Покупка портрета музы Пикассо длилась всего четыре минуты, пока три коллекционера по телефону поднимали цену.
Клиентская динамика
- Telegram: Contact @picassodiagnostic
- Пабло Пикассо: биография самого «дорогого» художника и основателя кубизма
- Пабло Пикассо - Стиль и техника
- Примечания
- И Пабло, и Диего, и Хосе
Пикассо и окрестности
Более девяноста раз писательница приходила в студию Пикассо, чтобы дать тому возможность снова и снова раздраженно переписывать ее голову. Эта часть тела всегда являлась для художника самой проблемной, даже спустя годы и множество творческих ипостасей. Постепенно Пикассо начал отходить от перспективы и реалистичных форм: сказались наставления его влиятельной подруги и увлечение африканской ритуальной культурой. Как примитивные формы древних скульптур могут нести столь сильный энергетический заряд?
Как необыкновенная мощь может выражаться в простых формах? Образ первобытной силы магическим образом очаровал Пикассо, окончательно убедив в том, что простое формообразование передает суть предмета неизмеримо больше, чем его детальное изображение. Само общество тем временем бунтовало.
Только редкие и лишенные тщеславия художники признавали «Авиньонских девиц» и последовавшие за ними «ответные» картины началом новой эпохи. Много лет держа картину в своей мастерской, он продолжал развивать это направление, рисуя многочисленные «постскриптумы» и создавая стиль, который сегодня известен нам как кубизм. Мы только хотели выразить то, что было в нас», — писал позже Пикассо.
Сама суть кубизма заключалась в том, что абсолютно все в мире — тела, деревья, вода, воздух, предметы — «лепились» художниками из одного и того же материала, из одних и тех же простых форм, тем самым позволяя им являться естественным продолжением друг друга. С появлением кубизма, основоположниками которого стали Пабло Пикассо и его друг Жорж Брак , искусство перестало нести изобразительную функцию, обратившись к аналитической. Постоянно встречаясь и обмениваясь мыслями, оба они пытались «вскрыть» оболочку предметов, и, выпотрошив наизнанку, отразить на полотне саму ее суть.
А когда речь идет о сути вещи, какая разница как она выглядит, из чего сделана и где в пространстве находится? Взгляд на действительность многослоен как своим изображением, так и мышлением. В картине объект разлагается на многие углы зрения в стремлении довести до зрителя самую полную информацию.
Он объединяет разные углы зрения: например, прямой с боковым, вид сверху, снизу, и разъясняет очертания, скрытые от зрителя», — так говорил о кубизме Жорж Брак.
С ним Пикассо познакомился на выставке примитивного искусства Африки и Океании в музее Трокадеро. Древние скульптуры, искаженные пропорции фигур понравились художнику. Позже Пабло Пикассо вместе с французским художником Жоржем Брако становится родоначальником кубизма. Это направление отвергало натурализм и отказывалось от реалистичного изображения окружающего мира. Живописец упрощал образы, предметы и превращал их в геометрические рисунки. Художник говорил: «Я рисую предмет так, как представляю его, а не так, как вижу»..
Благодаря кубизму Пикассо получил популярность и оказал большое влияние на искусство XX века. Пабло Пикассо, «Авиньонские девицы». Художник хотел сделать картины более читаемыми. В это время он сотрудничал с балетной труппой Сергея Дягилева и женился на русской балерине Ольге Хохловой. Сюрреализм и послевоенный период Классика наскучила Пикассо, и он решил писать в стиле сюрреализм. Художник познакомился с сюрреалистами, а также с Марией-Терезой Вальтер.
Кажется, что после страшной зимы Пикассо мир не зацветет уже как прежде, что в эту зиму падают не только все покровы, но и весь предметный, телесный мир расшатывается в своих основах. Совершается как бы таинственное распластование космоса. Пикассо — гениальный выразитель разложения, распластования, распыления физического, телесного, воплощенного мира» Тексты Бердяева и Булгакова далеких от фашизма мыслителей в деталях воспроизводят критику вишистского националистического правительства, объявившего Пикассо «жидовствующим художником», чуждым национального чувства красоты. Скорее всего, этот взгляд чужд Булгакову и Бердяеву; однако не усматривают в кубизме радости красок и «гармонии», то есть, упорядоченного мироздания.
Если бы их поставили в известность о том, что Матисс разделяет идеалы Вишистского правительства, а Пикассо им оппонирует, философы бы не смутились: «прекрасное», как для Бердяева, так и для Булгакова, не имеет моральной составляющей; они христиане, но вовсе не неоплатоники. Сергей Булгаков, мыслитель, внимательный к деталям, подметил в отношении Пикассо: «Этот молодой художник, родом испанец с примесью мавританской крови очень существенная черта! Словосочетание «мавританская кровь» в данном пассаже является эвфемизмом морисков, крещеных мавров, и марранов, насильно крещеных евреев, Филипп III депортировал из Испании одновременно , уточнение отца Сергия Булгакова характерно. То, что о. Сергий Булгаков обратил внимание на кровь, любопытно еще и потому, что спустя несколько лет Морис Вламинк и прочие поборники «национальной красоты» подметили ровно то же самое. Отец Сергий продолжает так: «Вот «Нагая женщина с пейзажем», изогнувшаяся в уродливо-эротической позе, — ноги словно лопасти амфибии, грузная, тяжелая, расползающаяся на части: злобный цинизм и вызов растления, бунт трупности и гнили. Вот «Женщина после бала», грузно сидящая на кресле и злобными глазами уставившаяся вдаль, — как идут здесь эти красочные глыбы, между собою не спаянные, для изображения этого вампира, у которого от тела осталась одна злоба да геометрия. Вот «Дама с веером», вся из треугольников и геометрических фигур, злобная, насмешливая и нечеловеческая. Вот три женщины, словно кошмарные видения в багрово пламенеющих тонах, тяжело застыли в пляске. Вот ужасная «Фермерша», состоящая из нескольких геометрических булыжников, вся — тяжесть и косность.
Здесь тело потеряло свою теплоту, жизнь и аромат, превратившись в фигуры, в геометрию, в глыбу; жизнь утратила движение и застыла в какой-то гримасе; плоть с каким-то демоническим аскетизмом иссушена и обескровлена. Это — духовность, но духовность вампира или демона; страсти, даже и самые низменные, взяты здесь в чисто духовной, бесплотной сущности, совлеченные телесности. Здесь проявлен совсем особый, нечеловеческий способ видения и восприятия плоти, дурной спиритуализм, презирающий и ненавидящий плоть, ее разлагающий, но в то же время вдохновляющий художника, который, по иронии вещей, все же говорит только в образах плоти и через плоть. Во время истребительной войны текст Булгакова относится ко времени Первой мировой , Пикассо пишет «Старого еврея и мальчика» - из тех вещей, что священник мог видеть в коллекции Щукина, и «Свидание»; но эти вещи не впечатляют. Любовь и защита слабого еще более слабым, объятья любящих, трепет прикосновения к любимому человеку — это пишет «жидовстующий эмигрант», не имеющие отношения к гармонии империй. Отец Сергий Булгаков не разглядел этого ни в «Свидании», ни в «Старом еврее и мальчике», но последовательно отстаивал то понимание красоты, которое имманентно империи. Характерно, что Булгаков при этом оперирует «неоплатонической» фразеологией, используя ее внутри имперской эстетики. Она предстает в творчестве Пикассо в несказанном поругании, как уродливое, отяжелевшее, расползающееся и разваливающееся тело, вернее сказать, труп красоты, как богоборческий цинизм «Женщина с пейзажем» , дьявольская злоба «После бала» , разлагающийся астральный труп «Дама» с змеиною насмешкой колдуньи «Дама с веером». И все эти лики живут, представляя собой нечто вроде чудотворных икон демонического характера, из них струится мистическая сила; если долго смотреть на них, испытывается род мистического головокружения. Они изображены с такой художественной убедительностью и мистической подлинностью, что невозможно ни на минуту сомневаться в искренности самого певца «Прекрасной дамы», в демоническом стиле и в мистическом реализме его искусства.
Интересно, что по-своему столь же сильное и мистическое впечатление производят и другие картины этой эпохи, с самым безобидным содержанием: nature morte, бутылка со стаканом, вазы с фруктами. Та же непросветленная и беспросветная тяжесть, та же мистическая жуть и тоска. Из всех них истекает некая черная благодать, ощущающаяся в этой комнате почти до физической осязательности. Ни одного светлого луча в этой мертвой и скорбной пустыне, опаленной адским огнем». Такие чувства посетили священника перед готическими картинами Пикассо, стоит ли удивляться, что подобные чувства посетили ревнителей «национального чувства прекрасного» во Франции. Готика — вненациональна; единственная внятная историческая аналогия готическому собору — это Интернационал. И впрямь, национальное сознание прикасаясь к интернациональной концепции, испытывает потребность в национальном чувстве прекрасного. Пикассо говорит: «Когда мы начинали писать кубистически, в наши намерения не входило изобретать кубизм. Мы лишь хотели выразить то, что было в нас самих. Ни один из нас не составлял особого плана сражения, и наши друзья — поэты — внимательно следили за нами, не давая никаких предписаний».
