Премьеру моноспектакля «Голос» по одноименному научно-фантастическому рассказу Севера Гансовского представил в Доме актера заслуженный артист России Эдуард Аблавацкий. Монофест и «тайные комнаты»: как прошел 10-й фестиваль моноспектаклей. Театральный символизм в моноспектакль играет особую роль. для директора важно подчеркнуть подтекст в драме, не согласны, чтобы заставить зрителя «додумать» себе. этот персонаж может быть как элемент декорации. Королевский драматический театр Стокгольма Dramaten представил моноспектакль "Суфлер" в рамках XII Театрального фестиваля "Сезон Станиславского".
Фестиваль моноспектаклей «ЧАТ» | прием заявок
Оксана ХРАМОВА, корреспондент: «Моноспектакли в Новокузнецкой драме не играли как минимум 3 десятка лет, это своего рода эксперимент, как и площадка, на которой рождается эскиз, камерное пространство призвано открыть Гоголя зрителю с неожиданной стороны». Моноспектакль (Театр одного актёра) — это спектакль-монолог с единственным исполнителем. Счастье из осколков: Новый поэтический моноспектакль Анны Макагон. В результате получился интересный спектакль, где задействовано восемь актёров, что и доказывает, что литературная основа, отнюдь не монопьеса, которая при постановке должна превратиться в моноспектакль. Сейчас моноспектакль разделился на несколько жанров: адаптация произведения, созданного для нескольких исполнителей, под одного актера; постановка монодрамы – драматического произведения, рассчитанного на одного актера. Смотрите Что такое моноспектакль?. Длительность видео: 4 мин и 6 сек. Что такое моноспектакль кратко | Образовательные документы для учителей, воспитателей, учеников и родителей.
Сергей Гармаш четыре года вынашивал моноспектакль по повести Достоевского "Кроткая"
это искренний монолог со зрителем, где актер выкладывается и обнажает самое сокровенное перед затаившими дыхание зрителями. Наши зрители с любовью относятся к моноспектаклям, с аншлагом проходящим на малой сцене имени Галины Умпелевой. это высказывание на тему, своего рода творческая декларация. Что такое моноспектакль кратко | Образовательные документы для учителей, воспитателей, учеников и родителей.
Правила комментирования
- Татьяна Морозова: «Моноспектакли – самый сложный и страшный жанр для актера»
- Жизнь - это моноспектакль | АиФ Санкт-Петербург
- Содержание
- «Подготовка концертного номера, как создание моноспектакля» . | Образовательная социальная сеть
- Гришковец и звезды европейских театров: пять моноспектаклей фестиваля Solo - ТАСС
Знаменитые исполнители
- Что такое моноспектакль?
- Актер Антон Мозгалев: Монодрама — это игра на выживание
- Актер Антон Мозгалев: Монодрама — это игра на выживание
- Моноспектакль
- Из Википедии — свободной энциклопедии
«Подготовка концертного номера, как создание моноспектакля» .
Тем более что сейчас ситуация в мире непростая, и вы видите, что в афише нынешнего "ЧАТа" всего одна комедия. Возникает потребность вести какой-то серьёзный, глубокий диалог и уходить не в развлекательный жанр, не в мажорную интонацию, а вести глубинный разговор. Даже на примере нашего театра мы видим, что зритель идёт на все жанры и заполняемость у нас равная - что на комедиях и мюзиклах, что на очень серьёзных спектаклях. И эта потребность зрителей просто очень чувствуется. Не устал ли зритель от современной драматургии? За прошедший год в Омске, например, фактически закрылся ЦСД. Может быть, современная драматургия стала не такой модной? Я, как завлит, замечаю: стало появляться меньше интересных современных пьес. Но не случается такого, что пьеса "пожаром" идёт по стране, как было, например, с "Горкой" Алексея Житковского, которую поставили везде - от Театра на Таганке до Сахалинского театрального центра. Почему-то в последнее время таких явных лидеров в драматургии нет.
Все великие литературные и драматические произведения созвучны и современны: Достоевский, Щекспир, Гоголь, Кафка.
В этом и есть «фишка» всей великой классики. Есть вещи, которые проецируются на сегодняшний день со стопроцентным попаданием. Смысл остаётся на века. Каждый моноспектакль - это высказывание на тему, своего рода творческая декларация. В моноспектакле я не просто говорю слова и изображаю кого-то и перевоплощаюсь в разных персонажей в Салтыкове-Щедрине их целый парад - за этим смысл и содержательность, созвучная нашему времени. Не могу сказать, какие при этом срабатывают механизмы, отследить невозможно. В театре самое главное - эмоциональный, энергетический выплеск, подкреплённый содержанием. А по-другому на голые страсти смотреть неловко. В работе над моноспектаклями вдохновляет потребность высказывания, потребность донести смысл, заложенный автором, до зрителя, и это часто удаётся. Радостно, когда зритель выходит из зала с немного иными мыслями в голове.
Если же спектакль ничего не изменил в мыслях, чувствах человека - это ненормально, такое приемлемо лишь для бульварного театра. Воздействие на зрителя, которое передаётся энергетикой, эмоционально-чувственной составляющей должно быть вкупе со смыслом и содержательным наполнением, что редко бывает, но если уж получается, то действительно имеет хороший результат. Я нашёл свою нишу, определился с судьбой, от которой не уйдёшь. У театра есть какое-то наркотическое свойство, связавшись с ним, уже не бросишь. Это болезнь, нормальные люди сюда работать не идут, а сидят в офисах, магазинах. В театре здоровых людей не бывает. Каждый выбирает и решает свою судьбу, если я уже выбрал такую - это данность. Как говорит Нина Заречная:«Неси свой крест и веруй». Моментов, когда хотелось уйти из профессии, не было. Во-первых, я ничего делать не умею - пойти работать в шиномонтаж или на завод я не могу.
