемь лет с его запуска посетили 180 тыс. В 2019 году действие проходило на 18 сценах. Больше всего внимания всегда привлекает главная сцена фестиваля, которая представляет собой масштабную, нашпигованную современными технологиями, инсталляцию. Как она выглядит можно увидеть на фото. Всемирные игры кочевников 2018 На фото выше — сцена Всемирных игр кочевников, международных спортивных состязаний по этническим видам спорта, проходившие в Кыргызстане на побережье озера Иссык-Куль в 2018 году. Придумала и собрала её компания Stage Pro. Основной декорацией стал многоуровневый сценический комплекс, на который выводились световые проекции, создавая объемную картину. Сцена, образованная на первом плане, в ширину растянулась на 70 метров, а общий фронт застройки превысил 200 метров. Оборудование, которое привезли в Кыргизскую республику, чтобы оснастить площадку, заняло 25 еврофур. Kонцертный тур группы U2 Похожая на паука 360-градусная сцена тура долгое время занимала первое место в Книге рекордов Гиннеса как самая высокая сценическая конструкция. Помимо модульных конструкций для её строительства используются высоконагрузочные фермы в виде опорных башен, которые выполняют роль подвеса звуковых и световых приборов. Часть их располагается в аудитории и служит для расположения дилейного звука, а также для приборов следящего света и так называемых крыльев. Она была так же высока, как 23-этажный дом 69,37 метров , а её общая площадь составила 2900 квадратных метров. Организаторы использовали 1,3 тыс. Конструкцию собирали и разбирали 1,2 тыс. С 2017 года Villa Mix считается самой высокой сценой, когда-либо построенной в мире. Кстати, ещё мы рассказывали о самых-самых конгресс-холлах , аэропортах и ресторанах. Озёрная сцена на Брегенцском театральном фестивале Премьерная постановка «Риголетто» там же, намеченная на 2020 год Брегенцский театральный фестиваль Ежегодный фестиваль искусств проходит в австрийском городе Брегенц на пяти площадках, каждая из которых оформляется невероятными декорациями. Одна из сцен плавучая — находится прямо в Боденском озере и рассчитана на семь тысяч человек.
Маяковского, пьесы А. Чехова «Чайка» и «Вишневый сад», трагедии В. Театр успешно гастролировал по стране, выступал в крупных населённых пунктах Горьковской области. С 1932 года и до конца 1930-х годов Горьковский драматический театр оставался наиболее выдающимся творческим коллективом в регионе. В это время Н. Собольщиков-Самарин работал в театре художественным консультантом. Театр в годы войны С 17 мая по 22 июня 1941 года Горьковский драматический театр гастролировал в Москве. Закрытие гастролей совпало с роковым днем — 22 июня. В 12 часов начался дневной спектакль — уже успевшая понравиться москвичам «Зимняя сказка» Шекспира. И в то же время по радио прозвучало сообщение Молотова о нападении нацистской Германии на нашу страну. После первого антракта зал постепенно опустел, а вечерний спектакль отменили. Администрация театра и актёры сразу же решили возвращаться в Горький. Труппа с большим трудом покидала Москву. Уже начинались перебои в движении поездов. Добирались кто автомобилем, кто пароходом по каналу Москва-Волга, а кто и по Оке. Когда весь коллектив собрался в Горьком, было принято решение отказаться от очередного отпуска и продолжить работу в театре. Именно в тяжёлое военное время раскрылась сильная и глубокая связь театра со зрителем. Для игры на сцене во время войны часто выбирались спектакли, способствующие поднятию духа и патриотическому настрою. Зрительный зал каждый раз был переполнен, что свидетельствовало о высокой потребности людей в искусстве. Труппа театра работала без выходных. Вместо отдыха артисты выступали в госпиталях, воинских частях, колхозах в разных районах области и на других значимых объектах. В военные годы режиссёры также активно ставили спектакли по произведениям Максима Горького. С успехом шла пьеса «Мещане», а в 1942 года возглавивший художественное руководство Николай Покровский выпустил один из своих лучших спектаклей — «Варвары». А в следующем году режиссёр Всеволод Лермин выпустил в новой редакции спектакль «Враги». К 150-летию А. Грибоедова Н. Покровский поставил бессмертную комедию «Горе от ума» и сам исполнил роль Чацкого в нескольких премьерных спектаклях. Премьера состоялась в середине мая, через несколько дней после победы над фашистами. Великая Отечественная война победоносно завершилась. Четыре военных сезона театр держался изо всех сил, продолжая сохранять традиции.
Его появление было связано с состязаниями певцов, поэтов и актеров в честь праздника бога Диониса. Для зрителей не были предусмотрены особые удобства, но их это не смущало, и они рассаживались на холме, чтобы наблюдать за состязаниями. Для актеров были сделаны деревянные подмостки, которые, однако, были позднее заменены более удобную арену. Участники состязаний показывали свои выступления на сцене, окруженной низкой стенкой, благодаря которой можно было спрятать пока ненужный реквизит и декорации. Для выступающих была предусмотрена и палатка, где можно было переодеться. Так как праздник был посвящен Дионису, нет ничего удивительного, что в центре площадки стоял жертвенник богу, и все действие разворачивалось вокруг него. Чуть позже древнегреческий театр изменился. Зрители, наконец, смогли занять «настоящие» места — для них были сооружены сидения из мрамора для почетных гостей и из камня для зрителей попроще.
сколько лет существует театр?
