Театр эпохи Ренессанса родился в Италии, где дольше, чем в других странах, существовала литургическая драма и относительно поздно, лишь в середине XV века, появился итальянский аналог мистерий — rapresentazioni sacre [17]. Родовое понятие театра подразделяется на виды театрального искусства: драматический театр, оперный, балетный, театр пантомимы и т.д. Происхождение термина связано с древнегреческим античным театром, где именно так назывались места в зрительном зале. Профессиональный театр появился в 1672 г. В России развивалась культура, образование.
Открытие театра «Современник»
Новости и события Российского исторического общества. 28 марта 1776 года в Москве был основан один из самых известных театров мира – Большой театр. Он выполнял повеление императрицы Елизаветы Петровны вызвать в столицу актеров, «которые в Ярославле содержали театр и играют комедии, и кто им для того еще потребны будут». полукруг сидений, расположенных по склонам холма. Слово "театр" греческого происхождения и обозначает "место для обозрения". Люди стали посещать театры, возникло такое понятие, как светский бал.
Некоторые термины античного театра
- Всемирный день театра 2024 — история праздника
- Начало: от правды к документу
- Первые упоминания
- Когда появились первые театры
- Театръ • История факта:
Как появился театр
В pyсской доpеволюционной наyке каждый, кто писал о скомоpохах, считал своим долгом высказаться и о пpоисхождении слова. Только И. Беляев отказался от этого, заявив, что оставляет pешение задачи филологам. Сyществyет не менее 20 попыток объяснить этимологию нашего слова.
Остановимся только на самых значительных. Шафаpикy 30-е годы XIX в. Он считал скомоpохов потомками скамаpов -- кочевого наpода, жившего на Дyнае еще в V в.
Алексей Веселовский благосклонно отнесся к такомy объяснению. Hо yже Александp Веселовский в "Разысканиях... Пpимеpно в те же годы академик Я.
Затем Е. Полyчается -- "начальник смехотвоpства" или даже "мастеp смехотвоpства". Слабостью этого объяснения является то, что слово "скоммаpхос" не встpечается ни в памятниках, ни в словаpях.
Официально его отмечают, начиная с 1962 года. Примечательно, что в год, когда мировая общественность впервые отмечала знаковое событие, с обращением к поклонникам Мельпомены выступил известный французский писатель и художник Жан Кокто. Позже авторами обращения стали популярные артисты Кирилл Лавров, Михаил Царев, композитор, которого знают во всем мире, Дмитрий Шостакович.
Великие люди — о театре В любви к театру, который во все времена является магнитом для гениев искусства, зрителей, которые не мыслят жизни без созерцания таинств, происходящих на сцене, признавались писатели, художники, музыканты. Фразы, сказанные ими, стали афоризмами. Их цитируют школьники, студенты, театральные критики, поклонники храма Мельпомены: «Волшебный край».
Александр Пушкин «Театр — это сила, соединяющая в себе одной все искусства, а актеры — миссионеры». Антон Чехов «Зеркало человеческой жизни, пример нравов, образец жизни». Мигель де Сервантес «Театр располагает самой проторенной дорогой к уму и сердцу человечества».
Фридрих Шиллер «Театр это кафедра, с которой много добра можно принести людям». Николай Гоголь «Актер — это еще и профессия». Фаина Раневская «Я не знаю профессии, которая требовала бы более изысканных форм и более чистых нравов, чем театр».
Дени Дидро «Единственный царь и владыка сцены — талантливый артист». Константин Станиславский «Поклоны — составная часть спектакля. От кометы в руках зрителя должен остаться хвост».
Майя Плисецкая «Режиссер должен умереть в актере». Владимир Немирович-Данченко «Тот режиссер, который не видит всего лица спектакля, не имеет права прийти к актерам». Всеволод Мейерхольд «Нельзя достаточно объяснить публике, сколько усилий, сколько скрытой работы заключается в искусстве актера, с виду столь доступном и легком».
