Иркутский художник Григорий Свердлов — участник российских и международных выставок — экспериментирует с современными материалами и техниками, переосмысляя мотивы традиционной глиняной игрушки с помощью объемных форм и абстрактной живописи. Московский художник работает в уникальной технике смешения темперы, акрила, акварели и тончайшей лессировки AirBrash.
Живопись, графика, скульптура: нижегородцам представили работы лучших современных художников России
| Российские художники | Русский центр искусства | На нашем сайте вы найдете список лучших современных российских художников и их авторские картины с возможностью покупки напрямую без посредников. |
| Современные художники России. Сайт со списком русских художников | «Участие в Art Russia — это великолепная возможность увидеть свое творчество в контексте других членов огромного цеха лучших российских художников». |
| В каких сибирских художников инвестировать прямо сейчас | Первый маркетплейс современного российского искусства ARTEEX опубликовал список Лучших современных художников России. |
| Шорт-лист Forbes: самые перспективные молодые художники России | Работы Кабаковых входят в число самых дорогих среди современных художников из России. |
Искусство современной России. Живопись
Первый маркетплейс современного российского искусства ARTEEX опубликовал список Лучших современных художников России. Самые продаваемые картины современных художников россии (88 фото)Лиза де Кунинг Художник Афонин Александр Павлович Художник Импрессионист Алексей Зайцев Современная живопись абстракционизм девушка Иван Ефимович Славинский. Анастасия Постригай — основатель Школы популярного искусства — рассказала PEOPLETALK о пяти классных российских художниках. 300 картин современных российских художников Июнь 2023 Выпуск №1Картины художников:Иннеса МорозоваТатьяна ЧерныхАнастасия ЕрмаковаСветлана РодионоваЮлия Непо. Ксения Драныш — участница 2-й Триеннале российского современного искусства, член Творческого союза художников России в секции «Новейшие течения», многие ее работы находятся в частных коллекциях, а некоторые присутствуют в коллекции ММОМА.
Современные русские художники, которые вас удивят
Фото: cosmoscow. Есть ли отзывы критиков, экспертов? Проходил ли художник отбор во внятные и известные конкурсы, премии, ярмарки? Копии копий, пародии, похожее на что-то потом не перепродашь, как бы ни старался. И, конечно же, нужно покупать то, что нравится. Если есть желание в будущем работу перепродать, лучше все же проконсультироваться с арт-дилером, искусствоведом или куратором. Выгоднее всего покупать искусство напрямую — чистый провенанс, нет наценки дилера, есть возможность торговаться. К тому же, это прямая поддержка художника — они это ценят.
В ответ на угрозы внешнего мира ребенок создает свою вселенную, где, чтобы не случилось ничего плохого, нельзя наступать на трещины, высовывать ноги из-под одеяла, закрывать дверь в ванну. Этой теме посвящена выставка «Мифы моего детства». В 2015 году журнал Forbes назвал Алису одним из самых перспективных молодых художников России. Отличительная особенность ее работ — графический язык: использование черно-белых иероглифов, с помощью которых она рассказывает о политике, жизни, смерти, гендере. Одна из ее коллабораций — совместный проект с the. Алиса создала коллекцию живописных интерьерных тканей, которые будут продаваться на арт-рынке не как текстиль, а именно как художественные работы. В 2020 году художница разработала дизайн текстиля для отеля «Рихтер», который предоставлял часть комнат под резидентскую программу музыкантов, дизайнеров, художников. Она расписала потолок одного из помещений и создала фирменные халаты с изображениями животных. Еще она придумала дизайн для лимитированной коллекции тканей с двумя видами рисунк ов — «Облака» и «Глаза-губы». В 2019 году в Секретной комнате «Рихтера» на Пятницкой была открыта выставка Йоффе «Вольные цифровые копии избранных работ из коллекции Третьяковской галереи».
Это цифровые копии произведений, по большей части древнерусского искусства, нарисованные указательным пальцем на экране смартфона во время прогулки по залам Третьяковки. С 2008 года они становятся постоянными участниками международных художественных выставок. Их персональные выставки прошли на 56-й Венецианской биеннале, в Нью-Йорке, они лауреаты премии Кандинского 2010 года. Первая выставка художников называлась Recycle и стала размышлением о месте человека в постиндустриальном обществе. Для арт-объектов они использовали продукты, подвергающиеся вторичной переработке, темами работ были человек и природа. В 2017 году участники Recycle Group подготовили выставку Temple of life , где авторы размышляли о том, как миллениалы будут взаимодействовать с машинами в век масс-медиа и технологической революции.
Несмотря на то, что Грох имеет увесистое портфолио из работ в разных техниках, пишет портреты и даже занимается каллиграфией, известность ему принесла серия для удобства назовём её так мрачных картин о России. Александра Железнова Полетаева Многие видели хотя бы одну из работ Александры, но далеко не все следят за её творчеством. И это, по всей видимости, только начало. Некоторые понимают картины художницы приземлённо, даже примитивно — видят в них очернение России или российского чиновничества. Подобные интерпретации вызывают лишь смех вменяемой части аудитории Александры и негодование художницы. Она, наоборот, признаётся в любви к государственным символам, используемым ею для создания нового, очень личного мира. Приводить текст Манифеста, написанного Железновой, в котором в подробностях разъясняется сказанное выше, я не буду.