Театр – это многогранное понятие, но чаще всего под ним подразумеваются вид искусства и место, где это искусство полноценно раскрывается. Всемирный день театра — это международный профессиональный праздник для всех, кто связан с театральной сферой. 2007 год, когда наконец-то появился свой дом на Саянах. отмечать событие предложили 60 лет назад, и это стало доброй традицией. История театра в России — К. С. Петров-Водкин. Театр. Фарс Содержание 1 До XVII века 2 XVII век 3 Крепостные театры 4 Гастрольные иностранные антрепризы 5 Императорские театры 5.1 XVIII век. Профессиональный театр появился в 1672 г. В России развивалась культура, образование.
История детского театра
Но не торговые дела позвали их в дорогу. Командовал обозом прибывший из Санкт-Петербурга подпоручик Дашков. Он выполнял повеление императрицы Елизаветы Петровны вызвать в столицу актеров, «которые в Ярославле содержали театр и играют комедии, и кто им для того еще потребны будут». Прибывшая труппа вскоре показала свои спектакли при дворе императрицы.
Эта гастроль, как оказалось, имела далеко идущие последствия.
Он стал первой в мире организацией, которая занималась исполнительским искусством. Его центры и нацсоветы были представлены по всему миру. В Советском Союзе такой центр был основан в 1959 году. Спустя два года МИТ постановил учредить международный праздник для тех, кто служит Мельпомене.
Так появился среди праздников Всемирный день театра. Официально он отмечается с 1962 года. Впервые в первую дату празднования было зачитано послание, предназначавшееся для деятелей театра всего мира. Его автором стал Жан Кокто, известный французский художник и писатель. Это вошло в традицию.
С тех пор в день торжества с обращением к миру выступают известные культурные деятели. В свое время авторами такого послания были и российские культурные деятели. Когда проходит Торжественная дата не закреплена в законодательстве и потому не является выходным днем. Но традиционно праздничные мероприятия проходят по всему миру 27 марта. Эта дата утверждена ЮНЕСКО для того, чтобы наладить и укрепить культурные связи между странами, сделать зрелищное искусство более популярным среди населения.
Кто отмечает Торжественную дату отмечают не только мастера сцены, но и все работники театров, а также поклонники этого уникального вида искусства. Поздравления принимают не только актеры и постановщики, но и театральные критики и те, кто пишет сценарии и продюсирует постановки. К виновникам торжества также относится весь персонал, помогающий воплощать зрелищное искусство и доносить его до людей. Это работники сцены и художники по свету, билетеры и декораторы, гардеробщики и звукорежиссеры, суфлеры и музыканты. Широко отмечают праздник учащиеся и преподаватели всех профильных вузов, театральных кружков и секций.
Эту дату считают праздничной для себя и зрители, миллионы театральных поклонников по всему миру. Немного истории Первые зрелища были разыграны перед зрителями еще в Древнем Египте. Это была театральная постановка о жизни бога Осириса, которая больше походила на религиозный обряд, чем на выступление актеров. Поэтому родиной театрального искусства принято считать Грецию. Именно здесь впервые прошли театральные представления, для проведения которых соорудили специальные деревянные подмостки.
Это «место, где смотрят» на греческом teathron стало первой сценой, где перед зрителями выступали поэты, музыканты, актеры. Позже подмостки были переделаны в арену, оборудовали многоярусные места, а сами постановки разделились на два вида — комедию и трагедию. Так зародились основы современного театра.
В столице проходит мероприятие под названием "Ночь театров", в рамках которого предлагаются открытые представления, мастер-классы и экскурсии за кулисы. Выступление артистов во время открытия акции "Ночь театров" в "Геликон-опере". Каждый год 21 марта отмечается Международный день кукольника , а День театрального кассира приходится на первый понедельник марта. Две древнегреческие музы, Мельпомена и Талия, считаются покровительницами театра. Мельпомена является музой трагедии, а Талия — музой комедии. Немногие знают, что в давние времена в театрах использовались веера, выполняющие роль суфлёров.
Актрисы могли заглянуть в них, чтобы вспомнить сложные фразы. Служители театра также раздавали зрителям веера, на которых были нанесены программы и отрывки из пьес. Слово "театр" происходит от древнегреческого theatron, что переводится как "место для зрелищ". В штате Виргиния США действует Театр бартера, где зрители могут приобрести билеты не за деньги, а за продукты питания. В древнегреческом театре существовала должность "рабдухов", которые были ответственны за усмирение слишком возбуждённых зрителей.