Лирика одиночек не нуждается в пресловутых «общезначимых ценностях», находит общезначимые ценности как бы случайно: в процессе выяснения собственных чувств. Выразить то, что внутри тебя — возможно в том случае, если внутри тебя нечто есть; со временем термин «самовыражение» станет универсальным и бессмысленным: многие считают, что, выражая эмоции, они выражают себя, речь разумеется, но об эмоциях. Если пережить себя как субъекта истории война и революция принуждают к этому , то единство с миром через язык и жест, через традиции и даже через феномен одиночества — позволяет представить всю историю через свою деятельность. Точно так и готический собор можно воспринимать как выражение всей истории Европы. Спросить: «хотел ли Пикассо строить готический собор, вертикалью оспорить плацдармы войны», нелепо — ведь и строитель готического собора XIV века не имел намерения строить именно «готическое» сооружение: в процессе работы поколений «готика» достраивалась сама собой. Важно войти в ритм «бесконечного возведения», как важно войти в ритм бесконечного само-припоминания, тогда кубизм и готика возникают сами. И кубизм, и готика — это постепенное достраивание объемов, додумывание, включение нового и нового компонента в рассуждение. Кубизм разрушает объем в той же степени, в какой готика разрушает объем романского храма, с тем — чтобы начать новое строительство. У Шеллинга есть термин «бесконечный субъект», он так называет историческое «я», которое в свернутом, нераскрывшемся виде содержит всю историю мира внутри личности, или, точнее сказать, содержит способность понимания истории переживающим субъектом. Процесс самоузнавания Шеллинг называет это «привлечением себя» приводит к раскрытию потенций души, и через самоузнавание возникает язык и речь.
Но что, если «самоузнавание» не наступает, что, если камни, из которых надо бы сложить собор, ложатся криво, как попало, и собор выходит кривым — экзистенциализм, современная Пикассо система рассуждения, говорит именно об этом, о возможной ошибке. Осознание бытия может попросту не состоятся; «свернутый» историзм вполне может и не развернуться: историческое бытие человека сумбурно. Прикладывать понятие возрожденческого «гуманизма» к реальности ХХ века непродуктивно; спустя некоторое время об этом будет говорить Хайдеггер. Во всяком случае, использование языка «кубизма» уже в тот момент, когда «кубизм» из высказывания Пикассо превратился в салон и стиль — чревато созданием вещей прямо противоположных мысли и духу Пикассо. Спустя несколько лет в России возникнет движение супрематизма, также оперирующее геометрическими фигурами. К 1915 году, когда Малевич «изобрел» супрематизм, кубизм для Пикассо давным-давно исчерпал себя, в Европе кубизм перешел в салонную стадию, был подхвачен десятком эпигонов. Большинство из подражателей и толкователей не поняли в кубизме главного: кубизм не разрушал форму, а строил; не разваливал мир, но возводил собор; не ломал объем, а выращивал божественно сложную форму. Эпигоны свели кубизм к приему деструкции, а наивные искусствоведы, сказали, что изображен распад предмета и предчувствие мировой войны. Так можно увидеть распад архитектуры в сложнейших переплетениях нервюр и аркбутанах готики, в то время как готика - лишь усложнение общей конструкции храма. В работе зодчего собора, плетущего каменное кружево, примитивная фантазия хуторянина разглядела лишь квадратики; квадраты и прямоугольники Малевич считал развитием кубизма.
Малевич так же относится к кубизму и Пикассо, как относится Сталин - к марксизму и Марксу, то есть, не просто далек от кубизма, но диаметрально кубизму противоположен. Подобно тому как Сталин провозгласил, что «марксизм не догма, но руководство к действию» и объявил военный переворот в России, в стране, где не было пролетариата, - пролетарской революцией, так и Малевич, убежденный всем существом, что продолжает дело кубизма и даже идет дальше, - шел в совершенно другую сторону. Примитивное лозунговое сознание нуждается в том, чтобы сложное представить плоским; фашизм утилизирует идейные конструкции, сводя их к схеме; сложные идейные конструкции не годятся в принципе. Супрематизм является зримым воплощением сталинизма в знаково-сигнальной системе: воплотить сталинизм в зримую форму проще, нежели воплотить принципы католической веры и философскую систему Гегеля; в силу примитивной сигнальной конструкции агитация Малевича хорошо усваивается. Одна из легенд о «новаторстве» гласит, что Малевич изобрел стиль «супрематизм» - этот поздний, по отношению к кубизму продукт есть идеологизация замысла Пикассо, использование философии для создания идеологии; как и всякая идеология, этот продукт оказался недолговечен. Пабло Пикассо "Девочка на шаре" Метод кубизма, как и суть стиля готики — в том, чтобы утвердить многогранность всякого явления. Вещь надлежит видеть с разных сторон — один из тезисов Пикассо. Он всегда так строит фигуру - женские образы часто объединяют несколько ракурсов в один: зритель видит сразу и грудь, и спину, и профиль, и фас. В кубистических картинах Пикассо показывает многоликую вещь, сочетая в едином предмете несколько измерений. Так и готический собор, устремляясь вверх, сочетает с вертикальной перспективой движения нефов и трансепта.
Метод Пикассо кажется родственным сюрреализму; мастера сюрреализма сочетали несочетаемое порой расчетливо как Дали , но чаще спонтанно, как того и требовала программа сюрреализма следовать подсознанию. Сочетания несочетаемого в картинах Пикассо давали возможность сюрреалистам видеть в мастере «своего», но для Пикассо изучение всех свойств вещи, включая и те, что понимаешь с неожиданного ракурса — это именно реализм. Сам мастер говорил, что не пишет просто «обнаженную», но создает портрет «груди», «ноги», «живота» и соединяет эти автономные сущности комбинация создает впечатление нескольких ракурсов, соединенных в одно изображение. Из сочетания различных точек зрения можно сделать вывод о релятивизме Пикассо; вывод будет ошибочен. Суть высказывания в обратном: истина не многовариантна, но при этом истина не одномерна. Вещь, одушевленную своим собственным смыслом, следует рассмотреть со всех сторон: сравнение Пикассо с Кантом прозвучало уже в ранние годы художника. Автономная сущность предмета — вовсе не исключает участия субъекта в истории; просто связь вещей толкуется сообразно сложности включенной в историю вещи. Пикассо лишен деликатности в рисовании: то, что иной поместил бы в тень, он выводит на свет. Его утверждения нельзя толковать двояко: «Герника» - осуждает насилие, «Натюрморт с бычьим черепом» 1943 года — изображает ночь Виши: прямые и ясные картины. Но суть самой вещи, изображенной в картинах, многозначна.
Сущность образа Быка в Гернике, и суть черепа быка в натюрморте — не равнозначны смыслу картины. Так и фигура Макбета или короля Лира содержит противоречивые качества. И от того, что в философской пьесе Пикассо толкования вещей сложны, его прямые утверждения усложняются. В Париже, куда Пикассо переехал в 1904 году, сосуществовало такое количество противоположных концепций, что не заметить противоречий было нельзя. Рисование Пикассо прежде всего философствование, он рассуждает, рисуя. Согнутое колено старого еврея служит контрфорсом, вывернутые руки гитариста — аркбутаны. Именно такие одинокие нищие появятся и у самого Пикассо в парижских холстах, и у Паскина, и у Модильяни, и у Сутина. Тощая женщина с утюгом - перекрученная, точно горгулья водостока, состоит из одних лишь сочленений. Можно было бы сказать, что это та же тема, что и Чаплина одиночество, беззащитность в большом городе , та же тема что и у Сутина отчаяние , если бы не тот факт, что Пикассо — готический художник nec plus ultra, а готике неведом страх. Готика существует ради бестрепетного движения вверх; чувство прямого позвоночника, не гнущегося в поклоне — во всех картинах Пикассо.
Он не умеет нарисовать согбенной фигуры. Гитарист заплелся в спираль, но позвоночник не согнул, оттого его поза неестественна. Старый еврей, нищий, с изглоданной судьбой, сидит прямой как палка. Женщина, которая гладит белье, выхудилась до костей, ей крайне неудобно гладить, не сгибая позвоночник, но она не гнется. Готическое искусство существует, чтобы вызвать чувство благоговения перед Богом и гражданское мужество; среди колонн собора и стрельчатых проемов охватывает чувство благоговения. Это благоговение перед мужеством — Господа и коммуны города. Религиозное чувство своеобразное: испанское сознание вряд ли бывает атеистическим в принципе легко разглядеть в Пикассо времен «Тавромахии», когда он рисует матадора как Христа, или когда он вдруг включает евангельский мотив. Но Пикассо религиозный художник с самого начала — с двадцати лет. Готические картины «голубого периода» нарисованы ради чувства благоговения перед одиночеством — и голубой цвет, религиозный цвет, усиливает чувство одинокого сопротивления небытию. Пабло Пикассо осмеливается нарушить испанское табу: пишет голубой вместо черного.
Главное в испанской живописи — это глухой бархатный черный цвет; классическая испанская живопись поражает тем, что яркое небо заменили на глухой черный из эстетических соображений. Зритель усилием воли вспоминает, что Испания - страна голубая, когда смотрит на черного Риберу, черного Сурбарана и черного Веласкеса. Джон Ричардсон John Richardson сравнивает картину «Слепой нищий» 1903 г с «Пьетой» Луиса де Моралеса, испанского мастера 16-ого века — где болезненный закативший глаза, Иисус похож на слепого. С Моралесом легко сравнить холсты «Завтрак слепого» и «Старый еврей». Но там, где классический испанский художник кладет черный — Пикассо пишет голубой. Пикассовский голубой — это испанский черный цвет, который сделал над собой усилие и поголубел; но сохранил всю суровость черного. Ни в голубом, ни в розовом периоде, несмотря на пастельное сочетание цветов, нет сентиментальности: Пикассо сочетает голубое и розовое таким образом, что голубой становится цветом одиночества, а розовый — цветом отчаяния. Это сочетание цветов превращает объятья людей — в акт защиты другого, а не обладания другим. В те годы мастерство не изощренное — рассказано назывными предложениями: комната, стул, кровать, пришли люди, прижались друг к другу безоглядно, так обнимаются герои Хемингуэя или Ремарка. Наверное, это мансарда: потолок скошен.