А во-вторых, зачем мне уходить, если здесь я могу получить свою дозу «наркотика»? Я подсел «на иглу» театра - бессмысленно куда-то рыпаться... В наше непростое время выжить помогает только работа. Только на сцене я чувствую себя в полной безопасности и гармонии с самим собой. Автоматически переключается что-то в мозгу, когда выходишь на сцену: забываешь, что пять минут назад что-то тревожило и возмущало.
Важной особенностью моноспектакля является его простота и экономичность в производстве. Одному актёру не требуется большая сцена, сложные декорации и множество костюмов. Он может обойтись минимальным набором реквизита и ограничить декорации до самого необходимого. Это позволяет сделать моноспектакль более доступным и легким в организации и проведении. Использование одного актера Использование одного актера в моноспектакле предоставляет возможность создать глубокий и яркий образ, не отвлекая зрителей на других актеров и их действия. Актер выступает в роли всех персонажей, находящихся на сцене, и самостоятельно передает их эмоции, характеры и отношения между ними. Такой формат представления позволяет актеру проявить свою гибкость, творческий потенциал и способность к глубокой эмоциональной передаче. Одному актеру приходится не только изменять внешность и голос для каждого персонажа, но и переживать их чувства и эмоции, создавать атмосферу и взаимодействовать с воображаемыми партнерами на сцене. Такие моноспектакли требуют от актера высокой концентрации, навыка работы с пространством и восприятия публики. Однако, если актер успешно справляется с такой задачей, моноспектакль может стать настоящим шедевром и вызвать у зрителей глубокие эмоции и восхищение. Примеры известных моноспектаклей: — «Соло для женщины» с Валентиной Талызиной. Моноспектакли поражают своей энергетикой и возможностью исследовать разнообразные характеры и ситуации, не выходя за рамки одного актера на сцене. Они доказывают, что один человек может создать целый мир и увлечь зрителей своим искусством. Смешение разных искусств Моноспектакль как форма современного искусства часто использует смешение различных художественных направлений, позволяя объединить в одном произведении элементы театра, кино, музыки, танца и даже живописи. Такой подход позволяет создать уникальную эстетическую и эмоциональную атмосферу, расширить возможности выражения искусственно-творческих идей и открыть новые перспективы для зрителей. Смешение разных искусств в моноспектакле может проявляться, например, в использовании музыкального сопровождения или звуковых эффектов, которые создают определенное настроение и подчеркивают драматическую составляющую произведения. Также моноспектакли могут включать в себя элементы видео или проекций, которые помогают создать особую визуальную картину или передать дополнительную информацию зрителю. Еще одной особенностью моноспектакля является возможность использования различных художественных форм и жанров. Например, актер может объединить в своей игре элементы драмы, комедии или даже документального театра. Такая гибкость позволяет создавать произведения, которые не подчиняются жестким рамкам и традициям, а открывают новые возможности для художественного выражения. Использование музыкального сопровождения или звуковых эффектов Использование видео или проекций Смешение разных жанров и форм искусства В целом, смешение различных искусств в моноспектакле позволяет создать уникальное и оригинальное произведение, которое может существовать вне жанровых рамок и стереотипов. Такой подход открывает новые горизонты для творчества и позволяет искусству быть еще более доступным и увлекательным для разных аудиторий. Вопрос-ответ: Что такое моноспектакль? Моноспектакль — это театральное представление, в котором выступает только один актер. Он одновременно является и исполнителем, и режиссером, и даже сценаристом пьесы.
В «Лицах» органично и гармонично синхронизируются судьбы разных людей - знаменитые личности соседствуют с неизвестными людьми, ушедшие в вечность - с теми, кто живёт сейчас. Любимые миллионами символы эпохи Евгений Евтушенко, Юрий Никулин, Людмила Гурченко, Андрей Вознесенский, Мэрилин Монро, Энди Уорхол, Чарли Чаплин… И наши современники и предшественники, среди которых поэт, прозаик, эссеист и журналист Мария Степанова, драматург Люба Стрижак, которая является автором текстов в спектакле, бабушка Марка Тишмана, которую Советская армия освободила из фашистского Гетто, сам Марк, а также среднестатистический житель мегаполиса и типичный представитель поколения миллениалов… У всех них гораздо больше общего, чем это может показаться на первый взгляд: несмотря на различия национальностей, эпох, полов, социальных категорий и профессий все герои спектакля - люди со своими победами и поражениями, сомнениям и страданиями, мечтами и разочарованиями. В каждом из этих персонажей, блуждающих по затейливым лабиринтам судьбы, можно узнать себя: все мы постоянно открываем и постигаем этот мир и стремимся обрести призрачное счастье. Камерное пространство Театра у Никитских ворот идеально подходит для атмосферы спектакля - публика дышит в унисон с героями, воплощёнными Марком Тишманом. Лаконичная сценография контрастных чёрно-белых цветов подчёркивает непрерывную борьбу тёмного и светлого в человеке и неотделимость одного от другого. Важным элементом сценографии является рейл для одежды, на котором висят неприметные чёрные пальто. Этот рейл - тонкая аллюзия к матрице вечности и бессмертию душ, которое не доказано научно, но вера в которое помогает нам на Земле оставаться людьми и не забывать о незыблемых истинах. Даже многочисленные микрофоны являются частью сценографии и располагаются в разных плоскостях - не только лиц великое множество на планете, но и голосов. Примеряя на себя такие разные лица и характеры, Марк ни в коем случае не пародирует никого из героев. Во время участия Марка Тишмана в популярных телевизионных шоу «Один в один», «Повтори», «Маска» многомиллионная аудитория телезрителей видела, что благодаря филигранному владению голосом, мимикой лица, пластикой тела этот артист способен органично перевоплотиться во многих личностей. Но в спектакле «Лица: эффект отсутствия» сложные костюмы и пластический грим были бы лишними деталями, отвлекающими внимание от глубины содержания. Всех героев Марк транспонирует на себя, ведя диалог от первого лица и рассказывая историю этих людей сквозь призму своей личности. У него блестяще получается балансировать по этой хрупкой грани - в тех или иных интонациях, например, мы узнаём Людмилу Марковну Гурченко или слышим специфический смех Любы Стрижак, но это не пародия, а проекция этих людей, личности которых так изящно и искусно переплелись в единое действие. В каждой истории есть своя драма и даже трагедия, но ни в одной нет беспросветности и уныния - «Лица» всех героев озаряются светом и оживают в спектакле в лучах веры, надежды, добра и любви в самом широком понимании этого слова: любви к жизни и к Родине, любви ко всему Земному шару и к каждому отдельному человеку. Например, в посвящении Евгению Евтушенко Марк размышляет о хрупкости и призрачности жизни и неумолимой смерти: поэт мечтал "клевера сладинку на губах застывших уберечь" и хотел обрести "малую слабинку - всё-таки совсем не умереть". И у него это получилось: его стихи продолжают жить и звучать!