Покрас Лампас Молодой и дерзкий художник-каллиграфист уже стал настоящей звездой Ютуба: его ролики в сотрудничестве с модными брендами набирают миллионы просмотров. Свое направление в искусстве он называет «каллиграфутуризм» — течение каллиграфии, которое сочетает наследие всех языков мира для создания нового уникального языка. Покрас работает с кириллицей и латиницей, но осваивает корейскую каллиграфию, а также японские, китайские, греческие и арабские буквы, для того, чтобы превратить формы кириллицы в новые формы. По его словам, для современного художника не должно иметь значение то, какое пространство ему предоставлено, так что он готов работать на стенах и крышах домов, создавать световые и цифровые проекции и даже сотрудничать с модными брендами в производстве одежды и косметики. Он утверждает, что хочет вдохновлять и руководить людьми в искусстве, а также поддерживать любые экспериментальные проекты: от граффити и фресок до уличной живописи и перфомансов. Ольга Чернышева Чернышева — одна из самых признанных критиками художниц нашего времени, представляющая непривычный взгляд на мир пост-советского пространства. Сфокусировавшись на влиянии капитализма и коллективизма, она отражает социологический подход к российскому обществу и повседневную жизнь граждан. В своих работах она использует множество техник: от фотографий до видеофильмов и инсталляций, но при этом настаивает на том, что является художником, верным классической живописи. Ее излюбленный жанр — социальная документалистика, которую она называет «социальной геометрией», что надо понимать как наблюдение за частной жизнью человека, оказавшегося втянутым в рамки различных происшествий. В то же время Ольга не склонна к морализаторству — ее работы не осуждают и не наставляют на путь истинный. Ольга поддерживает художественное образование в том виде, в котором оно преподается сейчас: Я выросла из классического «грунта», потому что закончила художественный факультет ВГИКа, отделение мультипликации, где были три дня, посвященных живописи и рисунку потом не знала, зачем мне это надо , и один день, посвященный композиции и мультипликации.
11 современных художников, которые восхищают нас своими масляными картинами
10 современных российских художников (уверены, их намного больше), которые несомненно впишут свое имя в классику живописи 21 века. Какие мысли вас посетили при просмотре картин современных российских художников? Какие мысли вас посетили при просмотре картин современных российских художников? В этой подборке собраны пять талантливых и перспективных NFT-художников из России, за творчеством которых стоит начать следить уже сейчас, а лучше даже приобрести несколько их работ, за которыми, судя по всему, будущее.
10 современных российских художников, за которыми стоит следить
| The Blueprint 100 — 2024. Лучшие молодые художники из России | Российский художник-концептуалист и иллюстратор Lora Zombie родилась в 1990 году. |
| Пять NFT-художников из России, за творчеством которых стоит следить | Рассказываем о самых важных молодых российских художниках, о чьем творчестве стоит знать, если вы интересуетесь современным искусством. |
Культурный ход: самые известные современные художники России и мира
Именно русский авангард в наибольшей степени вышел за рамки стиля и стал философией нового мира. Влияние авангарда на современное искусство побуждает к расширению возможностей формообразования, где эксперименты с пластическим языком становятся инструментом создания произведения искусства. Авангард представляет разнообразие художественных направлений и концепций и объединяет палитру основных экспериментальных течений русского искусства начала ХХ века: абстракционизм, кубофутуризм, супрематизм, конструктивизм. Подобно этому экспозиция показала широкую картину работ современных художников - последователей этих авангардных начинаний. Феномен авангарда для участников выставки выступил в двух значениях: это прямые композиционные аналогии и аллюзии на первооткрывателей кубофутуризма, супрематизма, конструктивизма, и пластическая и живописная абстракция, вдохновлённая свободой выхода за рамки натурного реализма. Выставка продемонстрировала разнообразие взглядов и взаимоотношений современных художников с одним из наиболее влиятельных явлений художественной культуры XX века.
Важная тема в творчестве Антуфьева — прошлое, возвращение к первоистокам. Он собирает кости и черепа животных, вываривает и высушивает их; выставляет фотографии тувинских охотников; в поисках нового материала много времени проводит в заброшенных домах.
В работах художника также много отсылок к теме детства. В ответ на угрозы внешнего мира ребенок создает свою вселенную, где, чтобы не случилось ничего плохого, нельзя наступать на трещины, высовывать ноги из-под одеяла, закрывать дверь в ванну. Этой теме посвящена выставка «Мифы моего детства». В 2015 году журнал Forbes назвал Алису одним из самых перспективных молодых художников России. Отличительная особенность ее работ — графический язык: использование черно-белых иероглифов, с помощью которых она рассказывает о политике, жизни, смерти, гендере. Одна из ее коллабораций — совместный проект с the. Алиса создала коллекцию живописных интерьерных тканей, которые будут продаваться на арт-рынке не как текстиль, а именно как художественные работы.
В 2020 году художница разработала дизайн текстиля для отеля «Рихтер», который предоставлял часть комнат под резидентскую программу музыкантов, дизайнеров, художников. Она расписала потолок одного из помещений и создала фирменные халаты с изображениями животных. Еще она придумала дизайн для лимитированной коллекции тканей с двумя видами рисунк ов — «Облака» и «Глаза-губы». В 2019 году в Секретной комнате «Рихтера» на Пятницкой была открыта выставка Йоффе «Вольные цифровые копии избранных работ из коллекции Третьяковской галереи». Это цифровые копии произведений, по большей части древнерусского искусства, нарисованные указательным пальцем на экране смартфона во время прогулки по залам Третьяковки. С 2008 года они становятся постоянными участниками международных художественных выставок. Их персональные выставки прошли на 56-й Венецианской биеннале, в Нью-Йорке, они лауреаты премии Кандинского 2010 года.