Все серое: стена, кровать, воздух; лица расплывчаты; чувствуется, что за стенами мансарды — беда. У Мунка есть офорт «Поцелуй» композиционно схожий с этой вещью Пикассо, но отличный эмоционально. Сплетение тел у Мунка — чувственное, эротичное; в картине Пикассо эротики нет — и это поразительно, поскольку нарисована сцена в публичном доме Барселоны. Пикассо эту вещь сделал в 1900 г. Ничего возвышенно-романтического художник написать не хотел —существуют еще три небольших холста на ту же тему и несколько рисунков, крайне непристойных. Картина получила название «Свидание» вряд ли сам мастер так назвал потому что люди обнимаются, а не совокупляются. Нарисована любовь, а не похоть. Мужчина и женщина прижались друг к другу, словно прячутся друг в друге; впоследствии Пикассо достигнет того, что тела станут буквально перетекать одно в другое, как на офорте «Скудная еда» - там, где нищие сидят перед пустой тарелкой. Не существует приема, как передавать преданность; надо почувствовать скоротечность жизни. Пикассо не собирался писать любовную картину, ни тем более!
У Генриха Белля есть повесть «Поезд приходит по расписанию», в которой описано как это происходит: солдат, которого наутро отправляют на восточный фронт, приходит в публичный дом и остается с девушкой — не для того, чтобы заняться сексом, а чтобы говорить. И девушка говорит с ним, смертником, всю ночь, и это оказывается ночь подлинной — и смертной — любви. Для Белля это очень важно, этим проверяется чувство: встретиться с женщиной не для того, чтобы лечь в постель, а чтобы говорить. И вот, советский диссидент, глядя на картину, изображающую бордель в Барселоне, переживает чувство сопротивления небытию, любви вопреки уродливой жизни. На картине изображено именно такое — беллевское, оруэлловское, пастернаковское — свидание. Любовь - это субстанция, которая существует вопреки законам мира; ее отменили — а она живет. Эти полчаса принадлежат любви человека к человеку, а не обществу, которое врет и воюет. В «розовом периоде» Пикассо следит за тем, как человек тянется к человеку, как рука входит в руку, как щека прижимается к щеке, как мужчина закрывает подругу плечом от мира. Розовый период — стал временем, когда Пикассо сформулировал потом никогда от них не отказался простейшие правила жизни. Правила простые: любить безоглядно, отдавая себя; не жалеть имущества, всем делиться; не верить внешнему миру; защищать слабого.
В каждой картине Пикассо с тех самых пор повторяется этот набор правил. В панно «Война и мир», в «Гернике», в рисунках нищих, в тавромахии, везде. Так и цветовая символика сформирована мастером единожды — но на всю жизнь. Болезненный розовый не имеет ничего общего с пастельным слащавым ренуаровским оттенком. Цветочный и телесный цвет розовый Ренуара — это цвет разврата. Розовый у Пикассо — это холодный цвет тусклого рассвета над бедным кварталом, это цвет марганцовки, цвет неустроенной жизни, цвет меблированных комнат, розовый Пикассо — это цвет смерти, цвет кладбищенских бумажных цветов, хотя, бумажные цветы Пикассо не рисовал. В холсте «Странствующие комедианты» маленькая Коломбина держит корзинку с бумажными болезненного цвета цветами, да в небольшой вещи «Акробат и молодой арлекин», на заднем плане изображена барочная кладбищенская ваза хотя, скорее, это фрагмент здания , с красно-розовыми цветами — впрочем, написано, как часто бывает у Пикассо, бегло и недосказано. В годы «розового» периода, периода комедиантов, Пикассо освоил прием, с которым уже не расстался — оставлять часть холста нетронутой — так происходит даже не от того, что говорить надо по существу, а живописный фон, и прочие подробности - дань салонному искусству; но, скорее, от того, что скудной жизни не дано воплотиться. Холодным розовым мазком тронут холст, и этого довольно: человек, действительно несчастный, не может быть красноречивым. Розовым написаны комедианты, у которых нет угла; мальчики с собакой на пустыре в розовом холодном воздухе — мы додумываем, кто они, есть ли у них жилье; ничего толком не известно про этих людей: розовый стальной цвет — лучшее обозначение пустоты впереди.
Акварель «Мертвый Арлекин» 1906 пропитана больничным розовым колоритом: из пустоты выплывают лица тех комедиантов что у гроба. В картинах розового периода есть не может не быть перекличка с сезанновским «Пьеро и арлекином»; скорее всего, главным для Пикассо было то, что в Арлекине Сезанн написал своего сына. Комедианты, ставшие семьей, скитающиеся по дорогам - для французской и испанской литературы привычный образ капитан Фракасс, Сирано, Скарамуш но Пикассо переворачивает метафору: семья в этом мире то есть, единение любящих может существовать только в роли комедиантов. Но нет, это неточно сказано: не «роль комедианта», но «суть комедианта»; они не перевоплощаются, они становятся. Картина «Семья арлекина» не тем удивляет, что люди одеты в сценические наряды, но тем, что люди даже дома в сценических нарядах, они не выходят из роли потому, что это не роль, это их подлинное лицо, а другого лица нет. Эти неприкаянные — они не артисты, это становится понятнее от холста к холсту: Арлекин даже в гробу продолжает быть арлекином. Пикассо рисует особую породу людей, отличную от других; «комедиант» - эвфемизм понятия «эмигрант», но только отчасти; вернее будет словом «комедиант» определить человека, наделенного способностью любить и переживать за другого. Это тот, кого Белль называл «принявший причастие агнца» в отличие от того, кто принял причастие буйвола. Роли в комедии распределены отлично от комедии дель арте. Арлекин, в трико из разноцветных ромбов и в треуголке, он вовсе не буян, но это тот, кто способен защищать; молодой мужчина в семье; порой Пикассо видит в нем наполеоновские черты романтического смельчака.
Акробат, в красном трико и белом жабо, старше годами; иногда Акробат - старший брат, иногда - отец Арлекина. Пикассо надевает на Акробата шутовской колпак с тремя хвостами — акробату пришлось покрутиться там, где арлекин пойдет напролом. Разговор акробата с арлекином Пикассо рисует несколько раз; судя по всему, это дань сыновней любви — других картин на про связь отца и сына не существует. Картина «Акробат и молодой арлекин» 1904г могла бы стать классическим образчиком art nouveau — в те годы многие, от Пюви де Шаванна до Петрова-Водкина писали двусмысленные сцены с артистическими юношами нагими или в облегающих трико , аромат запретной страсти присутствует в фантазиях; розовый цвет можно трактовать как цвет будуара, гибкую фигуру мальчика в римских сатурналиях бы ценилась. Нагие мальчики Петрова-Водкина воспринимаются в духе проказ Петрония на берегах Волги это будто бы не практиковалось, но картина говорит иное. Познакомься Пикассо в те годы с Жаном Жене или Кокто, картина «Акробат и молодой арлекин» получила бы в их придирчивых глазах высокую оценку; однако Пикассо чужд эстетике будуара в принципе, розовый цвет трико акробата — режет глаз, это цвет отчаяния; мальчик-арлекин и взрослый акробат говорят как отец с сыном, их разговор горек; отец рассказал мальчику, как устроена бродячая жизнь, и как он сам устал — и мальчик привыкает к своей судьбе. И семья Арлекина и Коломбины, гибкой девочки, вовсе не похожа не спектакль, не похожа на игры модерна — напоминает щемящее «Свидание» в чужой комнате, на несколько минут. Однажды Пикассо собрал всю семью комедиантов вместе — они стоят на перепутье, на пустыре. В этой картине объятий нет, но пространство меж фигурами написано с такой нежностью, что объятий и не требуется. Как говорил Роберт Джордан девушке Марии: «Мне достаточно твоей руки».
Одного прикосновения — Пикассо умеет показать, как мужчина едва касается руки женщины — достаточно, чтобы передать растворение человека в другом. Кстати будь сказано, у Андре Дерена также имеется холст «Пьеро и Арлекин», написанный в 1924 году, в прилизанной, залакированной манере. Дерен, в отличие от Пикассо, уроки Сезанна воспринял буквально и прежде всего желал подчеркнуть родство с покойным мэтром — даже в пластике движений, в характеристике персонажей. Двое танцующих и музицирующих комедианта движутся по дороге, их лица деревянны, и если картина собиралась нечто сказать о миссии странствующего художника, то высказывание художнику не удалось. Пикассо понимает тему иначе: если ты вступаешь в семейные отношения, связал себя любовью, то ты в глазах мира уже комедиант, шут — ты живешь по чудным правилам, по правилам любящих. Любовь ставит тебя вне общества, но если ты выбрал любовь, то играй на этой сцене до конца. Возможно, то, что рядом с ним в эти годы Фернанда Оливье, помогает художнику пережить чувство «семейного изгойства», «бесприютной коммуны». Фернанда — испанская еврейка; а темой розового периода, фактически, является гетто — семья бродяг, обособленная от внешнего мира, живущая по внутренним законам. В офорте 1954 г. Пикассо часто отождествляют с Минотавром, мифологическим чудищем, которое мастер рисовал постоянно.