Альфонс Доде «Играй так, чтобы я не видел, что заучено». Михаил Щепкин «Велик тот артист, который зрителей заставляет забыть о деталях». Сара Бернар «Я люблю сцену, на ней все гораздо правдивее, чем в жизни».
Спектакли прошлых лет мало походили на то, что мы понимаем под спектаклем сегодня. На сцене мог быть только один актер, менявший маски и игравший сразу несколько ролей. Необходимость масок была обусловлена большими размерами театров, вмещавших десять, а то и семнадцать тысяч человек.
Разглядеть черты лица актера с далекого расстояния было практически невозможно, и маски легко решали эту проблему. Слайд 5 Театр — это объединение всех искусств, он включает в себя музыку, архитектуру, живопись, кинематограф, фотографию и т. На протяжении веков эта культурная ниша заполнялась обрядами и народными праздниками, включавшими элементы театрализованного действия, и скоморохами, музыкантами, плясунами, кукольниками, медвежьими поводырями.
Участники состязаний показывали свои выступления на сцене, окруженной низкой стенкой, благодаря которой можно было спрятать пока ненужный реквизит и декорации. Для выступающих была предусмотрена и палатка, где можно было переодеться. Так как праздник был посвящен Дионису, нет ничего удивительного, что в центре площадки стоял жертвенник богу, и все действие разворачивалось вокруг него. Чуть позже древнегреческий театр изменился. Зрители, наконец, смогли занять «настоящие» места — для них были сооружены сидения из мрамора для почетных гостей и из камня для зрителей попроще.
Среди зрительских мест располагались резонирующие сосуды, обеспечивавшие усиление звука. В Риме первый каменный театр появился только в 55 году до н. До этого актеры и зрители довольствовались лишь временными деревянными постройками.
сколько лет существует театр?
Само по себе театральное искусство играет ощутимую роль в культуре многих цивилизаций — тогда оно было средством общения, развлечения и передачи историй. Одной из первых форм театра была древнегреческая и посвящалась богам. Возникла она в VI веке до н. В Средние века организацией театральных представлений активно занималась церковь. Целью постановок было прославление христианства.
Позднее, в эпоху Возрождения, театр стал разнообразнее. Во времена барокко и классицизма он претерпел изменения и приобрел новые формы, став популярным у аристократии. Это время считается расцветом театральной культуры в России — наиболее известными тогда стали Московский художественный театр, Большой театр в Москве, Мариинский театр в Санкт-Петербурге и другие. Впоследствии театральное искусство продолжило развиваться — появлялись новые направления, а режиссеры экспериментировали.
В 1926 г. Пьеса Сергея Третьякова — великолепный образец лефовской концепции «литературы факта». Советские авангардисты20-30 гг. Еще одну пьесу Третьякова «Слышишь, Москва? Пискатор и революция Под бомбами Первой мировой войны актер и историк театра Эрвин Пискатор почувствовал, насколько не соответствует жизни его профессия. В 1919 г.
В репертуаре — спектакли с названиями День России и Долго ли еще будет существовать буржуазная справедливость?. В 1921 г. Дружественный критик из Rote Fahne писал: «Основным новшеством этого театра является переплетение в очень оригинальной форме игры с действительностью. Часто не знаешь, находишься ли ты в театре или на собрании; появляется такое чувство, будто ты должен присоединиться и помочь происходящему» Политический театр, Э. Пискатор, стр. Пискатор становится главным режиссером театра Фольксбюне, где ставит пьесу Альфонса Паке Знамена о борьбе за 8-часовой рабочий день американских «рыцарей труда», взрыве в Чикаго 1886 г.
Пьеса не более документальна, чем, например, Ткачи Гауптмана. Однако режиссеру «пришла в голову свoеобразная и счастливая мысль присоединить к постановке кино» Там же, стр. Пролог давал характеристику отдельных рабочих вождей, магнатов, работников полиции, а на экране в это время появлялись их портреты. Спектакль имел успех. Альфред Дёблин считал его первым шагом на пути к тому, что позже стали называть эпическим театром. Следующая работа Пискатора, названная словами Карла Либкнехта Несмотря ни на что 1925 , стала «первой постановкой, единственную текстуальную и сценическую основу которой составляет документ» Там же, стр.