Моноспектакль «Люблю! И нет меня…» — первая премьера 2023 года
| Фестиваль моноспектаклей «Монокль» выходит на международный этап | Девять дней подряд на смотре будут играть по два моноспектакля (один — «На Страстном», другой — в Боярских палатах), а заключительным событием 10 октября станет спектакль Данила Чащина «Говорит Москва» с Натальей Теняковой. |
| МДЦ «Артек» / Новости | монолог с единственным исполнителем. Транслитерация: Monospektakl' Задом наперед читается как: ьлкаткепсоном Моноспектакль состоит из 13 букв. |
| Моноспектакль — "Энциклопедия. Что такое Моноспектакль | Моноспектакль представляет собой спектакль, в котором выступает только один. |
| "Один за всех": почему актёры полюбили играть моноспектакли | необходимо предварительно зарегистрироваться, вход для зрителей бесплатный. Следить за афишей проекта и стартом регистрации на события можно в его официальной группе во "ВКонтакте". |
Стоянов и Никоненко представят моноспектакли "Поэт в России - больше, чем поэт!"
| Что такое моноспектакль? | С 1 по 10 октября на сцене Театрального центра СТД РФ «На Страстном» пройдет XII Московский международный театральный фестиваль SOLO, который представит 10 лучших моноспектаклей из России, Франции, Италии, Болгарии, Бельгии, Великобритании. |
| О монопьесах - Национальная Ассоциация Драматургов | Театром одного актера, или моноспектаклем, называют театральную постановку, в которой участвует всего один исполнитель. |
| Статья. Исторический обзор возникновения моноспектакля как театра одного актера | Главная» Новости» Моноспектакль это что. |
| Что такое моноспектакль? | Главная Новоcти Анонсы Фестиваль моноспектаклей «Монокль» выходит на международный этап. |
Фестиваль моноспектаклей «Монокль» выходит на международный этап
Актер должен создать максимально правдоподобный образ героя. Совместная работа режиссера и актера — залог успеха моноспектакля. Показ моноспектакля После того, как моноспектакль готов к выступлению, наступает время его показа. Это важный этап, ведь от его организации и продвижения зависит, насколько много зрителей увидят и почувствуют вашу работу. Первым делом необходимо определить место и время показа. Лучше всего выбирать небольшие театры, клубы или арт-пространства, в которых есть сцена и оборудование для звука и света. Также можно рассмотреть возможность организации выступления на улице или в необычном для театральных представлений месте, чтобы привлечь внимание прохожих. Важно продвигать свое выступление заранее.
Объявления о показе моноспектакля можно разместить на сайтах театров, в социальных сетях, на специализированных сайтах для актеров и режиссеров, а также в печатных изданиях города. Стоит обратить внимание на возможность проведения онлайн-трансляции мероприятия. При подготовке к показу необходимо обратить внимание на создание атмосферы, которая соответствует теме спектакля. Для этого можно использовать музыку, декорации, костюмы. Важно также подготовиться к общению с зрителями после выступления, чтобы ответить на вопросы и получить обратную связь. После показа моноспектакля рекомендуется провести его анализ и оценку. Важно понять, что удалось, а что нужно улучшить в следующих выступлениях.
Также можно получить обратную связь от зрителей и критиков, чтобы узнать, что понравилось и что можно изменить в будущем. Важный этап — показ моноспектакля. Выбирайте место и время внимательно. Продвигайте свое выступление заранее; обратите внимание на Интернет-ресурсы и социальные сети. Создавайте атмосферу, которая сообщает тему спектакля. Оцените показ моноспектакля после выступления для получения полезной обратной связи. Реклама и привлечение зрителей Онлайн-реклама.
Создание страниц в соцсетях, постинг превью и анонсов в соответствующих группах можно использовать для привлечения зрителей.
От спектакля он ничем не отличается, кроме того, что там работает один человек. И до стендапа существовали жанры, когда человек один на сцене. То, что показывает Гришковец российский драматург, театральный режиссёр и киноактёр, музыкант, писатель — ред.
В этом смысле наша профессия довольно нервная - всё через себя доставать и через себя пропускать, а не представлять и прикидываться, что проще всего. Увы, в большинстве театров Петербурга и Москвы мы сейчас наблюдаем именно беспардонное, наглое, вопиющее кривляние и паясничание, что совершенно справедливо вызывает у зрителя весьма пренебрежительное отношение к работе актеров.
В Москве можно по пальцам пересчитать театры, которые занимаются именно театром, а в Петербурге и того меньше. Всё остальное - «бульвар, желтуха», что удручает, конечно, ведь дискредитируется само понятие русского театра. Я имею в виду театр не со времён Фёдора Волкова, а с возникновения системы Станиславского, к которой можно по-разному относиться, но всё же это единственное учение, прошедшее вековое испытание. Ответвления этой системы распространились по всему миру, но база одна — оттуда Мейерхольд, Таиров, Вахтангов... У нас сейчас все «звёзды». Возникновение такого понятия — это и девальвация и дискредитация профессии.
Каждый, кто пару раз засветил своё личико на экране телевизора, может считать себя «звездой». Как говорят в Одессе - «я тоже так могу, только стесняюсь». Это псевдо-«звёзды», фантомы масс-медиа, которые возникают и сразу же исчезают. К сожалению, это формирует оценку театра и кино. Звёзды есть, но их значительно меньше, чем тех, которые красуются на обложках гламурных журналов. Неслучайно у нас возникли такие абсурдные понятия как «медийность» и «медийное лицо».