После института изучал историю искусства Италии — преимущественно позднего Ренессанса, маньеризма и барокко. Кандидатская диссертация посвящена искусству Тинторетто [2]. Егор Кошелев, «Орел торжествующий» пять частей Его первые произведения были созданы в 2005—2006 годах, затем он начал активно участвовать в выставках. Кошелев работает живописцем, графиком, автором инсталляций, пишет критические статьи, читает курс по современному русскому искусству в Московской государственной академии промышленно-прикладного искусства. Егор — лауреат международной премии Strabag Award 2012 , его работы находятся в собрании Московского музея современного искусства Deutsche Bank, а также в частных коллекциях в России и за рубежом. Влад Кульков. Суперцветоломкая, антидот для цивилизации. Он окончил Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленную академию им. Штиглица, а затем аспирантуру Государственного Русского музея. Влад начал участвовать в различных выставках в России и за рубежом, в том числе в Московском биеннале современного искусства разных лет, Европейском биеннале, а также в проектах в Русском музее и Музее Москвы.
Влад Кульков, диптих «Суперцветоломкая, антидот для цивилизации». Он также ведет активную кураторскую деятельность. Художник работает со скульптурами, а его технику живописи относят к абстрактному экспрессионизму [3]. Персональная выставка Кулькова под названием «Диптих из Хиросимы» проходила в 2016 году на Винзаводе. Владимир Логутов. Владимир дважды номинировался на премию Кандинского, премию «Инновация», участвовал в крупных групповых выставках в России и за рубежом, в том числе в 54-й и 55-й Венецианской биеннале. Он также является автором художественной группы «Лаборатория», а его персональные выставки неоднократно проходили в России. В 2005 году Владимир получил стипендию на стажировку в Германии. Артем Лоскутов.
Эксперты отмечают, что творчество Антуфьева походит на мистерию, где автор не стремится к последовательному отображению реальности, но приоткрывает дверь зрителю в мир тайн и грез, соприкосновение с которым оставляет пространство для раздумий о важнейших вопросах бытия. ЗИП Стратегия этого краснодарского трио не будет близка тем, кто хочет увидеть перед собой конечный безупречный результат — парни предпочитают разрабатывать концепции, а филигранное воплощение откладывают на потом, либо щедро делятся возможностью реализации задуманного с другими. Больше всего подкупает абсолютная индифферентность этой арт-группы к выбору «холста» — сегодня они могут сварганить инсталляцию из найденных на свалке вещей, потерявших ценность для прежних хозяев, а завтра превратить цех провинциального завода в культурное пространства и родину паблик-арта. Особый конек этих молодых ребят — советская тематика. Аслан Гойсум Если какое-то место и было самым неблагоприятным для рождения будущего арт-деятеля в 1991 году, то это, вероятно, родной для Аслана Грозный. Но в это же время молодой художник получил существенную фору перед коллегами — такой насмотренности и осведомленности на тему войны сидя в пределах садового кольца не получить.
ТОП-20 современных российских художников
Онлайн-музей частных коллекций Артократия и некоммерческий проект 49ART представили арт-рейтинг современных российских художников «Выбор коллекционеров» — 2022. Современные художники России и русскоязычных пространств. Современная живопись — Российские художники. Назаренко Татьяна Григорьевна (р.1944).
Куратор Александра Харитонова: лучшие работы паблик-арта российских художников
На фестивале современного искусства в столице России представили 260 работ художников из разных стран. Современные российские художники: – Журнал Ярмарки Мастеров о рукоделии, творчестве, дизайне. Читай! Узнавай! Делись! Лучшие современные художники России и стран Содружества. Топ лучших современных российских художников в рейтинге Zuzako. Выдающиеся современные российские художники в возрасте до 50 лет. Авторы представлены в алфавитном порядке. По результатам аукционных продаж в 2020 году аналитическое агентство InArt создало топ-20 самых дорогих современных российских художников, возраст которых не превышает отметки в 45 лет.
Современные русские художники, которые вас удивят
Варенъйе организм «Варенъйе организм» — союз художников или, как они сами себя называют, «молекул». Художники описывают свое творчество как «футуристический фан-апперкот, объектный активизм, абстрактный экспириенс, провокация, ирония и абсурд, который можно потрогать руками, носить на себе, а иногда даже посидеть внутри или съесть». К своим достижениям они относят десять лет осмысленного сумасшествия и участие в многочисленных фестивалях и выставках. Помимо участия в самых разных фестивалях «союз художников» показывает свои старые и новые произведения в галерее «Молекула», которая работает в формате игровой комнаты для детей и особенно взрослых. Роман Мокров Фотограф и медиахудожник Роман Мокров в своих работах раскрывает феномен абсурда в российской действительности и активно исследует символическое поле и мифологию «Немосквы» — небольших провинциальных и областных городов — в поисках неуловимой современной идентичности. Работы художника находятся в собрании Государственной Третьяковской галереи, а сам он является лауреатом премии Сергея Курехина в номинации «Лучший медиаобъект», резидентом мастерских музея «Гараж» и лауреатом специальной премии Всероссийского конкурса в области современного искусства «Инновация». Роман организовывал десять персональных выставок, в том числе за пределами России: например, в 2013 году в миланской галерее Nina Due прошла его выставка «Защитные экраны». Роман участвовал более чем в 90 групповых экспозициях в том числе в 1-й Триеннале российского современного искусства, на 2-ю Триеннале порекомендовал в качестве участника свою супругу, художницу Марию Обухову , восемь из которых проходили за границей.