Свидетели представлены по номерам как заключенные в порядке появления. В тексте звучат настоящие имена, почти всех обвиняемых можно вычислить, и почти всем живым свидетелям позволено остаться неизвестными читателю. Вайс впервые отметает популярные в эти годы аргументы о подчинении режиму — будто бы каждый делал только то, что ему приказывали. Из Дознания расходится несколько важных линий развития театра. Многозвучность и масштабность делают пьесу фактом эпического театра. А принцип составления текста из фактической прямой речи действующих лиц рождает вербатим как художественный метод. СССР: риторика вместо документа Эхо второй волны документального театра докатилось и до советского искусства. В Театре на Таганке появилась сценическая версия книги-репортажа Джона Рида «Десять дней, которые потрясли мир» спектакль Юрия Любимова, 1965. А переводчик пьес Петера Вайса Лев Гинзбург в 1966 г. Одна из глав иллюстрирует основы фашистской теории искусства монтажом интервью певицы Ларисы Сахаровой, которая вынуждена была выступать в варьете Бунте бюне в оккупированном Таганроге. В другом сборнике Потусторонние встречи 1969 Гинзбург публикует беседы с оставшимися в живых функционерами Третьего рейха. Но собственной традиции документального театра в СССР так и не сложилось. Почему — вопрос не настолько риторический, как видится на первый взгляд. Можно указывать на объективные социальные причины: если в Германии государством и обществом была проведена огромная и целенаправленная работа по денацификации и театр стал естественной частью этого процесса , то у нас в отношении тоталитаризма подобной работы на общегосударственном уровне не сделано до сих пор. В 60-ерасследование оказалось подменено утопией: в отсутствие настоящего доступа к архивам левым романтикам оставался пафос «возвращения к ленинским нормам». Сегодня трудно воспринимать революционную риторику Михаила Шатрова вперемешку с эпизодами, в которых Ленин «мирно беседует с кукушкой» Так победим! Вахтангова, 1987. Отступление 2: кино после Второй мировой Было бы грубым обобщением сказать, что первая волна документалистики возникла после Первой мировой войны и изобретения кино , а вторая — после Второй. Тем не менее, на полях сражений работают фронтовые операторы, будущие писатели, историки и режиссеры-документалисты. Некоторые из них откровенно и искренне занимаются пропагандой Битва за нашу советскую Украину 1943 Довженко, шестисерийный альманах Почему мы воюем 1943 Фрэнка Капры. Многие фильмы 60-70-х посвящены расследованию конкретных преступлений: Отпуск на Зюльте 1957 Андре и Аннели Торндайк о начальнике полиции, который проявил особую жестокость при подавлении восстания в Варшавском гетто, а после войны благополучно служил мэром небольшого немецкого городка, Печаль и жалость 1969 Марселя Офюльса о французах, которые сотрудничали с правительством Виши. В 1960-е возник и ряд продолжающихся по сей день дискуссий об этике документалиста, о влечении к смерти, о том, как нужно снимать жертв. Отдельного разговора заслуживает парадоксальное превращение документа в разновидность Эзопова языка: так в фильме Ромма Обыкновенный фашизм отчетливо рифмовались Третий рейх и сталинский СССР. Сложнее понять, почему в годы перестройки открытые архивы не были вынесены на сцену. Возможно, и здесь сработал механизм подмены: пафос разоблачения проще расследования, а главное, эффектней. Документалистика, по словам Бориса Зингермана, это «акт доверия зрителю со стороны искусства»: она требует иного рода включенности, не только согласия, но и элементарных навыков анализа. В первую очередь это социально острая драматургия «молодых и рассерженных». Тем не менее, с утверждения этого течения начинается современная история лондонского театра Роял Корт — оплота молодой английской драматургии и документалистики. Не случайно и то, что авторы этого круга параллельно занимались документальным кино. Тони Ричардсон, который впервые поставил Оглянись во гневе в 1956 г. Джоан Литтлвуд, поставившая первую пьесу Дилени «Вкус меда» 1959 , также обращалась к документалистике. Oh, What a Lovely War! Рассеивание идеологии «новых левых» порождает точечные явления документального театра по всему миру. В Америке появляется Живой театр Living Theatre во главе с Джудит Малина между прочим, студенткой Пискатора и нью-йоркским художником-экспрессионистом Джулианом Беком тем самым, который играет Тиресия в фильме Пазолини Эдип Царь, 1967. Эксперименты Living Theatre выходят далеко за пределы документального театра, однако стоит упомянуть спектакль Бриг 1963 г. В Шотландии возникает театр 7:84, название которого сообщает о том, что в 1966 г. После знаменитого нефтяного кризиса 1973 г. Новая английская драматургия все чаще обращается к документалистике в 70-80-е годы. В Роял Корт этот период связан с именем драматурга Кэрил Черчилл. Ее пьеса Светит солнце над Бекингемширом Light Shining on Buckinhamshire, 1976 до сих пор вызывает интерес постановщиков. Сюжетом стали споры военной аристократии и английских левеллеров времен гражданской войны 1640 г. Дэвид Хейр, который был штатным драматургом resident dramatist в Роял Корт в 1970—1971 гг. Снижение, которое дала литературе «драматургия кухонной раковины», возможно, объясняет отличие маргинала и отступника, которого мы видим на сцене сегодняшнего документального театра, от противопоставляющих себя тоталитаризму героев немецкой документальной драмы60-хили пассионариев революционной борьбы20-х. Это отличие усугубили драматурги, выросшие в годы правления Тэтчер: они вынесли на сцену в середине 1990-х секс и насилие драматургия in-yer-face, связанная с именами Сары Кейн и Марка Равенхилла. Театр заговорил не просто обыденным, но грязным языком улиц и постелей. Тыча зрителя носом в человеческие выделения, вызывая страх и отвращение, драматург стремится пробить порог его этической и эстетической чувствительности. Темы близки к тому, что волновало и немецких документалистов: свойства тоталитарной власти, подавление личности. Но теперь это осмысляется через физическую жестокость на сцене, ведущую к рефлексии по поводу не только общества, но и самой человеческой природы. В Лондоне также существует театр Tricycle, который последние 15 лет разыгрывает на сцене известные политические процессы. Начало этому в 1994 г. Авторы — уже знакомый нам шотландский драматург Джон МакГрет и много пишущий для театра редактор отдела новостей государственной безопасности The Guardian Ричард Нортон-Тейлор. Драматург Дэвид Эдгар связывает мощную волну новых документальных пьес с тотальной антитеррористической операцией, которая охватила в первую очередь англоязычный мир в начале 2000-х.
В Москве представили книгу об истории театральных афиш
Первые театральные здания появились в Древней Греции предположительно в 6 в. до н. э. в форме открытого амфитеатра (во 2-м значении), сооружавшегося на склоне холма (театрон – места для зрителей). Смотрите видео онлайн «История театра. От истоков до сегодняшнего дня.» на канале «Театр Гоголя» в хорошем качестве и бесплатно, опубликованное 16 июня 2023 года в 13:15, длительностью 00:03:53, на видеохостинге RUTUBE. Театр представляет собой основной вид зрелищного искусства, которое делится на несколько видов – драматический, оперный, балетный и другие. Профессиональный театр появился в 1672 г. В России развивалась культура, образование.