В страшном сне может присниться, если про Олега Даля скажут: «Да, он медийный». О моноспектаклях. Не могу сказать насколько трудна эта работа, просто нет зависимости от партнёров. Партнёр один — зрительный зал. Мои моноспектакли возникли от ощущения собственной невостребованности, к тому же таким образом появляется возможность заниматься тем материалом, который мне интересен, но который невозможно сыграть на большой сцене. Вся история с моими моноспектаклями возникла очень давно.
Сразу после института я оказался в Ленинградском ТЮЗе им. Брянцева, играл в массовках по 30-40 спектаклей в месяц. В какой-то момент я понял, что свихнусь, если буду заниматься только этим. А ведь были и есть артисты, которые за всю жизнь ничего больше и не сыграли , просто играют по инерции и всё. Критерии профессиональных навыков размыты или отсутствуют — никакого роста и ролевой биографии etc. Можно в театре прожить и так, не секрет.
У театра есть какое-то наркотическое свойство, связавшись с ним, уже не бросишь. Это болезнь, нормальные люди сюда работать не идут, а сидят в офисах, магазинах. В театре здоровых людей не бывает.
Каждый выбирает и решает свою судьбу, если я уже выбрал такую - это данность. Как говорит Нина Заречная:«Неси свой крест и веруй». Моментов, когда хотелось уйти из профессии, не было.
Во-первых, я ничего делать не умею - пойти работать в шиномонтаж или на завод я не могу. А во-вторых, зачем мне уходить, если здесь я могу получить свою дозу «наркотика»? Я подсел «на иглу» театра - бессмысленно куда-то рыпаться...
В наше непростое время выжить помогает только работа. Только на сцене я чувствую себя в полной безопасности и гармонии с самим собой. Автоматически переключается что-то в мозгу, когда выходишь на сцену: забываешь, что пять минут назад что-то тревожило и возмущало.
Но, уходя со сцены, снова погружаешься в суету и проблемы. Куда исчез Шут? С Лира постепенно спадает мишура власти, с каждой минутой он всё меньше — король и всё больше — человек.
И также постепенно Шут становится всё незаметнее и незаметнее. И Шут этот не просто балагур или паяц. Я не играю шута в таком классическом понимании — весельчак в колпаке с бубенчиками.
Это бродячий артист, которому некуда податься… Неприкаянная душа. Он постоянно был рядом с королем, а потом исчез. Может быть, он ушел искать новое государство и нового короля.
А может быть пошел и повесился, потому что вся атмосфера вокруг отравлена сумасшествием, и он «заразился» этим безумием. Ведь Шут всё время рядом с Лиром, он постоянно пребывает в этом окружающем Короля бреду. И Шут бежит… А вот куда он бежит, почему исчезает — это уж каждый решает сам.
О жизни. Сложно однозначно сказать, что больше или меньше я ценю в человеке.
Сергей Гармаш четыре года вынашивал моноспектакль по повести Достоевского "Кроткая"
/ Театральная студия «Артека» представила моноспектакль «Малоизвестная история известного человека» на основе жизни и творчества поэта, барда, педагога Булата Окуджавы. Спектакль приурочен к 200-летию со дня рождения великого русского драматурга Александра Николаевича Островского и создан при финансовой поддержке Калининградского регионального Отделения Союза театральных деятелей Российской Федерации. Моноспектакль это без преувеличения наивысшая планка для любого театрального актера.
Вы точно человек?
Честно о нас». Честно о нас. Впервые со сцены прозвучат самые актуальные темы, которые волнуют каждого из нас. Данный спектакль - это острая психологическая трагикомедия, воплощенная как моноспектакль. Проект был особо отмечен «Президентским фондом культурных инициатив» и находится под его активным патронажем. Суть истории состоит в том, что в одном и том же человеке происходит столкновение двух полярно разных образов мышления современного русского гражданина — Патриот Истинный и Испуганный Патриот.
Все эмоции должны быть подконтрольны. Зрителю может казаться, что я вот-вот захлебнусь слезами, а я в это время четко вижу все заплаканные глаза и понимаю можно ли еще чуть-чуть повысить эмоциональный градус. И это не цинизм, а профессиональная работа с публикой!
Артист обязан дарить эмоции, а не вовлекаться в них! Галина Павловна Вишневская в своей автобиографической книге «Галина» , рассказывая о прослушивании в Большой театр, упоминает совет Н. Ханаева : «Но запомни на всю жизнь: у тебя во время пения перед глазами всегда должен быть стоп-сигнал. Знаешь, как у машин сзади? Красненький такой огонек…Иначе с твоим темпераментом на сцене костей не соберешь». И все разговоры о том, что «я словно потеряла сознание, меня куда-то унесло во время выступления, я не смогла сдержать слез» и прочие проявления эмоций во время выступления — это непрофессионально! Самоконтроль и еще раз — самоконтроль! Ну и совет от режиссера - Мария Кнебель в своей книге «Поэзия педагогики» говорит вот о чем цитирую : «Некая грань между я-актер и я-роль всегда присутствует, бы полно не осуществлялся акт перевоплощения.
Немирович-Данчкенко говорил, что слезы в жизни отличаются от слез на сцене тем, что плача в жизни, человек испытывает только горе, а плача на сцене еще и радость от верно испытываемого горя. Поэтому Немирович-Данченко и утверждал, что «играть хорошо можно только в хорошем настроении, даже самые трагические роли». Кнебель Поэтому выходить на сцену только с улыбкой и светлым лицом. Даже если потом зазвучит самая трагическая и эмоционально тяжелая песня! Станиславский говорил о «четвертой стене» - то есть о работе, как бы не замечая публики, будто наедине с собой. Этот прием иногда можно использовать, но, мне кажется, в работе эстрадного артиста очень редко. Без этого все теряет смысл, потому что только отдавая, не скупясь, мы имеем право выходить на сцену. Только искренняя отдача дает тот самый обмен энергиями, который превращает выход артиста даже на одну песню — в событие, в праздник!