Весной 1925 г. Тема — революционные моменты в истории человечества от восстания Спартака до русской революции. Часть постановки было предложено перенести в берлинский театр Гроссес Шаушпильхаус и представить на съезде компартии. Вся постановка была одним грандиозным монтажом подлинных речей, статей, газетных вырезок, воззваний, листовок, фотографий и фильмов о войне, исторических личностях и сценах. Текст монтировал Феликс Гасбарра, будущий работник литературной части театра Пискатора, где вместе с ним трудились Лео Ланиа и Бертольд Брехт. То, что мы сегодня назвали бы видеорядом, собирал сценограф и фотохудожник Джон Хартфилд он же Хельмут Херцфельд.
Спектакль был принят с энтузиазмом, большинство зрителей не только разделяло политические взгляды автора, многие лично участвовали в описываемых событиях. Во многих спектаклях единственным настоящим документом были архивные кадры киноряда. Интересны в этом отношении «Гопля, мы живем! Вышедший из тюрьмы Толлер написал экспрессионистскую пьесу о вышедшем из сумасшедшего дома революционере, осознавшем трагическую несовместимость идеалов юности с окружающей действительностью. Пискатор изменил и суицидальную концовку, и общий декадентский дух, усилив эпическое начало пьесы. Хроника, смонтированная с постановочными кадрами, позволила показать 8 лет тюремного заключения за 7 минут.
Это был специально снятый короткометражный фильм по сценарию Курта Эртеля, который иллюстрировал важный теоретический постулат Пискатора о расширении пространственновременных рамок спектакля с помощью кинематографа. Распутин был задуман как масштабное исследование истоков русской революции. Кинопроекция в основном состояла из кадров документального фильма Эсфирь Шуб «Падение династии Романовых», где танцующие до упаду дамы и кавалеры монтируются с работающими до упаду крестьянами. Многие участники исторических событий были недовольны тем, как они изображены на сцене. Анекдотически выглядела жалоба сотрудника парижского государственного банка Димитрия Рубинштейна: «Оставьте слово спекулянт — это мне не мешает, но шпион!.. Инцидент привлек внимание прессы и публики.
На следующий вечер между створками сцены-глобуса зрители увидели знакомых персонажей — Николая II и императора Франца Иосифа, а вместо актера, игравшего Вильгельма II, вышел писатель Лео Ланиа, который сообщил, что кайзер выражает протест против своего появления на сцене. Ланиа зачитал избранные формулировки решения суда, вызвавшие хохот и аплодисменты. Немецкая документальная драма и политический театр 60-х Вторая, самая мощная волна документалистики поднимается в Германии в 1960-е. В 1963 г. Все три пьесы поставил вернувшийся в Германию и возглавивший Фольксбюне Эрвин Пискатор. Пьесы объединяет не творческий метод, но скорее идейная направленность и политическая актуальность, круг тем, конфликт личности с тоталитарной властью, ситуация суда, мотив палача и жертвы.
Хоххут не только открыл историю нового художественного направления, но и привлек внимание общественности к осмыслению преступлений фашизма и к конкретному вопросу — равнодушию римской католической церкви и лично папы Пия XII к массовому уничтожению людей. Реальность показаний, дневников, протоколов суда, с помощью которых Хоххут доказывает виновность папы, имена священников, погибших в лагерях, может проверить любой читатель. Однако речь главного героя, в одиночку пытавшегося донести до высших церковных властей реальность ужасов Холокоста и имеющего несколько исторических прототипов, как и речь других персонажей, написана драматургом. Кстати, споры историков по поводу Пия XII продолжаются по сей день: он был куда более сложной фигурой, чем показано в пьесе Хоххута. С проблемой легитимности литературы факта сталкивается и Хайнер Киппхардт, описавший процесс 1954 г. Проблема в том, что сам Оппенгеймер долгое время не признавал приписываемых ему слов, особенно его раздражал финальный патетический монолог.