Произведения Мокрова можно также увидеть и приобрести в галерее современного искусства «Триумф», а также на официальном сайте художника. С помощью алкогольных чернил она создает на холсте композицию из красочных вспышек или дымчатых переливов. В данный момент Полина занимается не только созданием полотен — важной сферой ее деятельности является преподавание: она проводит онлайн- и офлайн-мастер-классы.
Иогансона, Нестор начал тесно общаться с Александром Цикаришвили и Леонидом Цхе, и благодаря этой дружбе появилось художественное объединение «Север-7». Как художник Энгельке предпочитает работать с деревом. Он разработал технику «росписи по дереву» и сделал этот материал основным предметом своего искусства. Энгельке использует дерево в качестве холста и работает над ним топором, а не карандашом. В одном из интервью Нестор также упомянул, что большое влияние на него оказали произведения, увиденные им на новоязской выставке британского искусства в Эрмитаже. Артем Лоскутов. Первоначально Лоскутов прославился организацией ежегодного шествия «Монстрация» в Новосибирске, получившего премию «Инновация», и некоммерческого кинофестиваля «Киноварь». Он также занимается уличным искусством, снимает фильмы и рисует. Более 30 его работ написаны так называемой «дубинкой» собственный стиль Артема — краска на холст наносится с помощью полицейской дубинки. В 2019 году было продано 30 работ художника. В 2020 году он продал одну из таких картин под названием «Беларусь» за 3 миллиона рублей покупателю, пожелавшему остаться неизвестным. Половину суммы Артем перевел на поддержку протестных движений в республике. Она работает с разными материалами и в разных техниках, включая фотографию, офорт, гравюру и живопись. Светлана переехала в Лондон в 2007 году, где окончила колледж искусств Кэмбервелл со степенью магистра искусств в области рисования. Ее диссертация была выбрана для Xhibit 07 и получила высокую оценку журнала Time Out. В 2004 году Светлане было присвоено звание лучшей женщины-скульптора России, а в 2005 году — лучшего молодого скульптора России. Две работы Светланы — «Бык» и «Беременная тыквами» — выставлены в Эрмитаже; остальные работы находятся в частных коллекциях и музеях. Она также является постоянным участником групповых и персональных выставок в Париже, Лондоне, Москве и других крупных городах. В 2010 году К-Ли приняла участие в одной из крупнейших групповых благотворительных выставок, организованной лондонской галереей Саатчи. В 2013 году в Москве прошла персональная выставка Светланы под названием «Мясо». В нем К-Ли хотел отразить реальность со всеми ее проблемами: насилием, жестокостью, кровью. В рамках выставки был представлен видеоролик «В России женщина считается проституткой независимо от того, спит ли она с президентом» «В России женщина считается проституткой — независимо от того, спит ли она с президентом» , в котором выражалось ее отношение к теме феминизма и отношению к женщинам в России. Лев Табенкин Талантливый российский художник Лев Табенкин родился в 1952 году в российской столице Москве. Этот живописец смотрит на картину как скульптор. Такое ощущение, что его письменные персонажи вылеплены из глины. Одна из самых известных картин Льва — «Джазовый оркестр», написанная в 2004 году. Она была продана за 117 650 рублей. Валерий Чтак. По образованию он библиотекарь. Был членом различных художественных групп например «Радек». С 1998 года стал членом Школы современного искусства Авдея Тер-Оганьяна. Его работы стали частью групповых выставок, а персональные презентации прошли в различных музеях и галереях России и за рубежом. Творения Чтака также находятся в Московском музее современного искусства, в Государственной Третьяковской галерее и в частных коллекциях. В своих работах художник использует холст, предметы быта, доски, также работает с графикой и создает инсталляции. Чтак активно вводит текст на разных языках как одну из составляющих своих произведений. Совместную работу они начали в 1994 году, после знакомства на фестивале, и создали необычный и грандиозный проект. Оригинальный дизайн заслужил уважение многих коллекционеров. Их картины висят в таких известных местах, как Третьяковская галерея, Русский музей и даже Центр Помпиду. Они сами являются создателями галереи «Арт-Стрелка» и организаторами фестиваля «Арт-Клязьма». Он родился в Москве в 1938 году. Отец Владимира тоже был художником, а профессию унаследовал сын. Владимир работает в стиле сюрреализм — творчество с парадоксальными сочетаниями. Еще в 1970 году он написал одну из самых известных картин под названием «Триптих 10. Анатомия души II».