Первый театр в Нижнем Новгороде
Альфред Дёблин считал его первым шагом на пути к тому, что позже стали называть эпическим театром. Следующая работа Пискатора, названная словами Карла Либкнехта Несмотря ни на что 1925 , стала «первой постановкой, единственную текстуальную и сценическую основу которой составляет документ» Там же, стр. Весной 1925 г. Тема — революционные моменты в истории человечества от восстания Спартака до русской революции. Часть постановки было предложено перенести в берлинский театр Гроссес Шаушпильхаус и представить на съезде компартии. Вся постановка была одним грандиозным монтажом подлинных речей, статей, газетных вырезок, воззваний, листовок, фотографий и фильмов о войне, исторических личностях и сценах.
Текст монтировал Феликс Гасбарра, будущий работник литературной части театра Пискатора, где вместе с ним трудились Лео Ланиа и Бертольд Брехт. То, что мы сегодня назвали бы видеорядом, собирал сценограф и фотохудожник Джон Хартфилд он же Хельмут Херцфельд. Спектакль был принят с энтузиазмом, большинство зрителей не только разделяло политические взгляды автора, многие лично участвовали в описываемых событиях. Во многих спектаклях единственным настоящим документом были архивные кадры киноряда. Интересны в этом отношении «Гопля, мы живем!
Вышедший из тюрьмы Толлер написал экспрессионистскую пьесу о вышедшем из сумасшедшего дома революционере, осознавшем трагическую несовместимость идеалов юности с окружающей действительностью. Пискатор изменил и суицидальную концовку, и общий декадентский дух, усилив эпическое начало пьесы. Хроника, смонтированная с постановочными кадрами, позволила показать 8 лет тюремного заключения за 7 минут. Это был специально снятый короткометражный фильм по сценарию Курта Эртеля, который иллюстрировал важный теоретический постулат Пискатора о расширении пространственновременных рамок спектакля с помощью кинематографа. Распутин был задуман как масштабное исследование истоков русской революции.
Кинопроекция в основном состояла из кадров документального фильма Эсфирь Шуб «Падение династии Романовых», где танцующие до упаду дамы и кавалеры монтируются с работающими до упаду крестьянами. Многие участники исторических событий были недовольны тем, как они изображены на сцене. Анекдотически выглядела жалоба сотрудника парижского государственного банка Димитрия Рубинштейна: «Оставьте слово спекулянт — это мне не мешает, но шпион!.. Инцидент привлек внимание прессы и публики. На следующий вечер между створками сцены-глобуса зрители увидели знакомых персонажей — Николая II и императора Франца Иосифа, а вместо актера, игравшего Вильгельма II, вышел писатель Лео Ланиа, который сообщил, что кайзер выражает протест против своего появления на сцене.
Ланиа зачитал избранные формулировки решения суда, вызвавшие хохот и аплодисменты. Немецкая документальная драма и политический театр 60-х Вторая, самая мощная волна документалистики поднимается в Германии в 1960-е. В 1963 г. Все три пьесы поставил вернувшийся в Германию и возглавивший Фольксбюне Эрвин Пискатор. Пьесы объединяет не творческий метод, но скорее идейная направленность и политическая актуальность, круг тем, конфликт личности с тоталитарной властью, ситуация суда, мотив палача и жертвы.
Хоххут не только открыл историю нового художественного направления, но и привлек внимание общественности к осмыслению преступлений фашизма и к конкретному вопросу — равнодушию римской католической церкви и лично папы Пия XII к массовому уничтожению людей. Реальность показаний, дневников, протоколов суда, с помощью которых Хоххут доказывает виновность папы, имена священников, погибших в лагерях, может проверить любой читатель. Однако речь главного героя, в одиночку пытавшегося донести до высших церковных властей реальность ужасов Холокоста и имеющего несколько исторических прототипов, как и речь других персонажей, написана драматургом. Кстати, споры историков по поводу Пия XII продолжаются по сей день: он был куда более сложной фигурой, чем показано в пьесе Хоххута. С проблемой легитимности литературы факта сталкивается и Хайнер Киппхардт, описавший процесс 1954 г.
Проблема в том, что сам Оппенгеймер долгое время не признавал приписываемых ему слов, особенно его раздражал финальный патетический монолог. Времена холодной войны не прошли, и Оппенгеймер, несмотря на предъявляемые ему обвинения, не сочувствовал шагавшим по Европе идеям «новых левых». Физик обвинял драматурга в том, что тот писал пьесу не по материалам протоколов суда, а по книге Роберта Джанка. Однако уже в 1965 г. В 1964 г.
Каноном драматургической документалистики считается пьеса Петера Вайса «Дознание», в которой он монтирует протоколы Франкфуртского суда над функционерами Освенцима. Каждая часть пьесы названа песнью, исполняется на много голосов и представляет собой свидетельские показания об очередном участке лагеря, который проходят заключенные. Свидетели представлены по номерам как заключенные в порядке появления. В тексте звучат настоящие имена, почти всех обвиняемых можно вычислить, и почти всем живым свидетелям позволено остаться неизвестными читателю. Вайс впервые отметает популярные в эти годы аргументы о подчинении режиму — будто бы каждый делал только то, что ему приказывали.
Из Дознания расходится несколько важных линий развития театра. Многозвучность и масштабность делают пьесу фактом эпического театра. А принцип составления текста из фактической прямой речи действующих лиц рождает вербатим как художественный метод. СССР: риторика вместо документа Эхо второй волны документального театра докатилось и до советского искусства. В Театре на Таганке появилась сценическая версия книги-репортажа Джона Рида «Десять дней, которые потрясли мир» спектакль Юрия Любимова, 1965.