Времена холодной войны не прошли, и Оппенгеймер, несмотря на предъявляемые ему обвинения, не сочувствовал шагавшим по Европе идеям «новых левых». Физик обвинял драматурга в том, что тот писал пьесу не по материалам протоколов суда, а по книге Роберта Джанка. Однако уже в 1965 г. В 1964 г.
Сахновский, Вл. Филиппов и В. Погожев подробно исследовали историю здания Малого театра по архивным и музейным материалам. Благодаря трудам историка В.
Погожева, мы знаем, что существовал коллектив — Императорский Московский театр, спектакли которого были перенесены из дома Пашкова театр на Моховой в новые здания. Последний спектакль в доме Пашкова был 9 октября 1824 года. Императорский Московский театр играл попеременно на двух сценических площадках. Только в 1837 году дирекция выкупила здание у Варгина полностью вместе с пустопорожней землей. Архитектором К. Тоном на месте прежнего было построено новое здание, открытие которого состоялось 14 октября 1840 г. Тон сохранил фасад здания со стороны Театральной площади, сооруженного О. Бове в 1824 году, в строго выдержанном стиле русского ампира.
Старый театральный зал и сцена в здании, построенном Тоном, отошли под мастерские. С 1840 г. Вальцем по проекту А. Ленского была сделана вращающаяся сцена, но расположение сцены и зрительного зала сохранились без изменений с 1840 г. Эпитеты «малый» и «большой» относились к зданиям и обозначали две сценические площадки одного театра. Спектакли с одним и тем же составом шли и в «малом» и в «большом» театре. Затем все чаще драматические спектакли давались в одном «малом» театре и постепенно название здания становится синонимом труппы. Нередко среди московских театралов можно было слышать выражения вроде, следующих: «был в Малом, который вчера играл в Большом»; «надо в Большой — там сегодня играет Малый»; «люблю, когда Малый выступает в Большом» и т.
В первом десятилетии XX века «Московская драматическая труппа», как она называлась в официальных документах XIX века, начинает время от времени именоваться «труппой Малого театра». После 1917 г. Среди историков театра возникали споры о том, когда зародился тот художественный организм, спектакли которого, где бы они ни ставились, всегда считаются спектаклями Малого театра. Историки театра В. Погожев, Вл. Филиппов и другие склонны считать датой отсчета Малого театра 1806 год, когда он стал императорским, точнее: Императорский Московский театр. Но до 1806 года Московский театр уже был — была московская труппа, которая к этому времени достигла большого расцвета. В Московском театре неразрывна была связь актерских поколений, которые начинали работать в антрепризе Локателли и Титова, затем переходили в антрепризу Бельмонти и Медокса Петровский театр.
А труппа Петровского театра в 1806 г. Перед тем, как начать работать 14 октября 1824 г. Ведь именно в «театре Пашкова, что на Моховой» П. Мочалов получил признание, создав здесь образы Димитрия Донского, Мортимера, Фердинанда. Именно здесь на Моховой 20 сентября 1822 г. Загоскина, дебютировал М. Щепкин, поразив зрителей, естественностью и простотой своей игры. Здесь впервые выступают: М.
Львова-Синецкая, Н. Репина, Сабуровы, В.
Народ этот театр не принял. Хотя Петр I и не достиг своей цели, не сделал театр любимым местом людей, общедоступным и популярным, но он заложил к этому все необходимые предпосылки. Зрелый этап в истории театрального искусства Данный промежуток истории создания театра в России самый важный. На этом этапе театр стал приобретать те черты, которые привычны современному человеку, оформился в серьезное профессиональное сообщество. Эта же дата является днем основания Александринского театра в Петербурге.