Пабло Пикассо в своей парижской мастерской. Сентябрь 1944. Фото: Роберт Капа.
О.А. Ярцева. «Влияние Пабло Пикассо на абстрактный экспрессионизм»
Есть ворсинки на ткани, нет их — это ничего не меняет, выписывать это не стоит, нет смысла, все сделано из одного и того же, реальность едина. Если посмотреть на картину «Девушка и мандолина», вы поймете принцип этого периода, не обнаружив разницы в материалах, из которых «сделаны» девушка и инструмент. Синтетический кубизм 1912—1917 Весной 1912 года Пикассо возвращается к цвету в работе «Воспоминания о Гавре». Кубизм становится более оптимистичным и конкретным. Начинает появляться и изображение материала, возвращаются детали; Пикассо пишет на холсте буквы, а изображения в целом напоминают коллажи, художник даже вклеивает в картины «кусочки реальности», например почтовую марку. Создавая разнообразные декоративные коллажи, художник как бы «синтезировал» художественную реальность из символов реальности настоящей. Период классицизма 1917—1925 В это время Пикассо активно сотрудничал с Сергеем Дягилевым, его «Русскими балетами». Им были оформлены шесть балетных постановок!
Он влюбится в русскую балерину Ольгу Хохлову, его увлечет реалистичность и античность. В этот период художник и пишет «узнаваемо», но все равно по-своему, создавая свою классику. Период сюрреализма 1925—1937 Вы все поймете про этот период, посмотрев работы «Три танцовщицы» и «Поцелуй». Четкие грани изображаемого в сочетании с их абстракцией, узнаваемая, но препарированная реальность, контрастные цвета или игра черно- белым. Хорошее слово для определения этого периода — допустимость. Художник допускает многое — и в форме, и в цветопередаче. Непременно посмотрите картину «Спящая» и почувствуете, что главное слово для восприятия работ этого периода — ощущение.
Период конца 1930-х годов и войны 1937—1945 Трагизм переживаемого миром времени отразился в этом периоде творчества Пикассо остро: персонажам его картин неизменно больно, и это нельзя не почувствовать. Героиня многих работ и целой серии портретов «Плачущая женщина» — Дора Маар, фотограф, художник-сюрреалист и новая любовь Пикассо. Кроме того, знаковые образы этого периода — черепа. Пикассо стремился передать весь ужас и трагизм войны. А начинался период со знаменитой «Герники»: в апреле 1937 года фашистский самолет сбросил бомбу на Гернику, центр культурной жизни басков. Пикассо напишет одноименную картину болью и кровью сердца: в монохромных цветах на громадном полотне — павший воин, оплакивающая его женщина и раненая лошадь, а фон для этой сцены — женщина-мать с мертвым ребенком, символ Испании бык и фигура девушки в огне. Послевоенный период 1946—1954 Один из самых спокойных периодов в жизни Пикассо.
Рекордные продажи, цена картин Пикассо Краткая биография Пабло Пикассо родился в 1881 году на юге Испании, получив при рождении длинное имя и две фамилии Руис по отцу и Пикассо по матери. Пабло Пикассо 1881—1973. Еще в раннем возрасте ребенок увлекся живописью под влиянием отца, который работал учителем рисования.
Обучаясь у отца, Пабло уже в восьмилетнем возрасте создал свою первую картину. В дальнейшем он учился в школах искусств в тех городах, в которые переезжала семья: в Ла-Корунье и Барселоне, а также в мадридской академии изящных искусств. Успех и мировая известность пришли к маэстро далеко не сразу.
Одним из секретов его успеха стала невероятная работоспособность и целеустремленность. Часто голодный художник не заканчивал день, пока не будет нарисована очередная картина. Он терпеливо изучал работы известных мастеров и искал то, что стало бы по-настоящему ошеломляющим, великим.
И первым таким открытием стал кубизм, буквально перевернувший художественный мир. Совместно с французом Ж. Браком Пикассо изобрел новый стиль, в котором отверг каноны натурализма и сосредоточился на анализе форм.
О Пикассо заговорили. Но на этом молодой художник не остановился, а продолжил едва ли не скачку по стилям. Искусствоведы выделают в его творчестве более десятка периодов, среди которых есть «голубой» и «розовый», когда художник изображал нищих и бездомных, классицизм, сюрреализм и другие.
Потрясающая работоспособность в паре с неуемным стремлением получить что-то новое стала причиной того, что после сорока лет его доход составлял более 1,5 млн франков в год. В военное время Пикассо остался на родине и состоял в движении Сопротивления, а в 1944 году вступил в коммунистическую партию. После войны мастер выражал себя еще более разнообразно, занявшись кроме живописи скульптурой, графикой и керамикой.
Скончался художник во Франции в 1973 году, прожив почти целый век 91 год.
Амбруаз Воллар устроил выставку в память о нем, и Пикассо увидел картины Сезанна. У девушек справа лица написаны в стиле ритуальных масок: та же штриховка, пустые глазницы. Развивая находки Сезанна, Пикассо разделяет тело на сегменты, придает им геометрические формы и возвращает на холст. Это первый шаг к кубизму.
Пабло Пикассо 1. Музыкальные инструменты, 1912 4. Гитара и бутылка, 1913 5. Бутылка темного рома Да здравствует Франция , 1913 Постепенно Пикассо пришел к кубизму.
По мнению экспертов, Пикассо закрашивал работу с некоторой неохотой, чтобы повторно использовать дорогое полотно в начале своей карьеры, когда он был относительно беден. Работа относится к «Голубому периоду» художника 1901—1904 годов, когда картины были одноцветными и отчасти вдохновлены самоубийством его друга Карлеса Касагемаса, а также путешествиями Пикассо по Испании. В то время, когда Пикассо писал «Одинокую крадущуюся обнаженную» и «Трапезу слепого», он был беден, а материалы для художников были дорогими, поэтому он, вероятно, закрашивал предыдущие работы с неохотой».
Сообщить об опечатке
- Начало кубизма
- Информация о партнерах
- Матисс. Пикассо
- Все материалы
В ведущих музеях мира пройдут выставки к 50-летию со дня смерти Пикассо
Одним из таких открытий стало происхождение зеленого пигмента на картинах Пабло Пикассо. Однако основными направлениями в творчестве Пикассо являются сюрреализм, постимпрессионизм и кубизм, который и выделяет его среди остальных художников. Пабло Пикассо — все самые свежие новости по теме. В краткой заметке можно лишь пунктирно наметить различные аспекты необъятной темы «Пикассо и Россия». диагностический центр, здесь можно только лишь сделать ренгтен челюстно-лицевой области, но не получить лечение. Пуантилизм — это направление, в основе которого лежит мазок и разделение цвета.
Поделиться
- ПИКАССО И РОССИЯ | Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ»
- Пабло Пикассо. История созидания и разрушения. Часть 1 |
- Бизнес-интеллект
- Смотрите также
- Пикассо и окрестности
- В Эрмитаже раскрыли секрет зеленого пигмента на картинах Пикассо |
Уникальная выставка коллажей Пикассо открылась в Лондоне
Пикассо считается революционным художником в различных направлениях, включая живопись и керамике. По мнению экспертов, Пикассо закрашивал работу с некоторой неохотой, чтобы повторно использовать дорогое полотно в начале своей карьеры, когда он был относительно беден. И именно Жаклин после смерти Пикассо взяла на себя ответственность за сохранение наследия художника, благодаря ей музеи пополнили свои коллекции бесценными шедеврами. Покупка портрета музы Пикассо длилась всего четыре минуты, пока три коллекционера по телефону поднимали цену.
Искусство неподражаемого художника Пабло Пикассо
Пабло Пикассо сегодня — Художник пригрозил уничтожить 16 картин в случае смерти Ассанжа в тюрьме. О ранней жизни Пабло Пикассо можно было бы сказать всего одной фразой: он, будучи ребёнком, тщательно мифологизировал своё рождение. читайте последние и свежие новости на сайте РЕН ТВ: Картина Пикассо "Женщина с часами" ушла с молотка за 139. Пикассо стал проблемой на самом деле, он поставил принципиальный вопрос: как возможен Пикассо? Ведущие специалисты музеев Дали и Пикассо выступали экспертами при оценке коллекции.
Пикассо и окрестности. Сборник статей
К картинам «розового» периода относятся такие: «Семейство комедиантов», «Акробаты. Мать и сын», «Семья акробата с обезьяной» и пр. От кубизма к сюрреализму через архаичность и классику В начале 20-го века с развитием фотографии запечатлеть окружающий мир стало все проще. Стало ясно, что для выживания живописи ракурс должен сместиться с демонстрации сходства на что-то другое. Постепенно Пикассо пришел к мысли, что если освободить себя от этой имитации мира, то откроются широчайшие художественные возможности. Первый такой опыт пришел к нему в «африканский» период, когда художник познакомился с древним африканским искусством и увидел, что оно не связано с бытом и не особо привязано к формам и деталям. С «Авиньонских девиц» начался период ярких экспериментов, который завершился открытием кубизма. Вначале это был аналитический кубизм с его анализом форм, а затем синтетический кубизм, когда художник создавал целые арт-объекты из газет, ткани и иных материалов. Но когда зрители перестали улавливать замысел новых картин, Пикассо охладел к кубизму и на несколько лет перешел к классицизму. Портрет Ольги в кресле.