А переводчик пьес Петера Вайса Лев Гинзбург в 1966 г. Одна из глав иллюстрирует основы фашистской теории искусства монтажом интервью певицы Ларисы Сахаровой, которая вынуждена была выступать в варьете Бунте бюне в оккупированном Таганроге. В другом сборнике Потусторонние встречи 1969 Гинзбург публикует беседы с оставшимися в живых функционерами Третьего рейха. Но собственной традиции документального театра в СССР так и не сложилось. Почему — вопрос не настолько риторический, как видится на первый взгляд.
Можно указывать на объективные социальные причины: если в Германии государством и обществом была проведена огромная и целенаправленная работа по денацификации и театр стал естественной частью этого процесса , то у нас в отношении тоталитаризма подобной работы на общегосударственном уровне не сделано до сих пор.
Как развивался театр? Наследие греческого театра оказалось чрезвычайно вдохновляющим для римлян, которые адаптировали многие решения своих предшественников к своим потребностям. Однако в Древнем Риме в первую очередь прижилась комедия; такие авторы, как Плавт и Терентий, были известны этим. В средние века театральные постановки были посвящены почти исключительно религиозной тематике, что повлекло за собой развитие определенных жанров: литургической драмы или мистерии. Отдельные произведения рассказывали о различных эпизодах из жизни Святого Семейства или самых выдающихся деятелей, связанных с христианством. С другой стороны, светские тексты вращались в основном вокруг моральных вопросов, таких как хорошая смерть. Пьесы шекспира Прорыв в развитии театра произошел в 16 веке во времена правления королевы Тюдоров Елизаветы I в Англии.
Период ее правления совпал с деятельностью писателей, таких как Томас Кид или, прежде всего, Уильям Шекспир - драматург, которого многие считают величайшим литературным творцом всех эпох. В чем было новаторство пьес Шекспира? Они полностью нарушили принцип трех единств, допустили коллективные сцены и не соблюдали стиль приличия. Если история античного театра учит нас, что судьба героя зависит от абсолютной судьбы, то произведения Шекспира в этом отношении оказываются гораздо либеральнее: ключевой персонаж всегда может создать свое будущее. Это не значит, что он может делать правильный выбор. Здесь очень показательны примеры Макбета или Гамлета. Драма классицизма Совершенно другие эстетические установки были приняты в драме классицизма, написанной во Франции в первой половине 17 века. Он основывался строго на принципах нормативной поэтики, сформулированной Николя Буало 1685.
При таком подходе театр стал полностью элитарным развлечением, наиболее полно выражающим идеи абсолютной монархии, управляемой Людовиком XIV - знаменитым Королем-Солнцем. Пьер Корнель и Жан Расин - одни из лучших авторов классицистской трагедии. В свою очередь, классическая комедия не могла бы существовать без Мольера, чей «Скупой» или «Мнимый Больной» до сих пор забавляет зрителей во всем мире. Французский классический театр сыграл очень важную роль в развитии польской мысли эпохи Просвещения.
Все изменилось в VI веке, когда на сцене стали проводить инсценировки богослужений.
А на большие церковные праздники люди устраивали спектакли. Главными "актерами" выступали священники. При этом в сюжетах пьес не допускались непристойные или комедийные сцены. Историю возникновения российского театра делят на три этапа: начальный, средний и зрелый. Первый этап берет свое начало в 1068 году.
Тогда театральные представления назывались потехами, а спектакли — игрищами. Второй этап датируется 1600-ми годами. В это время возникли школьный и придворный театры.
Крепостной театр Увлеченные театром помещики нередко отдавали детей своих лакеев, конюхов и дворецких на воспитание в пансионы.
Там их учили французскому и итальянскому, рисованию, пению, гуманитарным и точным наукам. Самые толковые ученики становились актерами, остальные — либо театральными работниками костюмерами, гримерами, музыкантами, хореографами , либо возвращались служить в дом барина. В труппе бывало до 50—60 человек: музыканты, живописцы, машинисты, портные, парикмахеры. Актеры делились на «первостатейных» и «второстатейных».
В зависимости от своей значимости они получали и ежегодное вознаграждение: деньги и вещи. Однако актер усадебного театра был бесправен, как и любой другой крепостной. О свободе творчества не могло быть и речи. В любое время дворянин мог отправить артиста на тяжелые работы, наказать за любую мелочь или продать его.
Первоклассные крепостные актеры были ценным товаром. Нередко такой товар покупала и дирекция Императорских театров. Так, в 1800 году Александр I приобрел труппу и оркестр музыкантов у Петра Столыпина за 32 тысячи рублей. По меркам того времени это было целое состояние, сопоставимое с несколькими десятками миллионов в наши дни.
После войны 1812 года в домашних спектаклях помещиков стали участвовать пленные французы. Так, благодаря «образованным и любезным» пленным жизнь писателя Александра Плещеева и его супруги Анны в имении, по мнению их соседки Екатерины Елагиной, стала похожа на «беспрерывный пир». Иностранцы разыгрывали пьесы на родном языке и принимали участие в музыкальных постановках. Помещики создавали крепостные театры не только для развлечения.
Это был еще один способ щегольнуть богатством и просвещенностью. Держать усадебный театр было так же престижно, как и иметь псарню, зверинец, конюшню с племенными кобылами или оранжерею с экзотическими растениями. Крепостные театры существовали до того времени, как Александр II подписал Манифест об отмене крепостного права. Актеры и театральные сотрудники получили право уходить от теперь уже бывших хозяев, создавать собственные труппы, гастролировать.