Произошло это при Елизавете Петровне. Особенностью театра того времени было одновременное участие в постановках и русских, и иностранных артистов. Именно на этом этапе исполнение ролей впервые было доверено не только мужчинам, но и женщинам. Екатерина II придавала большое значение театру, при ней в Петербурге существовало три труппы, тратилось фантастическое количество средств на развитие этой отрасли. Помимо развития государственных, Екатерина уделяла внимание и частным театрам дворян, существовал, например, театр Шереметьева, Волконского, Румянцева. Даже в провинции создавались свои помещичьи труппы. Строился русский театр, а именно сами постановки, по образцам французских коллег.
Во главе французской школы актерского мастерства стоял И. Дмитревский, воспитавший не одно поколение прекрасных актеров. А вы знали? Представляем вниманию читателя еще некоторые занимательные факты из истории театрального искусства. Во времена, когда Пушкин был жив, театры в России были не полностью сидячими. Дальние ряды занимали люди, стоящие на ногах все представление. Знаковой пьесой в истории российского театрального искусства является «Недоросль» Д.
Стародума положительного персонажа первым сыграл как раз упомянутый выше Дмитревский. В 1803 году императорские театры были разделены. Появились драматическая и музыкальная труппы, оперная и балетная, как части музыкальной. Господство французской школы игры на российской сцене продлилось вплоть до XIX века. Именно тогда русский театр, наконец, встал на ноги и пошел по собственному пути. Перенятый опыт стал хорошей базой, а открытие новых талантливых русских композиторов, актеров, танцоров подняло театр на высокий уровень. Арапов стал первым, кто описал всю историю русского театра в одной энциклопедии — «Летописи русского театра».
Появляются театральны журналы и профессиональные критики. Таким образом, развитие театра дало толчок, в том числе, и русской литературе. Самый знаменитый театр Москвы История Большого театра начинается с даты 28. Именно в этот день в Москве императрицей Екатериной II была подписана «привилегия» для князя Петра Урусова, разрешающая ему содержать театр в течение десяти лет. Назывался он сначала Петровским театром в честь улицы, на которую выходил вход. В 1805 году здание полностью сгорает, архитектором Осипом Бове создается новый проект. В 1820 году начинается строительство, продолжающееся 5 лет.
Построенный театр стал больше, поэтому и получил такое название. Радовало это прекрасное, гармоничное, богатое здание жителей Москвы до 1853 года, когда случился второй пожар.
История театра в России
В эпоху Возрождения театр стал более разнообразным, а в период барокко и классицизма приобрел новые формы и стал популярным развлечением для аристократии. В XIX веке театр стал доступен широким массам благодаря развитию жанров, таких как комедия, драма и опера. В это время в России также начало развиваться театральное искусство. Известными русскими театрами стали Московский Художественный театр, Большой театр в Москве, Мариинский театр в Санкт-Петербурге и другие. На самые дешевые места теперь нельзя попасть меньше чем за 1000 рублей В XX веке театр продолжил развиваться, появились новые течения и эксперименты в театральном искусстве.
В России после Октябрьской революции театр стал средством пропаганды и социальной активности. Знаменитые режиссеры, такие как Константин Станиславский и Всеволод Мейерхольд внесли значительный вклад в развитие русского театра.
Так как в XVIII веке не было подходящего материала для детских спектаклей, Болотов сам стал автором пьес для детских представлений. У театра был свой оркестр, а также «пастушечий балетец», организованный учителем-французом. Детский театр просуществовал недолго: с появлением нового управителя его было решено расформировать, так как считалось, что участие в спектаклях отвлекало детей от более важных занятий. Первые государственные театры для детей стали новым этапом в развитии театрального искусства. В начале XX веке появились театры юного зрителя — профессиональные театры для детской, юношеской и подростковой аудитории. Создание первого государственного детского театра связано с именем драматической актрисы Натальи Сац. Благодаря ее усилиям в Москве был организован детский профессиональный театр.
Первой постановкой на сцене нового театра для детей был спектакль «Жемчужина Адальмины» И. Новикова по сказке З. Репертуар первого детского театра был рассчитан на широкую аудиторию от 6 до 12 лет, а своей задачей создатели театра считали заинтересовать и увлечь каждого зрителя. Первоначально в основе репертуаров лежали детские сказки, ставились мировые образцы классики для детей: «Принцесса Турандот» К. Гоцци, «Щелкунчик» Т.