И все же тяга к особой живописи и свободному самовыражению была слишком высокой, так что уже с 1925 года он перешел в еще более смелый сюрреализм. В этот период художник бесконечно расчленял тела на части и рисовал людей в виде монстров особенно женщин. Военный и послевоенный периоды В годы Гражданской войны в Испании в Второй мировой войны Пикассо создавал антифашистские листовки, которые сбрасывались с самолета в военные лагеря. В это время он нарисовал множество полотен, передающих всю боль, отчаяние и страдания изуродованных войной людей. Самым значительным произведением этого времени стала восьмиметровая картина «Герника». Рекордные продажи, цена картин Пикассо Узнаем, сколько стоят картины Пикассо сегодня. Для этого рассмотрим несколько наиболее значительных продаж его работ. В 1932 году художник написал картину «Обнаженная, зеленые листья и бюст», на которой запечатлел свою любовницу Марию-Терезу Вальтер. За несколько лет до этого у Пикассо начался период, когда он погрузился в сюрреализм, часто рисовал монстров и женщин в самых причудливых образах.
Для Пикассо бык — существо символическое: испанец переживает корриду как мистерию, где бык олицетворяет варварство; столкновение быка и матадора становится проблемой цивилизации. Следовательно, Минотавр, соединяющий обе ипостаси оба начала: варварство и культуру становится квинтэссенцией самой истории. Греческий миф о Тесее и Минотавре — Пикассо отождествляет с корридой; и в таком, усложненном, варианте рассуждения Тезей-Матадор выходит на поединок с самой воплощенной историей. Считается во всех каталогах приводится факт и дата , что «Сюитой Воллара» своего рода «житием Минотавра» Пикассо открывает тему. Поскольку «Сюита Воллара» датируется 1933 г. Будь так, это стало бы пророчеством. Правда, образ Минотавра можно отыскать и в более ранних работах: в Центре Помпиду хранится коллаж, наклеенный на холст, 1928 года, изображающий фигуру Минотавра: нарисовано две бегущие ноги, увенчанные головой быка. Образ не развит до стадии героя мифа, но двуприродность налицо. С детских лет, проведенных в Малаге, когда мальчишки прицепляют себе рога во время бега с быками, Пикассо этот образ бегуна с рогами хранит в памяти: первый коллаж — дань воспоминаниям детства.
Поиск побудительных мотивов — область иконографии, причем, любая версия находит подтверждение: сошлись на том, что Минотавр — загадочная фигура. Пикассо себя ощущал наследником латинской культуры, через нее и греческой, ощущал родство со Средиземноморским мифом. Правда, он также чувствовал родство и с христианством, и как могло бы быть иначе у испанского живописца; но разве Возрождение программно не сочетает то и другое начала? Пикассо легко обращался к античности; то, что он вошел в греческий миф — и сопоставил миф с христианством, естественно для мастера Возрождения. Собственно, Пикассо —олицетворяет феномен «ренессанса»: естественным для себя образом, он совмещал несколько культурных пластов. Минотавр появился вследствие того, что Пикассо скрестил греческий миф с современным сюжетом; современным сюжетом — был сюрреализм и Ницшеанство. Всякий исследователь ссылается на эстетику сюрреализма, как причину происхождения образа Минотавра. С 1933 года издается основанный Альбертом Скира журнал «Минотавр», в котором снова объединили свои усилия некогда близкие Андре Бретон и Жорж Батай. Последних принято разводить они и сами размежевались, после известной отповеди Бретона во 2-ом манифесте сюрреализма как классического «сюрреалиста» Бретон и «сюрреалиста-диссидента» Батай.
Оба считаются «левыми», во всем многообразии толкований данного термина; в журнале «Минотавр» Батай и Бретон объединились вновь, и считается, что объединились они ради оппозиции тотальному злу «правых», условному «фашизму» трактованному столь же произвольно, как трактуется термин «левые». Сложность в дефинициях «правый» и «левый» в отношениях этих людей возникает постоянно и неизбежно вызывает путаницу. Экспериментальное многими это воспринималось как эксперимент нарушение приличий буржуа, экспериментальная безнравственность, эпатирующая «аморальность» - быстро перерастала художественный жест и превращалась в обычную бытовую аморальность. Круг сюрреалистов широк и пестр, энтузиазм столь велик, что Андре Масон, живший через стенку с Миро, проделывает в стене дыру, чтобы обмен мнениями был непрерывен. Возбуждение вызвано тем, что сюрреализм придумал, как обыграть бездушный внешний мир: разрушить его безнравственность изнутри — не революцией, но абсурдом. Поле деятельности — безгранично: спонтанное творчество не предусматривает рамок, и прежде всего рамок морали. Жан Жене общий друг и конфидент Батая действительно был вором, сколь бы художественно этот жест ни был трактован. Увлечение садизмом образ маркиза де Сада рассматривался как символ эстетического протеста, а практика садизма становилась своего рода пропуском в большой стиль бунтарства вело к поэтизации насилия; то что Жан Жене увлекся нацизмом, скорее, естественно. Отличить в деятельности Жан Жене — «правое» и «левое», а политический эпатаж от бытового безобразия невозможно и не нужно.
Бытовое воровство и сексуальное насилие — это «левое», а сочувствие маршам «нацистов» - это правое, согласно негласно принятой эстетике «сопротивления догмам , но различие слишком тонко, чтобы наблюдатель мог безошибочно им руководствоваться. Жорж Батай считается «левым» мыслителем, как и его друг Жан Жене; разница в их взглядах бесспорно существует например, Жене гомосексуалист, а Батай, кажется, нет , но поле эксперимента столь широко если учесть привлечение Ницше и Фрейда, ревизию католичества и оппозицию морали — то поле эксперимента безмерно , что затруднительно точно идентифицировать их взгляды. Батай, ставя опыты над моралью, столь увлечен, и его страсть к Ницше моральному экспериментатору столь сильна, что в сознании сюрреалиста происходит отождествление личности Ницше, с личностью самого Батая; последний серьезно полагает себя реинкарнацией Ницше. Эмблема журнала, изображала витрувианского человека Леонардо, лишенного головы, - с пламенеющим сердцем в одной руке и - символ этот обозначает конец гуманизма Ренессанса замысел Батая, исполнил эмблему вдохновленный идеей Андре Масон. Тайное общество «Ацефал» собиралось несколько раз ночью в лесу у обгорелого дуба, отмечало день казни Людовика XVI и клялось не подавать руки антисемитам. Целью встреч были медитации то есть, произвольное выражение эмоций по поводу сочинений Ницше, де Сада и Фрейда. Ритуал, в романтической своей части напоминающий прелестные фантазии Тома Сойера и Гекльберри Финна обгорелый дуб, полночь, клятвы, безголовые призраки, , в целом отражает сумбурность программы; однако, праздничная часть медитации по поводу садизма была усилена теоретической: в журнале «Ацефал» публиковали незаконченный текст Ницше о Гераклите и раннюю статью Ясперса о Ницше. Сам Карл Ясперс в годы, когда выходил «Ацефал» находился в изоляции, лишенный преподавания нацистами, позднее переехал в Базель. В 1946 году Ясперс написал развернутую работу «Ницше и христианство», доказывая, что Ницше оппонировал не столько христианству, сколько церкви.
Согласно Ясперсу, декларативный отказ Ницше от христианской морали был вызван тем, что «быть христианами сегодня не позволяет нам само наше благочестие — оно стало и строже, и капризнее». Ясперс утверждает, что Ницше «хочет сделать из морали нечто большее, чем мораль». Ясперс подводит итог: «опыт собственной жизни Ницше — противостояние христианству из христианских побуждений». То есть Ницше, по Ясперсу, восстает против христианской цивилизации ошибки которой очевидны и церкви доктринерство которой губительно , но не против Иисуса. Иисуса Ницше считает «идиотом», но в достоевско-привлекательном понимании, a la князь Мышкин; вот начиная с апостолов пошло извращение. Согласно Ясперсу, «мышление Ницше определяется христианскими импульсами, содержание которых утрачено». Вне зависимости от того, насколько адекватен анализ противоречий Ницше, сделанный Ясперсом, для характеристики деятельности сюрреалистов существенно то, что сюрреалисты с этим текстом не были знакомы вообще. Ясперса, разумеется, никто из них не читал. Жорж Батай считал себя единственным человеком, в котором мысль Ницше воплотилась, он отождествлял себя с Ницше буквально.
Высшая задача «подготовить человечество к Великому Полудню. Почему Переоценка Всех Ценностей должна начаться именно с бытового разврата, а, например, не с помощи голодающим, Батай не сообщает — но интеллектуальные муки мыслителя несомненны. Как и всегда в авангардных текстах, пышность высказывания заменяет содержание: «первым достиг бездны и погиб в победе над ней» - бездной, судя по всему является ограниченность человеческой природы, а «гибель в победе» - это отрицание мелкой морали, но и невозможность жить вне убогого человечества. Обывателю, листающему культурный журнал, кажется, что ум не в состоянии объять информацию; читая заголовок: «Ницше о Гераклите» статья первого номера журнала «Ацефал» , испытываешь головокружение от дерзновенных горизонтов. На деле, текст Ницше недлинный и несложный; всегда лучше знать, что именно авторы новой общественной концепции считают образцом. Текст о Гераклите не закончен; находится в связи с обычным для Ницше дионисийским антихристианским дискурсом; особенность данного текста в том, что Ницше приписывает Гераклиту произвольно сознательное смешение добра и зла. Ницше утверждает, что Гераклит думает так: «…есть в действительности пробный камень для всякого последователя Гераклита; тут он должен показать, правильно ли он понимает своего учителя? Существуют ли в этом мире виновность, несправедливость, противоречие, страдание? Да, восклицает Гераклит, но только для человека ограниченного, который не берет мир в его целом, а рассматривает каждое явление в отдельности; но для мыслящего бога нет: для него всякое противоборство является гармонией, невидимой для обыкновенного человеческого глаза, но ясной для того, кто, как Гераклит, подобен созерцающему богу.