Тогда не страшен мандраж, а останется только кураж. Вообще разговор о любви к зрителю, это очень важно! Потому что зритель не обязан нас любить. Но мы обязаны, выходя на сцену, быть преисполненными любви и благодарности этому зрителю. За то, что он сегодня в зале. И тогда песня будет идти от сердца, а нашими устами будет петь сама Любовь. Как научить этому наших детей, как привить им заботливое внимание о каждом слове, о каждой паузе? Хорошо бы личным примером, собственной качественной, профессиональной концертной работой.
Очень сложно, особенно, что касается любви и благодарности к публике, потому что такое количество «звезд» «старожилы не упомнят»!!! А звездам нет дела до простых смертных. Плохие примеры для наших учеников. Никакое — ни личностное, ни творческое, ни профессиональное. И помоги нам Бог в этой нелегкой работе. Глава 4. Построение номера — взгляд и жест. Выбрана песня.
Проработан текст. Все живет и дышит, можно выносить на сцену, ура. И тут возникают два основных вопроса — куда смотреть и что делать с руками? Куда смотреть? Тут, как ни искала, не смогла найти никаких рекомендаций от великих, поэтому буду отталкиваться от собственного опыта. Опыта, полученного в работе с режиссерами, постановщиками и всякими замечательными людьми! Что делать с руками? Что б не мешали.
А они мешают? Еще как! Одну руку мы, конечно, займем микрофоном. Но проблема серьезная. Опять же, из собственного опыта, приобретенного в сценической работе. Первое — долой «зримую песню»! Этот путь такой соблазнительно легкий, что мы то и дело наблюдаем руки, прикладываемые к сердцу, на соответствующих словах в тексте; руки, изображающие «танец маленьких лебедей», если речь идет о птицах; руки, вздымаемые ввысь, при словах о небе и прочие «буквальности». Иногда это выглядит логично и естественно, но уходить в это направление полностью — я бы не рекомендовала.
Возникает вопрос — а нужен ли жест, в принципе? Я сама над собой ставила эксперимент — убирала жест по максимуму. Смотрю видеозапись — не то! Не хватает! Жест — это выражение экспрессии, эмоций, способ сконцентрировать внимание зрителя, привлечь его. Есть еще один момент — не случайно в начальных классах музыкальных школ, да и у нас на занятиях с малышами, детки поют «с рукой», показывая, дотягиваясь до высоких нот, помогая себе «спускаться по ноткам, как по лесенке» и, тем самым, соединяя в единую координационную систему звукоизвлечение и жест. Мне, всю жизнь с удовольствием поющей под собственный аккомпанемент, эта связанность звука и жеста особенно понятна и необходима. Второе — жест должен быть, но в той мере, в которой он необходим.
Это средство музыкальной выразительности, такое же, как музыкальные оттенки, темповые изменения и т. Следовательно, жест не должен быть чрезмерен. Не сбрасываем руки! Доводим и останавливаем, но осмысленно и логично. Четвертое - не суетиться никогда! Плавное, сильное движение руки с открытой ладонью — всегда знак отдачи энергии зрителю, в зал! Жестом артист «переливается» в зал, соединяя энергию творчества и любви с энергией зрителя — так возникает общий творческий эгрегор, общее «силовое поле» - после такого выступления и артист, и зритель — счастливы и полны сил! Ворожите руками, гипнотизируйте, захватывайте внимание зрителя — это наша особая артистическая магия, только не «пересолите».
Казалось бы, эти вопросы решаются в репетиционном периоде, в классе? Именно — казалось бы! Страх сцены, мандраж, волнение — никто не отменял. Как я люблю говорить — выполним задачу на двести процентов — дай Бог, на сцене процентов восемьдесят останется. Несомненно, вся эта работа должна быть проведена в классе. Момент экспромта, как высшего проявления творческого порыва, вдохновения — это выход артиста на новый уровень! Когда возникает ясное желание осуществить ту или иную внезапно возникшую задачу, а, главное, полная уверенность в том, что ты СМОЖЕШЬ решить эту задачу прямо сейчас, в процессе выступления! Но это чудо возможно только в состоянии психологического покоя, ясного разума и полной подготовленности, «вбитости» в мышцы и в связки музыкального материала в частности и общей мизансцены.
Иначе говоря — профессиональной оснащенности артиста. Поэтому самый лучший экспромт — подготовлен часами репетиций. Более того — даже мысленное пропевание, проговаривание текста обязательно принесет великолепный результат — так я однажды, не имея возможности петь, проговаривала тексты песен и стихов мысленно и выучила материал так, как никогда ни до, ни после. Ну, и практика, конечно. Ничто и никогда не заменит практики, репетиций, выступлений на любой сцене и в любых условиях. Глава 5. Образ говорящего Ну вот, я обещала, что вернусь к этому важнейшему понятию. Что это — это сочетание всего, по А.
Чехову — «и лицо, и одежда, и душа, и мысли» — в нашем случае — и исполнение, и внешний вид, и поведение на сцене. О чем я — проще, как всегда , на примере — странно выглядит исполнительница в миниюбке и с неимоверно броским макияжем, поющая о чистой и возвышенной любви или исполняющая патриотическую песню в перьях и блестках. Следовательно — все должно соответствовать и сочетаться в номере, все должно работать на образ, на смысл песни, создавать моноспектакль, единство внутреннего и внешнего.
Театровед Наталья Крымова писала: «Яхонтов… создал новый жанр — театр одного актера, — которого до него не было. Этот жанр явился синтезом искусства актера, художественного слова и исследования литературы». Жанр моноспектакля был особенно популярен в СССР. Леонид Филатов выступал с пьесой «Про Федота-стрельца, удалого молодца» , а Константин Райкин создал постановки «Самое любимое» и «Вечер с Достоевским». Над современными моноспектаклями исполнители обычно работают вместе с декораторами, костюмерами, музыкантами.