И как он вплетает анимацию в свое творчество? И это касается не только творчества: строжайшая дисциплина анимационного производства стала одной из составляющей моего личного творческого процесса». Константин ZMOGK Данилов Константин Данилов — художник и муралист, один из пионеров движения граффити в России 1990-х годов, который теперь ассоциирует себя с живописью цветового поля, в которой солируют большие плоскости однородных цветов. Это направление развивалось в Нью-Йорке в конце 1940-х и именно в нем работал Марк Ротко. И такой абстрактный экспрессионизм — отличный способ рефлексировать над сегодняшней реальностью, которая давит деталями и мельчит подробностями. Александр Платонов Александр Платонов в своем творчестве «распаковывает» скрытые смыслы видимой реальности и работает в жанре магического реализма — на стыке абстрактной графики, живописи и фотографии. От реальности сегодня уходить нечестно, она слишком громкая и требовательная, но и смотреть на нее «в упор», как в зеркало, бессмысленно: рассказ об этом мире просто невозможен без «волшебных», фантастических деталей и интерпретаций. Евгения Инфелицина Евгения Инфелицина — выпускница Института дизайна и рекламы — работает в жанре фигуративной живописи с элементами сюрреализма и примитивизма. Тут все просто: холст, масло — и фантазия. А оторваться невозможно, потому что нас окунают в простоту и чистоту, которая лечит душу. Рамиль Карипов Рамиль Карипов — наблюдает за миром и познает его через духовные практики, так что в фокусе его творчества — самопознание и развитие внутреннего человека. Он пишет, поддаваясь внутреннему голосу, интуиции и будто обращаясь к воспоминаниям и наследию всего человечества — коллективному бессознательному. В его мире — ярко и тепло.
Нашелся единомышленник и при случае рассказал о нас. О том, обязательно ли молодому художнику жить и работать в Москве или Санкт-Петербурге Центр и периферия — это разные ритмы, режимы действия. Можно выбрать более подходящий, переключаться. Мы никогда не жили в Санкт-Петербурге, лишь шесть месяцев провели в Москве в мастерских музея «Гараж». За пределами столиц легче уйти в себя, прислушаться, замедлиться. Но, конечно, порой необходимо посмотреть со стороны на то, что ты делаешь, почувствовать творческую общность. И в этом помогают активные региональные связи: в стране не один, не два, а множество центров, работающих наравне со столичными площадками. Пластик с берега Черного моря, ткань, ручное шитье. Для нас это способ переместиться в новый контекст, ощутить другой ритм. В нашей практике почти нет отсылки к национальной специфике. Поэтому, оказываясь за пределами России, на другой территории, мы продолжаем выстраивать органичные связи, развивать собственный язык, и он становится общим. Мы не чувствуем проблем с переводом или специфической реакции как на представителей страны. О своих ориентирах в мире искусства Искусство интересно тем, что постоянно теряет и находит собственное определение. Мы часто задаемся вопросом: что для нас искусство? Искусство ли то, что мы делаем? В чем безотносительная ценность собственной практики? Можно сказать, что это бесконечный диспут о границах — личных и явления в целом. С другой, возникает желание расширить само это поле. Или же, если представить его всеобъемлющим, переключаться между навигацией и телепортацией в случайную область. Например, в формате резиденция-коллаборация, который микротерритория может предложить. Это коллективная не художественная практика, у ее участников разнообразный бэкграунд и возраст. Мы пригласили их в Ижевск и предложили обратить коллективное внимание на микрорайон, где новостройки «Новый город» постепенно замещают дачные кооперативы. Между девелопментом и утопиями частных построек смещается перепаханная экскаваторами полоса. Такая переходная зона с фрагментами домов, мебели, вещей — жизни, условно, «старого города». Зал «горонтальной школы», выставка-лаборатория «То, что ещё не случилось», 2021. Фото: Максим Амельченко Зал «горонтальной школы», выставка-лаборатория «То, что ещё не случилось», 2021. Завораживает именно «переходность», когда границы смещаются. И оказалось большой удачей, что участники «горизонтальной школы» в результате обошлись без произведений. Наработки, собранные ими в инсталляцию на базе «КЦ» в Ижевске, затем переместились на выставку-лабораторию «То, что еще не случилось» в «ЦК19» в Новосибирск. Вдохновляет ощущение, которое с Ильей мы ухватили как то, что представлен «сырой материал». Это разомкнутость отдельных объектов, это невозможность распознать отдельных художников или поддерживающее перетекание от одного к другому, одного в другое. Кажется, что в этом дрейфе границ искусство раскрывается как всеобщая деятельность и открывает множество перспектив. Идеи, которые волнуют прямо сейчас Если в трех словах, «Музей с доставкой». Этот год в целом для нас — большая стройка. Мы активируем множество связей, контактов, которые Город Устинов вокруг себя накопил. Можно сказать, мы наблюдаем принимая активное участие за тем, как артефакты, практики, сложившийся рукотворный ландшафт обрастают архитектурой отношений. Он окончил Московское художественное училище прикладного искусства бывшее имени Калинина и Иконописную школу при Московской духовной академии, обучался в Институте «База» Москва. Персональные выставки Антона проходили в Центре «Красный» 2016, 2017 , на площадке молодого искусства «Старт» Центра современного искусства «Винзавод» «Сомнительное основание», Москва, 2017 , в галерее «Электрозавод» «Без опоры», Москва, 2017 и в галерее «Сцена» «Ты, только после», Москва, 2019, «Пустоцвет», Москва, 2021. Также являлся участником программы Мастерских и арт-резиденций Музея «Гараж» 2019 и 2-й Триеннале российского современного искусства Музей современного искусства «Гараж», Москва, 2020. Антон имеет большую практику работы как художник-монументалист, и она для него очень важна. Он хорошо знает историю искусства, в том числе российского конца XIX — начала XX века, явно играет с ней в своих последних работах, при этом может ее концептуализировать, а это уверенная стратегия успеха. Тем более что живопись стабильно пользуется популярностью на рынке, на нее всегда есть спрос как у коллекционеров, так и в целом у зрителей. Я охарактеризовал бы