Пьер Корнель и Жан Расин - одни из лучших авторов классицистской трагедии. В свою очередь, классическая комедия не могла бы существовать без Мольера, чей «Скупой» или «Мнимый Больной» до сих пор забавляет зрителей во всем мире. Французский классический театр сыграл очень важную роль в развитии польской мысли эпохи Просвещения. Это восемнадцатый век, который знаменует пышный расцвет театральной сцены хотя сценические тексты, конечно, были написаны раньше, о чем свидетельствует, например, «Увольнение греческих послов» Яна Кохановского. Такие авторы, как Францишек Богомолец, Станислав Трембецки и Игнаций Красицки, работали в театральной сфере, которые посредством легкой комедии стремились модернизировать обычаи польского общества. Другие театральные направления Девятнадцатый век принес настоящий взрыв театральных тенденций и условностей. Первая его половина - время романтической драмы в Польше доведен до совершенства Мицкевичем, а на Западе - лордом Байроном. Конец века, в свою очередь, ознаменовал развитие символизма, экспрессионизма и натурализма. В то время вся культурная Европа была наполнена пьесами Августа Стриндберга, Хенрика Ибсена и Мориса Метерлинка; Они также оказали сильное влияние на следующее поколение художников. Одним из самых интересных театральных направлений ХХ века, несомненно, был театр абсурда, связанный в основном с именами Сэмюэля Беккета, Евгения Ионеско. Новаторский язык создателей попытался отразить природу послевоенной действительности, а гротеск и черный юмор как нельзя лучше отразили состояние человека в эпоху тоталитарных угроз. Также стоит отметить, что достижения театра абсурда до сих пор используются юными адептами мирового театра. Что дает театр людям? История театра показывает, сколько идей успело обосноваться на его досках за двадцать пять веков. Тогда возникает вопрос: какие преимущества храма Мельпомены делают его популярным среди следующих поколений получателей? Зрители греческой трагедии пережили катарсис, то есть очищение от сострадания к главному герою. В свою очередь, сочетание абсурда и гротеска, характерное для театра ХХ века, попыталось хотя бы частично обуздать ужас Второй мировой войны и Холокоста. Не будем также забывать, что во все эпохи были и светлые и приятные для восприятия пьесы. Театр в этом выпуске предлагает хорошее развлечение как для взрослых, так и для детей.
Лишь в 20-х годах XVI века начали появляться специальные театральные здания, при этом принципы постройки заимствовались у Витрувия : как и в Древнем Риме, зрительный зал строился в виде амфитеатра [21]. Новый итальянский театр родился как придворный, однако очень скоро завоевал популярность в самых широких слоях итальянского общества, к интересам и вкусам которых он начал приспосабливаться на рубеже XV—XVI веков: мифологические сюжеты постепенно уступали место сюжетам из современной жизни, которые, в свою очередь, диктовали и новые принципы оформления спектаклей, и иной стиль актёрской игры [17]. Опера и балет[ править править код ] В эпоху Ренессанса в Италии зародились также опера и балет. Вначале в мистериях появилась эпизодически вводимая музыка, позднее музыка стала сопровождать всё действие. В середине XVI века были популярны пасторали , которые сопровождались хоровым пением. В конце XVI века появились произведения с одноголосым пением монодия. В 1637 году в Венеции был открыт первый оперный театр. Первыми оперными композиторами были Якопо Пери , Клаудио Монтеверди и другие [23]. Первые балеты ставились при дворе для развлечения придворной знати. Хореография была создана на основе придворных танцев [24].
Свет! Занавес! Аплодисменты: 6 интересных фактов во Всемирный день театра в России
Этот праздник был учреждён Конгрессом Международного института театра в 1961 году. Всемирный день театра 2025 — праздник всех театральных деятелей и ценителей искусства. Первые театральные куклы появились в Древней Греции. Первый публичный театр в России, он заслужил право называться отцом русского театра. История возникновения театра уходит корнями в Древнюю Грецию более двух тысячелетий назад.