Когда актер на сцене остается один, он волей-неволей оказывается в центре внимания. Рядом нет товарищей, которые могут поддержать в случае чего, на которых может переключиться внимание зрителя. Именно на него, единственного, ложится решающая роль в создании спектакля. Основная мысль, эмоциональная направленность, само ощущение от спектакля будет таким, каким пожелает и сможет создать его человек на сцене. Зачастую декорации в моноспектаклях не используются вовсе, что позволяет зрителю самому додумать их, опираясь на то, что говорит и демонстрирует актер. Однако, актер вполне может и не пренебрегать декорациями и реквизитом.
Моноспектакли в Москве
А она? Она ответит лишь: «А я думала, что вы меня оставите так…» В финале та несказанность, что есть у Достоевского, проявится в жестах: после библейской цитаты о любви к ближнему, которую вдруг осознает герой, труп куклы оживет и погладит его по голове. Прощая за все. И тогда перед нашими глазами возникнет образ Богоматери… Сергей Гармаш отыграл сложный образ на «пятерку» — прожил его и пропустил через себя. А после спектакля ответил он на вопросы журналистов так, словно и не выходил из роли. И его ответы, как философскую повесть Достоевского, следует читать между строк. Есть что-то похожее в ваших отношениях с женщинами? Несколько лет назад Юрий Башмет играл спектакль в «Современнике», потом мы сидели в курилке нашего театра, и я сказал: давай сделаем «Кроткую».
Второй раз мысли о «Кроткой» вернулись ко мне, когда я вышел из «Современника» и поехал к Юрию Абрамовичу на концерт — читать письма Чайковского. В этот день в моей жизни произошло одно очень важное событие. Он меня обнял и сказал, что все хорошо. Раскладывать экспликацию своей роли нескромно и нехорошо. В результате трагедии, которую он совершил, он впервые в жизни обрел нечто человеческое и духовное.
Если речь идет о построении концертного номера, хочется верить, что мы работаем с сознательным человеком, желающим овладеть тайнами мастерства, и он пойдет даже на такие испытания, как чтение стихов! Как ни странно — простой вопрос, но часто ставит в тупик. Казалось бы — какая разница, ощущаешь ты подтекст песни или нет? Зрителю же ты не докладываешь об этом? Вот тут позволю себе привести в пример собственный опыт построения отделения концертной программы. Мой отец был создателем жанра «композиции», то есть логичного по смыслу перехода, перетекания стихов в песни и наоборот. Это был взрыв и откровение. Я, начав сольную деятельность взяла отцовский опыт на вооружение и стала создавать свои композиции, соединяя свои песни со своими же стихами. Каждый раз я выстраивала программу таким образом, что бы эмоциональное развитие шло непременно вверх, к свету, к радости. Казалось бы — ничего никогда я публике не объясняла. Следовательно — если у артиста есть понимание текста, подтекста, сверхзадачи конкретно этого музыкального номера, который мы стремимся превратить в моноспектакль — зритель это непременно почувствует! Так что — работаем над текстом, продумываем его, как монолог Гамлета, и все будет прекрасно. Глава 3. Музыкально-драматическая режиссура в построении песни, как моноспектакля. Почему именно музыкально-драматическая? О построении именно НОМЕРА, с учетом всего — костюма, грима, возможных декораций и аксессуаров, я буду говорить позже. А сейчас хочется поговорить именно о музыкально-драматургической части работы. Вспомним азы музыкального образования. Необычайно емкое понятие сонатного аллегро является, по сути, формулой жизни. С чем пришли, как несли и с чем уходим. Но, не отвлекаясь на философию, - грамотно выстроенная песня всегда должна быть в форме сонатного аллегро: экспозиция, разработка и реприза. Где экспозиция, это исходный материал, то, что нам дано и то, что мы должны преобразовать, приумножить и усовершенствовать! Далее — разработка: столкновение с жизнью, с обстоятельствами, бедами и радостями. А реприза — это результат всего пережитого. То, с чем мы вышли и к чему пришли. Если песня будет разобрана таким образом, с четким внутренним ощущением и обоснованием где и что и, главное, почему происходит, как меняется эмоциональный настрой, а в соответствии с ним — нюансы, если совпадут смысловые и музыкальные акценты, если песня будет пережита и осмыслена — это и будет настоящий моноспектакль! О нюансах — они заслуживают отдельного разговора. Как все мы знаем, музыкальные оттенки или нюансы, это одно из ярчайших средств музыкальной выразительности. Нежное итальянское слово fortissimo не отражает суть явления всеобщего ора. И никто не помнит и не хочет вспоминать - какое чудо — pianissimo, а какая прелесть diminuendo, ну и так далее. С этим очень трудно бороться. Врачи уже бьют тревогу, поскольку общее снижение слуха у людей, у детей, уже становится проблемой массового характера. Отсутствие желание мыслить — кругом fast food. Проще, когда громко и весело, чем, когда тихо и вдумчиво. Это тема очень актуальна и болезненна, но это наша реальность. И задача педагога, при создании, при выращивании артиста — воспитание! Один в поле не воин, но «возьмемся за руки, друзья! В паузах — дыхание Божье. Слушая паузу — слушаем Бога! Поэтому тишины, паузы в песне не стоит бояться. Вспоминая любимый «Театр» Сомерсета Моэма — «если уж сделала паузу, то тяни ее, сколько можешь! А нужно бережно и грамотно использовать. Пауза, возникшая в момент эмоционального подъема, всплеска, заставляет зал ахнуть и замереть вместе с артистом, забыв дышать! Это очень сильное средство и его нельзя «замыливать», слишком часто используя. Но грамотно, вовремя взятая пауза подарит и артисту, и зрителю настоящую эмоциональную победу. Хочется отдельно поговорить об эмоциях, чувствах и их выражении при исполнении музыкального произведения. Приходит в голову такая картина. Представьте себе пианиста, исполняющего второй концерт Рахманинова для фортепиано с оркестром. Лично у меня всегда подступают слезы. Но как странно было бы наблюдать пианиста, поливающего слезами клавиши, забывающего ноты и, в конце концов, бросившего свое «рабочее место» и со словами «не могу больше, пойду приму триста капель эфирной валерьянки, забудусь сном! К чему это я — к тому, что переживания эмоций — это одно, а выплеск их