современного художника как фигуру, которая проблематизирует само понятие искусства. Ведь оно по сути дела никому не нужно и в теории абсолютно бесполезно, потому что не несет в себе конкретного функционала, не входит в спектр тех или иных задач. Как современному художнику заявить о себе Мне кажется, что у всех представление об успехе разное. В том числе и у каждого художника — свое, причем оно не связано с конкретной выставочной деятельностью, продажами или известностью. Лично для меня, например, успех — это когда люди, которых уважаешь, говорят, что ты двигаешься в правильном направлении. И тогда я ощущаю, что у моей художественной практики правильный вектор, который не то чтобы одобряем, но понятен и согласуется с видением тех, чьи взгляды мне близки. О своих ориентирах в мире искусства Это сложный вопрос, потому что не хочется кого-то упомянуть, а кого-то нет. Основная проблема, наверное, в том, что сегодня для тебя важно мнение одного человека, а завтра оно уже не так ценно. Мне кажется, ориентиры — это временное явление для каждого художника. Когда я учился в Институте современного искусства «БАЗА», мне было безусловно важно мнение преподавателей и моих сокурсников. Потом я стал участником центра «Красный» — и точно так же меня тогда волновало, что думают ребята, которые состоят в этом сообществе. В общем, по мере развития твоей практики в те или иные периоды на тебя имеют силу воздействия разные люди. Поэтому, на мой взгляд, важно не только полагаться на мнение тех, кого ты уважаешь, но и сохранять верность самому себе, уметь слышать свой внутренний голос, оставаться в ладу с собственными ощущениями. По моим ощущениям, вокруг прогрессивных московских и питерских галерей сформировалась определенная среда молодых художников. В Москве, к сожалению, история с самоорганизацией за последнюю пару лет сошла на нет — в том числе в связи с финансовым кризисом. Их практически не осталось по сравнению с серединой 10-х годов. В свое время и меня как художника активно питала и вдохновляла среда, сформировавшаяся вокруг самоорганизаций. То же самое касается и школ современного искусства. Очень много молодых художников, которые до сих пор объединены этим бывшим студенчеством. Мне кажется, знакомства на базе этих школ тоже важная составляющая внутренней заряженности. О том, нужно ли молодому художнику жить и работать в Москве или Санкт-Петербурге Это очень провокативная тема. К тому же, я совершенно не эксперт в ней, ведь сам родился и вырос в Москве. Естественно, все мои представления о современном искусстве связаны исключительно со столицей, а также с Санкт-Петербургом, где я жил и работал. Мне кажется, эти два города очень тесно связаны между собой. Но я не могу однозначно утверждать, что художнику нужно жить и работать в Москве или Санкт-Петербурге, потому что это будет звучать суперколониально. Думаю, много классных художников, которых действительно нужно видеть, живут и развиваются в разных регионах страны. В Санкт-Петербурге я знаю целое комьюнити ребят, которые из Кемерова и из Сибири. Мне кажется, это характерно именно для Питера, что туда приезжает много людей из регионов и они друг друга поддерживают. Понятно, что это прозвучит просто чудовищно, но, на мой взгляд, на местах нужно поддерживать активность самостоятельно, а не ждать, когда из Москвы приедет условно Музей современного искусства «Гараж». Самая основная проблема, наверное, найти помещение. Если оно есть, то вокруг него, как правило, возникает деятельность. Я считаю, самоорганизация — основной инструмент для современных художников, особенно в России. Нельзя просто сидеть и ждать, что какая-то институция или богатый человек, или галерея придет и наведет порядок. И я призываю молодых ребят в регионах объединяться, как бы сложно это ни было. Находите людей, создавайте комьюнити, делайте выставки хоть в квартире на кухне, хоть в подъезде, хоть во дворе, хоть в гараже — неважно где. Мне кажется, через такие объединения и самоорганизации можно развивать активность в своем городе. Кстати, для этого есть классный инструмент — соцсети. Они повлияли на все сферы жизни, в том числе, естественно, на искусство. Причем на его развитие оказывают положительное влияние. Теперь художник имеет возможность показывать свои работы и благодаря обратной связи определиться со стратегией — что демонстрировать, о чем говорить, что спрашивать, с кем общаться. Сейчас можно и выставку сделать онлайн, хотя, на мой взгляд, с произведением искусства важнее контактировать физически. О том, сколько денег в России приносит искусство Мне кажется, о том, что на современном искусстве в России можно зарабатывать, надо просто забыть навсегда. Если думать о деньгах, то твое творчество будет полностью зависеть от вкусов тех людей, которые могут заплатить. А, как правило, у них просто чудовищный вкус. Кроме того, исходя из своего, пусть и небольшого в этом вопросе опыта, я могу сказать, что в России всё достаточно скромно по части продаж искусства. К тому же, нет никаких гарантий, и на постоянный доход точно не стоит рассчитывать. Но я считаю, что такая ситуация для современного художника достаточно выигрышная. Если ты имеешь постоянную работу, которая приносит небольшой, но стабильный доход, то в каком-то смысле свободен и можешь все свое время заниматься любимым делом. К тебе не придет какой-то коллекционер или галерист и не скажет: «Слушай, это не продастся, надо сделать по-другому». Я начинающий художник и с галереей сотрудничаю всего два года — это очень мало. Но могу сказать, что стабильность и регулярность заработка абсолютно невозможно спрогнозировать. Это зависит от многих факторов, которые чаще всего не складываются в единую цепочку. Что касается цен на искусство, то это тоже очень сложный вопрос, и не потому, что я хочу уйти от ответа, а потому, что это неоднородная среда. Галереи сами совместно с художниками определяют диапазон цен на искусство. Впервые я продал свою работу за 100 евро, когда в центре «Красный» мы решили сделать аукцион, на котором цены на всё были 100 евро. Большой удачей можно считать гонорар 2000—3000 евро за одну работу. Помимо продажи работ или гонораров за участие в выставках, есть еще поддержка фондов и различных институций, причем она бывает очень разной. Например, гранты, которых