Некоторые усадебные театры перешли на коммерческие начала, но большинство просто опустело. Первый русский театр имени Волкова История Волковского театра восходит к кожевенному амбару, в котором, по преданию, два с половиной века назад молодой купеческий сын Фёдор Григорьевич Волков с братьями и друзьями начал устраивать в Ярославле театральные представления. Первое из них прошло 10 июля 1750 года в кожевенном амбаре отчима Фёдора, купца Полушкина — это была «Эсфирь» Жана Расина в переводе Фёдора Волкова. Специальное театральное здание открылось на Никольской улице 7 января 1751 года Первой постановкой была трагедия А.
Сумарокова «Хорев». Для были изготовлены первые костюмы и декорации. Слух о молодых ярославцах дошёл до императрицы Елизаветы Петровны, которая в январе 1752 года вызвала их в Петербург специальным указом. С тех пор основатель театра в Ярославль больше не возвращался.
Театр Фёдора Волкова в Ярославле принято считать первым русским публичным общедоступным профессиональным театром. Разумеется, в те времена в России существовало немало театральных трупп, прежде всего иностранных, «баловались театром» школяры, нередки были разовые постановки театральных действ «по случаю». Тем не менее, ярославский театр Фёдора Волкова считается первым. Именно он впервые отвечал всем характеристикам, заложенным в определении — Русский Публичный Профессиональный Театр Русский Русский — потому что здесь русские актёры играли пьесы на русском языке.
Публичный Публичный — потому что он был общедоступным, в отличие от театров дворцовых, домашних или школьных; ранжир публики в зале зависел именно от цены на билет, а не от социального статуса Профессиональный Профессиональный — потому что актёры получали зарплату за свой труд, актёрство стало их профессией. Театр Театр — потому что это была не труппа, не отдельная постановка, а именно театр с организационной точки зрения — с постоянным репертуаром, с билетным хозяйством, со всей «матчастью» — зданием, декорациями, костюмами. В 1756 году императрица Елизавета Петровна издала указ «Об учреждении Русского для представления трагедий и комедий театра». Указ этот закреплял правительственной поддержкой и «высочайшим» покровительством попытку театральных любителей из Ярославля, объединенных двумя русскими гениальными самородками — Федором Волковым и Иваном Дмитриевским, создать постоянный русский театр.
На сцене Знаменского театра произошли выдающиеся события русской театральной истории. Здесь в 1777 году была поставлена русская опера «Перерождение» Матинского, созданная по мотивам русских народных песен. Здесь же два года спустя увидела свет рампы и знаменитая опера Аблесимова «Мельник, колдун, обманщик и сват», не забытая до сих пор. На сцене Знаменского театра была показана и четырехактная «драма с голосом» «Розана и Любим» Николева на музыку Керцелия — одна из первых русских комических опер, шла новая трагедия Хераскова «Гонимые», ставились трагедии Вольтера, комедии Гольдони и Мольера.
Открытие Петровского театра Петровский театр открылся торжественным спектаклем, в программе которого были специально написанный Аблесимовым пролог «Странник» и большой балет «Волшебная школа». В Петровском театре давались оперы и балеты, трагедии и комедии. В музыкальных и драматических спектаклях участвовали одни и те же актеры, что вообще было обычным в те времена. Артисты театра играли без суфлера.
Современники утверждают, что в Петровском театре никогда не случалось, чтобы пьеса была «плохо распределена или нерачительно поставлена». Это был актер большого темперамента и глубокой искренности. Играл он роли благородных отцов. Ее амплуа было добродетельные, страдающие героини.
О она неподражаемо играла злодеек и мрачных интриганок. Расцвет Останкинского театра П. Шереметев по большей части занимался своей родовой усадьбой в Кусково, а Останкину он отводил чисто хозяйственную роль. Умирает П.
Шереметев в 1788 г, оставив все свои богатства единственному сыну — Николаю Петровичу. Именно с его именем и связана история возникновения и расцвета Останкинского театра. Шереметев был одним из самых просвещенных людей своего времени. Он получил прекрасное образование, много путешествовал по Европе, слушал лекции в Лейденском университете, брал уроки музыки у известного парижского виолончелиста Ивара, страстно любил театр, собрал великолепную библиотеку.
В 1777 г. Шереметев вышел в отставку и всецело предался своему увлечению искусством. Его мечтой было создание грандиозного Дворца искусств, который объединил бы в себе театр, библиотеку, кунсткамеру, картинную и культурную галерею. Полностью воплотить свой проект в жизнь граф не сумел, и вместо Дворца искусств в Останкине появился Дворец-театр.
На склоне лет Н.
История театра: появление и развитие театрального искусства, занимательные факты
История Московского театра для детей завершилась. Началась история Центрального детского театра. Выстраивался новый репертуар, привлекались новые драматургические силы. В конце 1930-х годов свою первую пьесу "Коньки" принес в театр начинающий драматург Сергей Михалков, чья творческая жизнь с той поры тесно связалась с ЦДТ: девять пьес Михалкова были поставлены в разные годы на этой сцене...
В 1940-м здание было реконструировано, а со следующего, 1941 года на этой сцене временно играл свои спектакли Малый театр, затем - театр им. Это было в начале войны... В октябре 1941 года начали бомбить Москву, и линия фронта оказалась совсем рядом.
В это время фронтовые бригады из труппы ЦДТ выступали перед сражающимся Подмосковьем, пока не был отдан приказ об эвакуации театра в Сибирь. Театр выжил: менее трех месяцев понадобилось эвакуированной группе театра, чтобы далеко в Сибири, в горняцком поселке Киселевск, открыть свой 20-й театральный сезон. Из-за нехватки кадров и материалов педагоги садились за печатную машинку, чтобы записать за артистами произнесенные по памяти тексты пьес "Любовь Яровая", "Сказки" Маршака; главный режиссер В.
Дудин был и заведующим постановочной частью, и художником, З. Сажин взял на себя работу по литературной части, Е. Лямина становится заведующей мебельного, реквезиторского и бутафорского цехов.