на зрителя — совсем другое! То есть артист может держать в руках, образно говоря, любую картинку. Но сам он должен быть абсолютно спокоен. Все эмоции должны быть подконтрольны. Зрителю может казаться, что я вот-вот захлебнусь слезами, а я в это время четко вижу все заплаканные глаза и понимаю можно ли еще чуть-чуть повысить эмоциональный градус. И это не цинизм, а профессиональная работа с публикой! Артист обязан дарить эмоции, а не вовлекаться в них! Галина Павловна Вишневская в своей автобиографической книге «Галина» , рассказывая о прослушивании в Большой театр, упоминает совет Н. Ханаева : «Но запомни на всю жизнь: у тебя во время пения перед глазами всегда должен быть стоп-сигнал. Знаешь, как у машин сзади? Красненький такой огонек…Иначе с твоим темпераментом на сцене костей не соберешь». И все разговоры о том, что «я словно потеряла сознание, меня куда-то унесло во время выступления, я не смогла сдержать слез» и прочие проявления эмоций во время выступления — это непрофессионально! Самоконтроль и еще раз — самоконтроль! Ну и совет от режиссера - Мария Кнебель в своей книге «Поэзия педагогики» говорит вот о чем цитирую : «Некая грань между я-актер и я-роль всегда присутствует, бы полно не осуществлялся акт перевоплощения. Немирович-Данчкенко говорил, что слезы в жизни отличаются от слез на сцене тем, что плача в жизни, человек испытывает только горе, а плача на сцене еще и радость от верно испытываемого горя. Поэтому Немирович-Данченко и утверждал, что «играть хорошо можно только в хорошем настроении, даже самые трагические роли». Кнебель Поэтому выходить на сцену только с улыбкой и светлым лицом. Даже если потом зазвучит самая трагическая и эмоционально тяжелая песня! Станиславский говорил о «четвертой стене» - то есть о работе, как бы не замечая публики, будто наедине с собой. Этот прием иногда можно использовать, но, мне кажется, в работе эстрадного артиста очень редко. Без этого все теряет смысл, потому что только отдавая, не скупясь, мы имеем право выходить на сцену. Только искренняя отдача дает тот самый обмен энергиями, который превращает выход артиста даже на одну песню — в событие, в праздник! Тогда не страшен мандраж, а останется только кураж. Вообще разговор о любви к зрителю, это очень важно! Потому что зритель не обязан нас любить. Но мы обязаны, выходя на сцену, быть преисполненными любви и благодарности этому зрителю. За то, что он сегодня в зале. И тогда песня будет идти от сердца, а нашими устами будет петь сама Любовь. Как научить этому наших детей, как привить им заботливое внимание о каждом слове, о каждой паузе? Хорошо бы личным примером, собственной качественной, профессиональной концертной работой. Очень сложно, особенно, что касается любви и благодарности к публике, потому что такое количество «звезд» «старожилы не упомнят»!!! А звездам нет дела до простых смертных. Плохие примеры для наших учеников. Никакое — ни личностное, ни творческое, ни профессиональное. И помоги нам Бог в этой нелегкой работе. Глава 4.
Даже для актрис такого высокого уровня, как Исакова, Ребенок, Старшенбаум, это вызов. И они с ним справились, пускай пока не идеально спектакль сыгран всего несколько раз. Кобелев очень верно решил показать всех трех с той актерской стороны, с которой их никто на сцене не видел. Ребенок изменяет своему амплуа холодной секс-дивы из «богомоловского каста», она в спектакле нежна, кокетлива и даже легкомысленна. Темную сторону властной сексуальности своей героини она играет глазами — буквально. Ее глаза мы видим на видеопроекции над сценой. Изящная и интеллигентная Виктория Исакова в этом спектакле, напротив, холодна, едка, развратна. Ее история — ударная. О травме, которая поменяла женскую судьбу, сломала ее и уничтожила навсегда. Ее превращениям и саморазоблачению веришь. Иногда даже сочувствуешь.
Выбирайте место и время внимательно. Продвигайте свое выступление заранее; обратите внимание на Интернет-ресурсы и социальные сети. Создавайте атмосферу, которая сообщает тему спектакля. Оцените показ моноспектакля после выступления для получения полезной обратной связи. Реклама и привлечение зрителей Онлайн-реклама. Создание страниц в соцсетях, постинг превью и анонсов в соответствующих группах можно использовать для привлечения зрителей. Также можно разместить объявление на сайтах, схожих с вашим по тематике и направлению. Таргетинговая реклама в группах соцсетей и на YouTube позволяет привлекать только целевую аудиторию. Участие в фестивалях, конференциях, выставках позволяет попасть в список лидеров и завоевать популярность. При этом можно не только показать свой моноспектакль, но и рассказать о творческой идеологии, поделиться опытом и возможно сделать хорошую связь с другими театрами и артистами. Возможно создасте сайт для своего театра либо использовать лендинг. Сайт может содержать не только текстовую информацию о спектаклях и билетах, но и видеофрагменты прошлых выступлений, отзывы и интервью. Блог автора моноспектакля позволит показать свои мысли и сохрнить свое дело в архиве для будущих поколений. Создание базы данных зрителей и партнеров и ежесезонные рассылки с информацией о новых проектах и мероприятиях помогут поддерживать и укреплять связи с постоянной аудиторией. Это также увеличит вероятность продажи билетов. Анализ после показа После успешного выступления моноспектакля необходимо провести анализ своей работы. Уточнить, что сработало, а что не очень, что можно улучшить в будущем и на что стоит обратить внимание при повторном выступлении. Важно обратить внимание на реакцию зрителя и собрать отзывы после выступления. Слушатели могут дать полезные советы и предложения, которые помогут улучшить спектакль в будущем. Также необходимо проанализировать свою работу на сцене: какие моменты получились лучше всего, где возникли проблемы, как можно улучшить технику игры на сцене. Помимо этого важно обратить внимание на организационную часть выступления: какие моменты можно оптимизировать, как лучше организовать запись на следующие выступления. Идеи, полученные в результате анализа, помогут усовершенствовать моноспектакль и сделать каждый последующий выступление ещё лучше и интереснее для зрителей. Вопрос-ответ Что такое моноспектакль?