Перед его огненным взором исчезает последняя капля несправедливости, приписываемой окружающему миру; даже главное затруднение, заключающееся в вопросе, как чистый огонь может переходить в столь нечистые формы, он устраняет возвышенным уподоблением. Появление и исчезновение, созидание и разрушение суть не более как игра, которой в полной невинности и не подвергаясь нравственной ответственности предается художник и дитя. И, подобно тому, как забавляются художник и дитя, забавляется и вечно живой огонь, невинно созидая и разрушая мир, и такая игра продолжается в течение неизмеримого времени — вечности. Переходя то в воду, то в землю, громоздит он на море песчаные кучи, громоздит и разрушает. Представить «созидание и разрушение» как равные компоненты «игры в песок на берегу моря», где «очистительный огонь» сжигает «последние капли несправедливости» - первая потребность шкодливого ума сюрреалиста. Добра и зла нет; все равнозначно; лишь «для человека ограниченного, который не берет мир в его целостности» дефиниции добра и зла существуют, - в числе многих других, так рассуждал и Гиммлер, обосновывая свое мнение касательно еврейского вопроса; данный отрывок Ницше — в условиях фашизма — есть ни что иное как гимн релятивизму. Собственно, первый манифест сюрреализма Андре Бретона и есть манифест релятивизма: «Чистый психический автоматизм, имеющий целью выразить, или устно, или письменно, или другим способом, реальное функционирование мысли. Диктовка мысли вне всякого контроля со стороны разума, вне каких бы то ни было эстетических или нравственных соображений... Бретон нигде и никогда не уточнял, как представляет «мысль» «вне нравственных соображений», еще больший интерес представляет «мысль» «вне всякого контроля со стороны разума» - но, возможно, последний пассаж лишь следствие эмоциональности художника, который запутался в словах.
Сознавали ли сюрреалисты свое тождество не только с Ницше, но и с Гиммлером, вопрос риторический; ответа не существует. Представить, будто Пикассо — автора панно «Война и Мир», автор «Герники», автора «Старого еврея и мальчика», автор «Резни в Корее», автор «Кошки с птицей» мог бы плениться такой игрой мысли — невозможно, это противоречит творчеству Пикассо, человеку твердых моральных убеждений. Скорее всего, у сюрреалистов имеются «левые» взгляды — раз авторы эпатируют общественность, ту общественность, что идет на поводу у партийцев-популистов, а эпатировать лавочников в Париже считается занятием скорее «левым», нежели «правым». Сказать в точности, какова цель мыслительного дискурса, за какой именно порядок общества выступают эти авторы эпатажа - невозможно. В сущности, социальная философия нацизма состоит ровно в том же самом — в уничтожении привычной обывательской морали и в учреждении новой морали «нового порядка» в общественной организации вместо прежней лицемерной и вялой христианской доктрины. Имморальное будоражит воображение, но если признать эстетику маркиза де Сада и Жана Жене, то как обосновать неприятие Гитлера и Сталина? И Сад, и Жене, и Жуандо, и героизированная аморальность эстетов - чем отличается от аморальности Гиммлера и Гитлера? В душном воздухе века стоит хор голосов, наглых и агрессивных, и все требуют крови: одни по причине расовой ненависти, другие из классовых соображений, особенно изысканные желают таким образом отделяться от толпы, но все они — жаждут славы. Даже, если сюрреалисты итогом своей деятельности видят несколько иную конструкцию, и их финальная модель «Великого Полудня» чем-то отличается от идеалов Третьего Рейха нигде это явно не прописано, и как будет устроен Великий Полдень неизвестно , то роднит их с программой нацизма план замены лицемерной морали на мораль нового типа.
И во многом этот план равно и индульгенция, выданная Ясперсом Ницше соблазнительна: есть одна неприятность - досадная пауза, наступающая, когда прежняя мораль уже снесена, а новая еще не построена. Сюрреалисты живут как бы на том пустыре, образовавшемся от устраненной морали, но не спешат с возведением нового здания взаимных обязательств. Будет ли Великий Полдень тем упоительным раздольем, когда Жене ворует, Батай совокупляется, а Фриц Беллмер втыкает куклам во влагалище булавки; впрочем, на то и сюрреализм, чтобы не предугадывать результата. Радикальная риторика потрясала кафе. Это не было нарочитым издевательством над солидарностью трудящихся, просто левые интеллектуалы не связывали, в отличие от Маркса, коммунистические принципы с классической эстетикой, еще менее — с моральной догмой. Текучесть принципов и эфемерность морали — это кажется радикальным в эпоху казарм. Пикассо, выполнивший обложки к журналу «Минотавр», знаком и с Бретоном, и с Батаем с Батаем познакомила журналистка Дора Маар, возлюбленная и модель , принимал участие в застольях; в отсветах фейерверков мысли Пикассо выглядит соучастником карнавального движения. Будь он единомышленником, Минотавр стал бы портретом «сюрреализма»; собственно говоря, Батай и Бретон именно так и считали. Можно решить, что Пикассо, вслед за Батаем, нарисовал пугающую обывателя сущность бытия, лишенную нравственности и рассудка.
В облике Минотавра присутствуют и похоть, и напор; зная за Пикассо потребность ошеломить зрителя, легко поверить в такую версию. Именно так понял пикассовского Минотавра сюрреалист очарованный экстравагантностью аккуратного Батая Андре Масон. В небольшом альбоме, посвященном республиканской Испании работало семь художников, половина из них испанцы , Масон публикует несколько офортов, на одном из которых появляется пикассовский Минотавр на поле боя, заваленном трупами. Трупы нарисованы условно, на поле битвы Масон не бывал; а у Минотавра-генерала на груди висит распятие на грубой веревке — на кресте изображение распятого Минотавра. Такое переворачивание сакральных символов убийца-Минотавр верит в христианство, но сам его Бог тоже Минотавр возможно связано с тем, что республиканцев в Испании атакуют среди прочих марроканцы, благославленные католической церковью. Возможно, это связано с тем, что мыслитель Батай рассказал своему верному художнику, что анти-христианин Ницше подписывал свои письма «Распятый»; возможно причиной является сумятица в сознании сюрреалиста — впрочем, адекватная сумятице времени. Сколь бы ни привлекательно числить Минотавра Пикассо — сюрреалистическим порождением, существует трактовка поверх этой: Минотавр — не воплощенный сюрреализм, но невольный соучастник процесса, вовлеченный в чужую драму. Причем в этой драме Минотавр скорее страдательная сторона. В картине 1936 года, периода Гражданской войны в Испании, Минотавр появляется в костюме арлекина — любимейшего персонажа Пикассо, его alter ego.
Арлекин для Пикассо — это образ мужчины, способного защитить, опоры семьи. Минотавр-арлекин — это образ существа, разрушающего свое предназначение, подчинившись животной природе. Минотавр на этой картине наделен классическими чертами греческой статуи, так Пикассо обычно рисует портреты комедиантов то есть, своей семьи. Изображен пустырь сожженного войной города, на заднем плане - остов дома, из парижских картин 10х годов. По пустырю движется группа не то комедиантов, не то участников законченной корриды; в данном случае Пикассо объединяет ода действия. Останки Минотавра в костюме Арлекина» многое объясняет. Изображен не «мертвый Минотавр», как трактует английский или русский перевод, но именно «останки», остатки - то есть, то, что осталось от позы и бравады сюрреализма, когда началась настоящая война. Жалкое тело в трико с ромбами никак не ассоциируется с Минотавром, коего мы привыкли видеть в напористой ипостаси. Однако это именно Минотавр, поверженный и уничтоженный империей, оказалось, что он нежен и раним.
Это не сюрреалистический ребус, a la Магритт, картина не представляет загадки и не зашифрована; просто Пикассо рисует своих героев, давно ставших для него живыми, их судьбы сплетаются необычно. Представление комедиантов, представление корриды, представление сюрреализма то есть, искусство завершились реальностью — всех игроков объединила война и реальная смерть. Оказалось, что в представлении корриды роль Лошади то есть, мифологического «народа» играл герой Тезей, он подставлял свои бока под рога Быка, который тоже был не подлинным, это был Минотавр, а на самом деле — арлекин с головой Минотавра. Минотавр ни в коем случае не Бык Пикассо порой сознательно проводит эту подмету, зная, что вводит в заблуждение : Бык — хтоническая сила, Минотавр — член семьи комедиантов, заигравшихся на пепелище. Жуткий орел империи, стервятник: это он реальный победитель. Картине «Конец спектакля» предшествуют еще две. Минотавр, выносящий умирающую лошадь из пещеры, не похож на чудовище — это благородный герой; вслед за ним тянутся руки, вероятно руки Ариадны, если Лошадь - это Тезей. Вторая вещь: Минотавр везет тележку с убитой на корриде лошадью; на ту же тележку свалена лестница Иакова и картина, изображающая радугу — так Минотавру досталось везти на свалку остатки христианства. В таком образе Минотавра — уже ничего не остается от пафоса сюрреалистического журнала, Ницше, Батая и игры в безнравственность: Минотавр это одна из ипостасей Арлекина, он тоже защитник, правда защитник, потерпевший поражение.