немного в России, но они всё-таки есть. И это возможность не только заработать, но еще и социализироваться, обратить на себя внимание, что тоже крайне важно. О том, как воспринимают русское искусство за рубежом Русское искусство не востребовано в мире. И это связано вовсе не с тем, что мы отстаем от мирового арт-комьюнити или у нас нет талантливых художников. Есть те, кто успешно работает в Европе, сотрудничает с галереями. Мне кажется, причина кроется в токсичном образе России в целом, в том числе и нашего искусства. И мы стали заложниками этой ситуации. Как бы нам ни хотелось, чтобы было по-другому, но это невозможно. О том, как молодому художнику попасть на международную выставку Чтобы начать сотрудничать с европейскими галереями, нужно и везение, и непрерывная работа, в том числе саморазвитие, расширение собственных знаний, развитие кругозора, постоянный мониторинг того, что и где делают. Я, например, стараюсь смотреть интервью европейских и американских художников. Знание английского языка — важный фактор нормальной коммуникации. Нужно знакомиться и активно общаться с другими художниками, а также с кураторами. Но, безусловно, важно, что ты делаешь. Если твое искусство не современное в широком понимании, то тогда будет очень сложно. Если галерея активно возит твои работы на ярмарки, то это один из способов, чтобы тебя заметили. Но это долгий и непростой путь, многое зависит мотивации. Мы достаточно сильно изолированы от Европы, у нас свое закрытое арт-сообщество. Российскому художнику для того, чтобы его просто заметили за рубежом, нужно делать в 100 раз больше, чем европейскому. Хотя в Европе мощнейшая конкуренция, ведь у них давно отстроена образовательная система в сфере искусства и очень много действительно крутых молодых художников. О том, насколько важно творить в контексте и есть ли в современном искусстве тренды К счастью или к сожалению — не знаю, но в искусстве это так не работает. Если ориентируешься на какой-то тренд, то ты уже опоздал. Задача художника именно в том, чтобы предсказывать, предугадывать, увидеть точку за поворотом… И вот это как раз сложно, ведь ты изначально должен понять сам механизм, а для этого нужно очень много поработать. Ни один тренд не появляется просто так — за ним есть целая история. Нужно проанализировать ее, чтобы понять, что может сработать лет через пять-шесть. И важно нащупать собственную идентичность — что интересно именно тебе. Идеи, которые волнуют прямо сейчас У меня изначально сформировался такой подход, что я стараюсь ту или иную тему развивать из раза в раз. Для меня во всем важна последовательность — как в идеях, которые мне интересны, так и в выставочной деятельности. У меня одна персональная выставка вытекает из другой. Возможно, эта своеобразная преемственность не сразу считывается и даже для меня иногда становится неожиданностью. Я понимаю, что, например, моя последняя выставка в галерее «Сцена» связана с первой, которую я делал площадке «Старт». Идея, которая интересовала меня тогда, интересует и сейчас и, скорее всего, будет интересовать дальше. Я хочу последовательно развивать тему картины как способа взаимодействия со зрителем. Мне интересна проблематика этого взаимодействия. Как зритель воспринимает искусство в контексте современных онлайн-выставок, когда не имеет непосредственного доступа к работе и видит ее через фото? Сейчас у меня есть серия, которую я начал делать и не закончу, пока не случится персональной выставки, когда смогу всю показать целиком. Я буду продолжать заниматься живописью и скульптурой. Меня сейчас все больше интересуют ремесленные техники и природные материалы — например, керамика. Мне хотелось бы двигаться в сторону большей грубости и материальности искусства. Мика Плутицкая, 38 лет, автор перформансов, живописных и графических работ Мика родилась в Москве. Окончила бакалавриат Университета Хартфордшира по специальности «изобразительное искусство» и получила степень BA Hons. По мнению кураторов, Мика работает с проблематикой, на которую всегда будет спрос: это тема советского наследия и изучение того, как оно в нас уживается — не столько на интеллектуальном уровне, сколько на сенсорном. У Плутицкой есть исследовательская жилка, которая позволяет копать глубже, приумножать и потом воплощать в художественные образы. Мика творчески перерабатывает образы и трудолюбиво, как муравей, их пестует, что, безусловно, ведет ее к успеху. Эксперты отмечают, что это более западный формат работы — когда к творческой профессии относятся не просто как к дару свыше, который снизошел, а к способностям, которые можно и нужно развивать. Художник показывает, как работает сам механизм восприятия визуальной культуры. Задача дизайнера сделать так, чтобы было удобно и красиво. А цель современного художника сделать так, чтобы, возможно, наоборот, зрителю стало дискомфортно, и то восприятие действительности, которое ему казалось чем-то само собой разумеющимся, оказалось под сомнением. Мне ближе всего и наиболее интересен именно этот аспект. Хотя, конечно, у современного искусства есть и развлекательные функции. Компонент шоу — это классно, в нем нет ничего плохого, как многие думают. Например, когда видишь скульптуру Луизы Буржуа и не можешь понять, что это за штука смотрит на тебя сверху, это паук, твой собственный страх или просто абстракция. Или когда смотришь на перформанс Марины Абрамович — как она в красном платье сидит прекрасная за столом — и в этом тоже есть, конечно, элемент шоу, театральности. И на мою выставку люди идут в свободный от работы день, чтобы провести досуг — в этом тоже есть момент зрелищности. Если резюмировать, то для современного искусства важны три компонента: исследовательский, развлекательный и духовный. В XX и XXI веках влияние религии на жизнь людей претерпело изменения, и часть этого «функционала» взяло на себя искусство. Его смотрят в том числе для того, чтобы получить духовный опыт. Я сама переживала нечто подобное несколько раз. И, наверное, самое крутое, когда все три элемента синхронизируются и случаются со зрителем одновременно. Мика Плутицкая. Холст, масло. Фото: Александра Павловская Мика Плутицкая. Например, рыночная. Но до этого уровня нам всем далеко, как до луны. Так продает свои работы очень небольшое количество художников.