Театр-студия Премьер
В инструментальном спектакле, являющимся «пограничным» жанром, связанным как с музыкой, так и с театром, моноспектакль представлен достаточно широко и аналогично театральным моноспектаклям имеет ряд специфических черт, к которым отнесем. Логично было бы предположить, что спектакль, с участием нескольких актеров — есть отражение создателя, то есть режиссёра, тогда как моноспектакль — это и есть сам актер и в этом случае он — создатель. это действо, когда на сцене на протяжении всей пьесы находится только один исполнитель. Такой спектакль может сыграть актер с опытом, наработавший свой багаж мастерства и имеющий определенную смелость, т. е. артист. Смотрите Что такое моноспектакль?. Длительность видео: 4 мин и 6 сек. Спектакль, с участием нескольких актеров — есть отражение создателя, то есть режиссёра, тогда как моноспектакль — это и есть сам актер и в этом случае он — создатель.
«Биография без пауз - это бесценно!»: моноспектакль Марка Тишмана «Лица: эффект отсутствия»
Очень много спектаклей на монофестивалях, артисты рвутся на них, им хочется показаться другой публике, в другом городе. Им хочется помериться силами. Эта форма сейчас очень многообразна. Раньше, как правило, выходили актрисы определенного возраста и под зеркалами при свечах читали огромное количество стихов Цветаевой и Ахматовой.
И считалось, что это моноспектакль. Но прошли десятилетия и сейчас уже понятно, что, когда просто артист на сцене произносит какой-то текст — это не всегда моноспектакль, - говорит театральный критик Татьяна Тихоновец.
В «Макбет. Реконструкция», который будет представлен в рамках фестиваля Solo 2 октября, я играю сразу четырех персонажей: ведьму, Макбета, короля Дункана и леди Макбет. Чем монодрама отличается от классического спектакля в плане восприятия? Для меня главное отличие — это предельная исповедь актера, которая происходит на сцене.
Помимо истории, пластики и спецэффектов — элементов классического спектакля — здесь появляется и моя личная боль. Такая откровенность притягивает и зрителей, и режиссеров, и актеров. При этом любой человек в зале более остро воспринимает такую постановку. Она обладает какой-то магической силой, способной погрузить зрителя в другую реальность, где он остается один на один с актером и его переживаниями. Сможет ли актер, который в течение какого-то времени был главным на сцене, дальше работать с коллегами без проявлений звездной болезни?
Авторский театр, в свою очередь, может с легкостью найти себя в этих трех жанрах. Так как именно эта личность поможет найти истину. Возможно, именно это открылось великому мыслителю Г. Ведь на самом деле, в театре драматические действия должны начинаться с развития внутренней драмы. Исходя из этого, во многих спектаклях отсутствуют не только другие актеры, но и бутафория, которая еще больше усиливает напряжение. Исходя из вышесказанного, можно утверждать, что режиссерские искания вокруг актера в конечном итоге привели к возникновению такого жанра как театр одного актера. Актер в разных жанрах театра Театр 1 актера. Страшно представить, как трудно приходится человеку, играющему в нем. Как утверждал философ П. Рикёра, в драматическом тексте высказывания должны быть зримыми. То есть, если художественное рассказывание и чтение можно только услышать, то драматический театр одного актера нужно смотреть. Ведь только благодаря физическому присутствию персонажа и диалогу актера со зрителями можно достичь корректности и полноты художественного впечатления. Как уверял Э. А этого добиться поможет только совокупность психотехнических и психофизических средств. Тут можно выделить гибкость актера, умение свободно пользоваться языком жестов и мимики. Другой подход и требования к актеру, исполняющему художественное чтение или рассказывание. Моноспектакль: разве это не скучно? Многим не понять, как можно получать удовольствие, сидя в театре два часа и смотря на одного и того же актера. Некоторые думают, что моноспектакли скучны. Однако позвольте возразить. Представьте себе: одна сцена. Одна постановка. И только один человек. Во все времена, начиная с создания этого вида театрального искусства, представления всегда были более напряженными, чем обычные спектакли. И этому есть простое обьяснение: ведь в этом случе перед актером стоит невообразимо сложная задача - открыть весь арсенал своего таланта и на сцене совершить превращение то в одного героя, то в другого. А то, что это очень сложно, думается, понятно всем. Этим и объясняется, что не каждый актер хочет и может играть в моноспектакле. К примеру, каждый человек мечтает играть Гамлета, но вот найдутся лишь немногие, кто согласится играть спектакль со всеми сложными персонажами в одиночку. Вот почему на сегодняшний день в Москве мало спектаклей одного актера. Как актеру добиться убедительного выступления?
Ее глаза мы видим на видеопроекции над сценой. Изящная и интеллигентная Виктория Исакова в этом спектакле, напротив, холодна, едка, развратна. Ее история — ударная. О травме, которая поменяла женскую судьбу, сломала ее и уничтожила навсегда. Ее превращениям и саморазоблачению веришь. Иногда даже сочувствуешь. Кроме того, в основе ее монолога — реальная биография вполне реальной женщины — писательницы-феминистки, первом авторе женских эротических рассказов Анаис Нин. Но она убедительна в предложенном ей образе абстрактной девушки-нимфы из мужских грез. И справляется с задачей снизить градус переживаний ближе к финалу — завершить спектакль на выдохе, а не на вдохе. Ее героиня не решается впустить мужчину в свою жизнь снова, ее одиночество продиктовано всего лишь страхом близости. А не убийством.