Пикассо показывает, как из природной, варварской силы с неоформленным различием добра и зла неуклонно прорастает потребность защищать, неизбывная потребность арлекина — неведомая сюрреализму страсть. Сюрреализм боролся со злом мира иначе — преумножал зло, полагая, что так доведет его до абсурда. Когда в безнравственном мире изобретается безнравственная концепция ради эпатажа всего дурного — то количество безнравственного в мире удваивается. В свое время Жан Жене, попав в нацистскую Германию, поймал себя на том, что не может среди нацистов воровать. Жене был вором и по призванию, и по убеждению, ему нравилось воровать; но вдруг почувствовал, что среди насильников — применять насилие в качестве противоядия против окружающего — безвкусно. И не заметит никто, и нет катарсиса. Впрочем, чуть позже, Жене нашел компромисс и сумел восхититься нацизмом; но определенные трудности в том, чтобы совместить эпатаж и восхищение насилием все же имеются. Трудно быть садистом среди садистов; вероятно, в знак полнейшего цинизма надо вести себя милосердно, дабы отличаться от прочих, но на этот шаг отважится сюрреалисту непросто. Минотавр, как и сам Пикассо, играл в сюрреализм, он же и показывает беспомощность пребывания сюрреализма в безнравственном мире.
Перед нами анализ той циничной философии, которая претендовала на циничный анализ циничной современности. И циничность третьей степени неожиданно оказывается хрупкой, беззащитной и даже способной на слезы. Когда огромный Минотавр ослеп и уже дает руку крохотной девочке см офорт Пикассо , просит ее стать поводырем, мы переживаем тот катарсис, которого в сюрреализме не может содержаться по условиям задачи. Слепой Минотавр и хрупкая девочка, его поводырь — эта картина Пикассо несомненно вызвана фантазиями коллеги Пикассо по сюрреалистическому цеху — художником Беллмером. C 1933 года когда Пикассо уже отошел в сторону от проекта журнал «Минотавр» иллюстрирует немецкий художник Ханс Беллмер. Считается что замысел Беллмера «Куклы» детские куклы художник превращал в объект садистских экспериментов, разрывал половые органы, отрывал игрушкам конечности, и тп противостоит арийской пропаганде здоровья. По сути произведения Беллмера являются наиболее аутентичной иллюстрацией того, что происходило в лагерях уничтожения; по пафосу вполне солидаризируется с эстетикой Треблинки. Можно утверждать, что в Треблинке палачи такое делали с людьми нарочно, а то, что делает Беллмер, делается как бы для того, чтобы осудить такое унижение и муки. Но скорее, Беллмер дает выход тому же садистскому инстинкту, что руководит палачами; по счастливой случайности, его жертвами становятся только куклы.
Для эксперимента творца выбран символ девочки, детское тело - объект «табуированного» желания, переступить через табу — не просто потребность, это задача сюрреалиста. Художника-сюрреалиста волнует детская садистическая порнография: это дерзновенное свободолюбие. Само собой разумеется, что к Пикассо такого рода эстетика отношения не имеет — творчество Пикассо не существует вне традиций, не существует вне моральных «табу». Беллмер иллюстрировал книги Батая, маркиза де Сада, Лотреамона - набор авторов формировал хладнокровие в отношении к боли другого. Но Пикассо всегда рисует боль другого, в сюрреалисты не годится. Поскольку сюрреализм не знает чувства любви, привязанности, гуманности, человечности, дружбы, и, вслед за Ницше, полагает гуманные чувства - данью человеческой слабости, в то время как аморальность считает проявлением искренности и силы — странно представить, что Пикассо мог принять участие в долгом празднике аморальности. Прозвучит неожиданно, и тем не менее, важно это произнести: Пикассо — исключительно нравственный человек; ему претит даже шутливая, провокативная безнравственность. Звучит это тем более странно, что стараниями журналистов и женщин, оставивших мемуары, художник предстает развратным; его именуют «фавном». Пикассо любил женщин, но вовсе не любил порок; по сравнению с моральной нечистоплотностью сюрреалистов, возведенной в художественный принцип, Пикассо производит впечатление патриархального ханжи.
Провокации интеллектуальные и социальные, кощунство как бунтарство, игра с пороком, разврат, возведенный в степень умственного эксперимента, садизм как эстетическая категория — все чем развлекал свой ум Жорж Батай гражданин в аккуратно выглаженном костюме и то, чем живет французская интеллектуальная левая мысль той эпохи и всегда — именно это нарисовано Пикассо в образе человеко-быка. Скорее всего, это то, что Пикассо ощущал в себе самом: возможность стать животным, поддаться дурному — и что он изгонял работой и прямым нравственным позвоночником. Можно было бы счесть Минотавра — портретом Батая это значило бы предположить в философе могучую природную силу или портретом порока. Но и это неточно. Поразительно, что один и те же немецкие философы вдохновляют и фашистов нацистов и антифашистов. Можно назвать это существо «духом времени», коль скоро всеми ими правит тяга к насилию. Версия, будто пикассовский Минотавр, созданный в 1933 г, является реакцией на пришедшего к власти Гитлера, не выдерживает критики хотя бы потому, что в 1933 году Германию еще не боятся, у нее учатся: Сартр и Раймон Арон отправляются в Германию на год — учиться у немцев, как строить рассуждение. На обоих философов тогда сравнительно молодых людей оказывает влияние «феноменология», Сартр и Арон начинают придавать феноменологическое значение буквально всему. Скорее всего, и Пикассо воспринимает эти уроки феноменологии — он склонен к тому, чтобы, найдя образ, утвердить его автономное бытие.
Когда Пикассо придумал Минотавра Минотавр уже существовал, Пикассо как бы разбудил его , явилось существо из того до-морального мира, который славил сюрреализм. Пикассо работая параллельно с сюрреалистами, оживил их символ, вывел хтоническое существо на арену истории. Пикассо показал, как Минотавр страдает, слепнет, любит и умирает — испытывает чувства, не предусмотренные бесчувственным сценарием сюрреализма. Минотавр — сама история, он может быть любым. Но сказав так, и вспомнив, какая именно история современна испанцу Пикассо — можно, наконец, сформулировать точно: Минотавр — это арлекин Гражданской войны. Это и Лорка, и Бунюэль, и сам Пикассо — все те, кто собирались быть мужчинами, занимаясь искусством, и защищать другого. Минотавр — это непригодившееся искусство. Все, что делал Пикассо, причем во все периоды свой жизни, об этом говорил в каждой картине, в любом возрасте — это писал о любви и про любовь: непопулярная тема. В ХХ веке он единственный не считая Шагала художник, возразивший фашизму по существу вопроса.
Не уничтожить прежнюю мораль, чтобы на пепелище построить новое — но защитить пустырь, пепел, обломки — потому что даже прикосновение к любимой руке, даже взгляд любимых глаз стоят победительной теории, «бездн» и «башен». Пикассо противопоставил насилию и истреблению морали — любовь как единственную форму сопротивления небытию. К тому времени пришла пора найти слова, чтобы говорить о фашизме. Но слов у сюрреалистов не было. Трудно объяснить, почему дурно мучать детей в Треблинке, если изображать куклы с оторванными руками: энергия процесса схвачена, а моральный урок — неясен. Существо распадается на части и борется само с собой: народ терзает сам себя. Джордж Оруэлл, англичанин, сражавшийся в интербригадах, упрекнул Дали в равнодушии к бедам его собственного отечества. Но для Сальвадора Дали бесчувствие было условием создания образа. Сюрреализм страсти не предполагает; хотя Дали часто заимствовал образы из картин Гойи, художника страстного.
Чудовищная инсталляция, как назвали бы такое сооружение сегодня, даже напоминает человеческую фигуру; фактически именно этот сюжет Дали и воспроизвел. В 1920-е годы провокатор, дадаист Пикабиа издавал в Париже журнал «Каннибал», а в тридцатые людоедство стало культурным событием.
От болезней умерла возлюбленная художника Ева Гуэль, соратник и конкурент Жорж Брак получил ранение и на несколько лет оставил живопись. Потрясённый Пикассо отправился в Рим, подальше от тяжёлых впечатлений. Здесь, благодаря работе над декорациями к балету своего друга Жана Кокто, художник обрёл новый источник вдохновения.
В эту поездку Пикассо влюбился в балерину Ольгу Хохлову. Вскоре пара поженилась и переехала в фешенебельную квартиру в Париже. Карьера и слава художника были на пике. Он купался в роскоши и внимании. Пикассо в 1920-х: оглушительный успех продолжается Образ жизни Пикассо на время изменился: он примерил на себя роль добропорядочного семьянина и отошёл от богемной жизни.
Вдохновленный рождением сына, Пикассо создал много работ о материнстве и семейной жизни. Художник писал античные образы и, как и многие современники, после войны увлёкся неоклассическим стилем. Но спокойный период продлился всего несколько лет. Уже в 1925 Пикассо увлёкся новым течением — сюрреализмом. Это помогло ему сбежать от домашних проблем, отношения с женой портились.