Топ лучших современных российских художников
Я считаю, самоорганизация — основной инструмент для современных художников, особенно в России. В топ-100 современных российских художников, составленный аналитическим агентством InArt, вошли как молодые художники, так и корифеи — Илья и Эмилия Кабаковы, Эрик Булатов, AES+F, Ольга Чернышева и Владимир Дубосарский. «Участие в Art Russia — это великолепная возможность увидеть свое творчество в контексте других членов огромного цеха лучших российских художников». Топ лучших современных российских художников в рейтинге Zuzako. Известные отечественные художники, дизайнеры, фотографы и скульпторы предлагают зрителю поразмышлять об особенностях современных взаимоотношений человека и технологий. В залах Союза художников России в здании Новой Третьяковки можно увидеть более 240 работ молодых художников из всех 8 Федеральных округов России.
Выставка «Молодые художники регионов России» собрала произведения со всей России
| Самые перспективные молодые художники по версии Forbes | Живопись, графика, скульптура: нижегородцам представили работы лучших современных художников России. |
| Топ лучших современных российских художников в рейтинге Zuzako | Тимофей Смирнов — один из Лучших современных художников России (по рейтингу ARTEEX), кандидат искусствоведения, стипендиат министерства культуры, выпускник МГАХИ им. В.И. Сурикова по специальности «художник-график». |
| Art Russia 2024: 10 самых интересных художников выставки — выбор редакции | Лучшие современные художники мира, в 21 веке, выходят за грани классических стилей в живописи, рисуя картины в экспериментальном направлении. |
| Лучшие современные художники России (ARTEEX) | Лучшие современные художники мира, в 21 веке, выходят за грани классических стилей в живописи, рисуя картины в экспериментальном направлении. |
Самые перспективные молодые художники России по версии Forbes
Автор привнёс когда-то в эстетику советского искусства много заманчивых выразительных приёмов, которыми и сейчас пользуются молодые художники. Остался верен своему суровому стилю и он сам. Они создали свой стиль. Художники военного поколения, такие как Пётр Осовский, Дмитрий Жилинской и сам Виктор Иванов , войну встретили в призывном возрасте, и сам Сталин подписал приказ о выдаче им белых билетов, освобождающих от призыва, так как видел в них перспективу развития отечественного искусства, — рассказала куратор выставки, искусствовед Ирина Маршева. Позднее это дало им понимание собственной значимости, и когда они достигли определённого уровня мастерства, то решили проявить свой характер. И тогда их начали травить. В итоге их не признавали критики, но их любили зрители. А зрители тогда были просвещённые и чуткие. Так что в кругах интеллигенции их очень ценили.
А в перестройку их стали признавать и власти — Иванов одним из первых получил госпремию.
Были установлены первые контакты и дальнейшее тесное сотрудничество с крупными издательствами, с рекламными и звукозаписывающими компаниями. С приходом и развитием цифровых технологий Владимир быстро освоил графические программы на компьютере.
Он оформлял плакаты, обложки виниловых альбомов и CD, работал с агентствами и при этом продолжал заниматься живописью. Сумбурные годы 1990-2000. Коммерческая работа, рисование комиксов, шаржей, создание эскизов для сувенирной продукции.
Владимир брался за все предложения. Наряду с заказами по арт-оформлению музыкальных проектов шоу-индустрии, Владимир получал и выполнял заказы на живописные портреты. В том числе таких звезд российского шоу-бизнеса, как А.
Пугачева, Ф. Киркоров, Е. Шаврина, В.
Цыганова и пр.
Им возражают галеристы — в частности, Сергей Гридчин из центра Gridchinhall, который утверждает: сегодня 25-30-летние авторы во многом определяют погоду на рынке, что сложно было представить 10-15 лет назад. Forbes отобрал семь перспективных художников из России — тех, кто пока не очень известен широкой публике, но чьи работы уже интересны коллекционерам и организаторам выставок.
Самые перспективные художники по версии Forbes Отбор проводили в два этапа. На первом эксперты отобрали претендентов по возрасту. В выборку попали представители мира искусства , родившиеся в 1982 году и позже.
Для молодых авторов в рейтинге реализована обязательная квота на представительство. Арт-рейтинг «Выбор коллекционеров» 49ART-artocratia — 2022 опубликован здесь.