Многогранная большая работа коллектива позволила за период эвакуации в Кузбассе с 1 ноября 1941 года по 10 октября 1942 года в год Киселевске, с 10 октября 1942 года по 1 октября 1943 года в Сталинске Новокузнецк не только выпустить 7 премьер, но и возобновить еще 7 спектаклей. Фронтовая бригада театра в это время дала больше 60 спектаклей и концертов на Воронежском и Сталинградском фронтах, сделала три выезда на 3-й Украинский и 2-й Балтийский фронты. Отчеты по возвращении из эвакуации свидетельствуют, что труппа дала 467 шефских спектаклей и концертов, провела 1214 художественных выступлений в палатах для раненых бойцов, организовала три смотра красноармейской художественной самодеятельности.
Возвращение на Театральную площадь И снова, словно в малой капле, отразилась в жизни Центрального детского жизнь всей страны. Война оказалась тем невидимым, но отчетливо ощутимым рубежом, после которого все надо было начинать как будто заново. С 1960 по 1966 год он еще и художественный руководитель театра.
Он привлекает к работе молодых режиссеров и новых авторов. При могущественном Шахе так Константина Язоновича называли за глаза директором-распорядителем, а позже директором работал Михаил Яновицкий. В 1945-м при театре открылась своя студия и первые ее выпускники также пополнили труппу, становившуюся все более сильной, разноплановой, яркой.
После обращения дирекции ЦДТ к Правительству был решен вопрос о возвращении театра в свой родной дом. Это произошло 6 декабря 1947 года: "Вчера у детей столицы был большой, радостный праздник, - сообщалось на следующий день в газетах. Двери одного из лучших Театральных зданий Москвы, находящегося на площади Свердлова, гостеприимно распахнулись перед юными зрителями".
Она стала художественным руководителем ЦДТ. В январе 1949 года состоялась премьера спектакля "Где-то в Сибири" - пьесу И. Ирошниковой поставил молодой Георгий Товстоногов, а в ноябре того же года О.
Пыжова и В. Бибиков показали зрителям спектакль "Ее друзья" - первую пьесу начинающего драматурга Виктора Розова. Так открывалась в Центральном детском новая эпоха - действительно эпоха, потому что, начиная с этого спектакля, впервые сыгранного ноябрьским вечером и прошедшего около двухсот раз, Виктор Розов вошел в историю театра.
Не только Центрального детского... Кнебель не делает скидок на возраст публики, среди самых известных ее спектаклей - "Горе от ума" и "Мертвые души". В эти годы театр становится одним из самых популярных в Москве.
В 1949 году премьерой в ЦДТ пьесы Виктора Розова "Ее друзья" начинается эпоха "розовских мальчиков" - пылких и бескомпромиссных молодых идеалистов. На пьесах Розова происходит режиссерское становление Анатолия Эфроса. Олег Ефремов переживает первую славу, играя в спектаклях "Страница жизни" и "В добрый час!
Романтический идеализм пьес Розова как нельзя лучше отвечал духу оттепели - неспроста именно его пьесой "Вечно живые" Ефремов позже откроет театр "Современник". Пьесу Александра Хмелика со студийцами ставит Анатолий Эфрос. Сохранить верность традициям высокой культуры...
И снова воцарившаяся затхлая общественная атмосфера все больше сказывалась на творческом существовании Театра. Все труднее становилось дышать. Все труднее прорывалось на сцену новое, свежее.
Театр по-прежнему пытался удержать культурную традицию, не позволял прерваться связи времен. Сделать это становилось все труднее. Но делать это было все более и более важно.
С 1971-го по 1974-й театр вновь возглавлял К. Шах-Азизов, а с 1974-го по 1979-й художественным руководителем был Владимир Валентинович Кузьмин. Светлые, чистые люди, работавшие в этом здании, всеми силами души противостояли парадности, утвердившейся, как везде, и в этих стенах.
Театр, в меру возможностей, пытался сохранить верность традициям высокой культуры.
Несмотря на позднее начало, набился полный зал. Играть закончили к четырем утра. Там люди отказываются расходиться! Получилось не обсуждение, а, скорее, стихийный митинг. Это будет театр нашего поколения!
Вы должны его создать во что бы то ни стало! Так появился «Современник» — тогда еще просто Студия молодых актеров. Своей сцены у него не было. Первые спектакли ставили на сцене школы-студии, позже — на сцене самого МХАТа, отыскав в советском трудовом кодексе лазейку: ведь работают же шабашники в колхозах, почему бы не стать такими шабашниками в театре, создавая по его заказу спектакли. Мхатовские светила молодых актеров не принимали. Формулировка мне очень понравилась, потому что она жестко соответствует жизненному содержанию.
Михаил Кедров, который тогда был художественным руководителем МХАТа, начал приходить на репетиции и вторгаться в режиссуру Ефремова — так вышло, например, в 1959 году со спектаклем «Пять вечеров» по пьесе Александра Володина. Молодым актерам, впрочем, удалось выпустить собственный спектакль, даже в двух редакциях — Олега Ефремова и Галины Волчек. Ефремов поощрял желание актеров ставить спектакли, но его ученица взялась за постановку не из-за режиссерских амбиций, а из желания выручить товарищей. Несколько актеров, в числе которых был Станислав Любшин, оказались на грани исключения из труппы — мало проявляли себя в течение сезона. Было решено сделать свою версию «Пяти вечеров». Репетировать без режиссера сложно, и актеры попросили Волчек посмотреть, что у них получается.