Пикассо сначала тайно, а затем и открыто встречается с новой любовью — французской натурщицей Марией-Терезой Вальтер. Она стала частой музой его сюрреалистических произведений. Популярность Пикассо продолжала расти благодаря новым выставкам.
Самым удивительным в работе является изображение лица спящей — девушка нарисована в фас, однако, тёмная неровная линия около носа образует профиль. Такая нетривиальная иллюзия, соединяющая в себе два несочетаемых ракурса, не только станет одним из излюбленных приёмов мастера, но и положит начало целому направлению в портретной живописи. Работа «дышит» умиротворением и расслабленностью. Непринуждённая поза девушки демонстрирует полное блаженство — голова склонилась на плечо, губы мечтательно поджаты, оголилась грудь, руки сомкнуты на животе. Фигура девушки прописана плавными линиями, отдавая дань аппетитным формам натурщицы, которой так восхищался любвеобильный Пабло Пикассо. К слову сказать, история любви великого испанца и скандинавской валькирии закончилась весьма прозаично — когда девушка потребовала узаконить отношения, родив ему дочь, этому категорически воспротивилась законная русская жена Ольга.
Не став выяснять отношений, Пикассо поступил очень оригинально, оставив разом двух женщин. Картина же осталась лирическим напоминанием о былых чувствах. Не так давно полотну потребовались реставрационные работы — бывший владелец случайно проткнул её локтем. Сейчас она обрела первозданный вид и нового владельца, который купил шедевр за 155 млн. Музей Пикассо, Барселона, Испания Люди поверхностно знакомые с творчеством Пабло Пикассо очень удивятся, увидев данное произведение — где же изломанные линии, геометрические формы, сложная конструкция, характерная цветовая палитра?
Карьера Пикассо
На протяжении почти целого века он видел, как преображается мир вокруг него. Пикассо и сам смог повлиять на течение истории, и одновременно менялся вместе с миром. Вместе с французом Жоржем Браком испанец Пабло Пикассо стал создателем нового направления в искусстве — «Кубизма». Как говорил Жорж Брак они «действовали как два альпиниста в одной связке».
Скрытая картина Пикассо с обнаженной сидящей на корточках женщины на фото. По мнению экспертов, Пикассо закрашивал работу с некоторой неохотой, чтобы повторно использовать дорогое полотно в начале своей карьеры, когда он был относительно беден. Работа относится к «Голубому периоду» художника 1901—1904 годов, когда картины были одноцветными и отчасти вдохновлены самоубийством его друга Карлеса Касагемаса, а также путешествиями Пикассо по Испании.
Многие друзья-художники ушли на фронт, его не взяли.
Потеряв человека, которого любил, как, наверное, еще никого в жизни, Пикассо пребывал в отчаянии. Но, как всегда в его долгой истории, за спадом последовал новый подъем. Жан Кокто свел художника с Сергеем Дягилевым, руководителем «Русского балета». Пикассо поручили оформить спектакль «Парад». Во время работы Пикассо увлекся балериной Ольгой Хохловой. Услышав от Дягилева веское: «С русскими женщинами не развлекаются, на них женятся», Пикассо, недолго думая, повел ее под венец по православному обряду в парижском соборе Александра Невского. Женившись на русской аристократке, он попал в великосветские круги: званые обеды, приемы у герцогинь и тому подобное.
Но все это быстро приелось. Художник томился пышной праздностью, а старых его богемных друзей Ольга и на порог не пускала. Поначалу Пикассо подыгрывал любимой, начав по ее просьбе даже рисовать в более реалистичной манере, — удивительный шаг для столь гордого человека. Пабло Пикассо и Ольга Хохлова в театральной мастерской в Лондоне осенью 1919 года У них родился сын Пауло, и это был апогей семейной жизни Пикассо. Он оформлял дягилевские балеты и писал жизнерадостные, светлые полотна. Этот период назвали неоклассицизмом. Личное счастье художника совпало с настроением в обществе: Европе хотелось пожить спокойно после мировой войны.
Замечательные вещи Но Пикассо не мог существовать без драмы, и она не замедлила явиться: и в отношениях с Хохловой, и на полотнах, куда вернулись тревожные и брутальные мотивы, искаженные формы, фантасмагории и сцены из снов. Андре Бретон и прочие сюрреалисты приветствовали этот новый период Пикассо. В те годы Макс Жакоб писал о Пикассо как о «хаосе, бездне». А Стайн говорила, что этот художник не может творить, не опустошая себя различными потрясениями. Буря стихает благодаря новой музе, на этот раз — 17-летней Марии-Терезе Вальтер. Увидев на улице красивую девушку, Пабло подошел и сказал: «Я Пикассо, давайте вместе делать замечательные вещи». Его имя девушке ничего не говорило, она интересовалась спортом, но дело решил тот самый огонь в глазах.
Пикассо было 46 лет. Сегодня это одни из самых дорогих полотен живописца, их цена — от 100 до 150 миллионов долларов. В «период Вальтер» Пикассо взялся за скульптуру, в том числе из железа. Начал писать стихи, вполне сюрреалистические и оцененные мастерами Бретоном и Полем Элюаром. Враг диктатора Пабло ушел от Хохловой, но разводиться не спешил: по брачному контракту в случае развода Ольге полагалась половина его имущества, а к тому времени Пикассо был уже настоящим богачом. Они так и останутся официально мужем и женой до смерти Ольги в 1955 году. Говорят, она продолжала любить его, засыпая письмами с упреками и мольбами.
Он на них никогда не отвечал. Обычно романы Пикассо длились около семи лет. В середине 1930-х Вальтер на посту спутницы гения сменила Дора Маар, талантливая и нервическая фотохудожница из круга сюрреалистов. Маар принадлежала идея запечатлеть в фотографиях процесс работы над «Герникой» 1937 , одним из известнейших полотен Пикассо, написанным после бомбардировки немецкими и итальянскими самолетами маленького городка, исторического центра Страны Басков. Спустя 14 лет Пикассо создал еще одно мощное антивоенное произведение — «Резня в Корее» 1951 , осуждающее вторжение американских войск в эту страну. Пикассо написал и проиллюстрировал поэму «Мечты и ложь Франко» 1937 , в которой представлял испанского диктатора мерзким слизняком. Произведение было издано в виде открыток, все деньги от продажи которых пошли в фонд республиканского правительства.
Франко художник называл своим личным врагом. Новая радость Во время Второй мировой Пикассо оставался в Париже. Большинство его знакомых художников либо эмигрировали он сам дал Дали денег на дорогу , либо вынужденно сотрудничали с нацистами. Пикассо не делал ни того, ни другого, и его антифашистские взгляды были всем известны. Он рисковал, так как ему было необходимо находиться внутри событий. На безопасном расстоянии не было того трагического напряжения, которого художник всегда жаждал. В оккупации Пикассо писал мрачные картины, отражающие безумие человечества, способного на самые низкие преступления.
Место Маар, получившей нервный срыв, в середине 1940-х заняла молодая красавица художница Франсуаза Жило. Над Маар Пабло мог издеваться, а перед Жило благоговел, видя в ней сильную, независимую личность.
Живопись Пикассо элитарная культура. Элитарная культура картины Пикассо. Матисс портрет Лидии Делекторской. Фернан Леже. Анри Леже. Фернан Леже стиль живописи.
Лучший друг рисунок в графике. Три друга Графика. Наброски друг с друга в Москве. Мужчина в пиджаке рисунок гелевой ручкой. Картины модернистов серебряного века. Искусство 20 век модернизм. Модернисты модернисты 20 века. Искусство 20 века картины модернизм.
Доррит Блэк. Модернизм в живописи. Модернизм в изобразительном искусстве. Художники модернисты. Живопись начало 20 века кубизм. Кубизм в искусстве 20 века кратко. Пабло Пикассо синтетический кубизм. Пикассо портреты кубизм.
Кубизм в живописи характерные черты. Пикассо достижения. Эпохи в живописи особенности кубизма. Крупнейшие кубистические произведения. Пикассо позднего периода кубизма. Пикассо Эволюция стиля. Кубисты Пабло Пикассо. Пабло Пикассо кубизм.
Кубизм в живописи Пабло Пикассо. Цветовая палитра Пабло Пикассо. Картины Пикассо в хронологическом порядке. Пикассо интересные факты. Пабло Пикассо портрет Амбруаза Воллара. Пикассо Пабло портрет Амбруаза Воллара, 1910. Пикассо кубизм портрет Воллара. Хуан Грис портрет Амбруаза Воллара.
Кубизмапикасса представители. Черты кубизма в живописи. Кандинский Лучизм. Художники абстракционисты Пикассо. Абстракция живопись кубизм. Кубизм 20 века - 21 искусство. Женщина с веером Пикассо. Пабло Пикассо три женщины.
Пабло Пикассо женщина с веером 1909. Пабло Пикассо три женщины 1908. Арлекин Пикассо кубизм. Матисс кубизм. Стиль кубизм Пикассо. Пабло Пикассо кубизм пейзажи. Пикассо картины самые известные. Пикассо первые картины.
Пикассо 461. Художники похожие на Пикассо. Пикассо Ленин. Пикассо 1959. Пикассо Валлорис. Санта Пабло Пикассо 1959. Периоды искусства Пикассо. Творческий путь Пабло Пикассо.
Пабло Пикассо творческие периоды. Пикассо «женщина с веером» 1908. Пикассо женщина с цветком. Место и роль картины в искусстве 20 века.