Стороннего наблюдателя из Гали не получилось. Мы начали подробно и скрупулезно анализировать пьесу и взаимоотношения героев. Этот Галин анализ, положенный на нашу психофизику, на ее пристальнейшее внимание к индивидуальности артиста, привел к тому, что мы практически сделали другой спектакль», — отмечал Станислав Любшин. Актеры остались в труппе, спектакль — в репертуаре, а в театре появился новый режиссер. А к 1960-м напряжение между МХАТом и «Современником» достигло апогея — из театра, в недрах которого появилась студия, ее выдавливали. Студийцы выпустили слишком острый спектакль по «Голому королю» Евгения Шварца.
Пресса ругала спектакль за безыдейность, а зрители валили на него валом. Прошел слух, что неудобную постановку, а вместе с ней и весь театр собираются закрыть. Тогда было принято отчаянное решение играть «Голого короля» каждый день до конца сезона на разных сценах. Я соскреб с носа гуммоз и залепил его в стенку. Но игра стоила свеч», — вспоминал Михаил Козаков. Что будет дальше, не знал никто.
Последней каплей стал прием, устроенный Никитой Хрущевым для работников культуры. Из всех руководителей московских театров не пригласили только Олега Ефремова. Нина Дорошина, игравшая в «Голом короле» принцессу, вела концерт, которым сопровождался прием. На нее была возложена важная функция: улучить момент, подойти к Хрущеву, объяснить ситуацию и попросить помочь.
Первый спектакль назывался «Артаксерксово действо». В основу пьесы лег библейский сюжет, но она в целом носила светский характер. В постановке участвовали около 60 человек, главные роли исполнили иностранные профессиональные актеры, остальные — служилые иноземцы и их дети. Само действо длилось почти целый день и включало в себя театральное представление, хореографические номера, игру на музыкальных инструментах. Костюмы для актеров сшили из дорогих тканей, сцену осветили множеством свечей. В дальнейшем спектакли в «Комедийной хоромине» давали регулярно. После смерти царя Алексея Михайловича в 1676 году представления прекратились, однако многие знатные особы продолжали ставить спектакли в собственных домах. Вновь интерес к театральному искусству на государственном уровне возник во время царствования Петра I. Государь бывал на представлениях, когда путешествовал по Европе, и считал развитие театра важным делом. Так, в 1702 году начал работу первый государственный публичный театр. Актеры прибыли из-за рубежа — это была странствующая немецкая труппа, которой руководил Иоганн Кунст. Место для нового здания театра определили на Красной площади, а открыли его зимой 1702 года. Здесь шли пьесы о военных победах России и представления на исторические сюжеты. Кунст не только руководил труппой, но и обучал театральному искусству детей. Театр действовал до 1706 года, после чего актеры покинули Россию.
Князь Голицын, вступив в управление Московской Дирекцией, сразу взял крупный масштаб и задался целью поставить Московский театр на уровень Петербургского. Скромное пользование одним театром не отвечало широким планам Голицына, и все усилия он направляет на увеличение субсидий театру. Москвы, в размере 200. После вопроса о субсидии и о комплектовании труппы самым серьезным был вопрос о театральных зданиях. Еще в 1822 году Дирекция приступила к постройке двух зданий для Московского театра: одно на месте бывшего Петровского театра, а другое — в арендованном, а впоследствии, купленном Дирекцией, доме купца В. На месте Петровского театра было построено одно из красивейших зданий Москвы. Строил его архитектор О. Бове по проекту архитектора А. А часть дома купца Варгина была перестроена и приспособлена О. Бове под театр. Вдоль Лубянского проезда был расположен зрительный зал, сцена помещалась на стороне, обращенной к Неглинной улице. В 1924 году широко праздновалось столетие Малого театра, а затем каждые 25 лет были юбилейные. И вот 2006 год — год празднования 250-летия Российского театра. В Петербурге эту дату отмечает Алексанринский театр, а в Москве — Малый. Театры вернулись к истокам празднования юбилея Российского театра от Указа 1756 года. Первый юбилей Российского театра праздновался в 1856 году. Барон Н. Дризен в своем очерке «Стопятидесятилетие Императорских театров» подробно пишет о праздновании 100-летнего юбилея русского театра 30 августа 1856 года. Это был второй год царствования Александра II, и торжественное коронование в Москве совпало с юбилейной датой русского театра. И поэтому празднование юбилея театра было перенесено на более поздний срок. Проект празднования был представлен на рассмотрение Государя Императора. Историки театра: И. Бондаренко, В. Сахновский, Вл. Филиппов и В. Погожев подробно исследовали историю здания Малого театра по архивным и музейным материалам. Благодаря трудам историка В. Погожева, мы знаем, что существовал коллектив — Императорский Московский театр, спектакли которого были перенесены из дома Пашкова театр на Моховой в новые здания. Последний спектакль в доме Пашкова был 9 октября 1824 года. Императорский Московский театр играл попеременно на двух сценических площадках. Только в 1837 году дирекция выкупила здание у Варгина полностью вместе с пустопорожней землей. Архитектором К. Тоном на месте прежнего было построено новое здание, открытие которого состоялось 14 октября 1840 г. Тон сохранил фасад здания со стороны Театральной площади, сооруженного О. Бове в 1824 году, в строго выдержанном стиле русского ампира. Старый театральный зал и сцена в здании, построенном Тоном, отошли под мастерские. С 1840 г. Вальцем по проекту А.
день в истории
Михаила Рощина, Александра Вампилова, Аллы Соколовой, Василия Шукшина, Александра Галина и других. Театр – это многогранное понятие, но чаще всего под ним подразумеваются вид искусства и место, где это искусство полноценно раскрывается. Новости Как родился «Современник». Когда появился театр знают немногие. А возник он в эпоху ритуальных и культовых празднований. В 1961 году IX Конгресс международного института театра установил 27 марта датой празднования Всемирного дня театра.