В Москве представили книгу об истории театральных афиш
Конец века, в свою очередь, ознаменовал развитие символизма, экспрессионизма и натурализма. В то время вся культурная Европа была наполнена пьесами Августа Стриндберга, Хенрика Ибсена и Мориса Метерлинка; Они также оказали сильное влияние на следующее поколение художников. Одним из самых интересных театральных направлений ХХ века, несомненно, был театр абсурда, связанный в основном с именами Сэмюэля Беккета, Евгения Ионеско. Новаторский язык создателей попытался отразить природу послевоенной действительности, а гротеск и черный юмор как нельзя лучше отразили состояние человека в эпоху тоталитарных угроз. Также стоит отметить, что достижения театра абсурда до сих пор используются юными адептами мирового театра.
Что дает театр людям? История театра показывает, сколько идей успело обосноваться на его досках за двадцать пять веков. Тогда возникает вопрос: какие преимущества храма Мельпомены делают его популярным среди следующих поколений получателей? Зрители греческой трагедии пережили катарсис, то есть очищение от сострадания к главному герою.
В свою очередь, сочетание абсурда и гротеска, характерное для театра ХХ века, попыталось хотя бы частично обуздать ужас Второй мировой войны и Холокоста. Не будем также забывать, что во все эпохи были и светлые и приятные для восприятия пьесы. Театр в этом выпуске предлагает хорошее развлечение как для взрослых, так и для детей. Интересные факты из истории театра На протяжении десятилетий литературоведы спорят о том, действительно ли Уильям Шекспир создал приписываемые ему драмы.
Есть некоторые указания на то, что эти блестящие тексты мог написать какой-нибудь другой драматург - например, Кристофер Марлоу, который жил и работал одновременно с Шекспиром. Одним из самых необычных мест на литературной карте Парижа был театр Гран-Гиньоль, действовавший в первой половине 20 века. Он специализировался на постановке натуралистических фильмов ужасов, залитых кровью. Его название до сих пор является синонимом аморального развлечения.
Эту и много другой полезной информации вы найдете на нашем сайте. Автор статьи Алексей Александрович Ширкин декабрь 2021г.
Спектакли пользовались у горожан успехом. В 1929 году театр получил имя Анатолия Луначарского. В 2002 году театр начал проводить фестиваль «Старейшие театры России в Калуге».
В нем участвуют труппы, которым более 100 лет. Рязанский театр драмы. Дата основания: 1787 год Впервые театр в Рязани упоминается в документах 1787 года. Главным отличием Рязанского театра — было наличие постоянного здания. К 1862 году труппа лишилась своего первого помещения и въехала в новое.
Его построил архитектор Николай Воронихин. Но здание просуществовало не долго, в 1867 постройку уничтожил пожар. Деньги на постройку нового здания помогли найти горожане. В XIX веке Рязанский театр пользовался популярностью. Сюда приезжали с гастролями один из первых русских актеров Иван Дмитревский и комик Василий Живокини.
Во второй половине столетия здесь выступали корифеи Малого Театра. С 1935 года в городе работал постоянный театральный коллектив. В 1937 году Рязанский городской театр получил статус областного. Казанский академический русский Большой драматический театр им. Дата основания: 1791 год Театр русской драмы появился в городе еще в XVIII веке, в 1791 году, когда город по приглашению властей приехал петербургский артист Василий Бобровский.
Он организовал и возглавил труппу, которая работала пять лет — до 1796 года. Каменный театр появился в Казани в 1842 году. На его сцене играли многие знаменитые артисты — комик Василий Живокини, трагическая актриса Мария Савина, актер и антрепренер Николай Милославский.
В одном из интервью Бортник признавался, что у него в жизни были слава и любовь, но не было спокойствия, потому что «в профессии актёра нельзя себя щадить». Умер актёр 4 января 2019 года в возрасте 79 лет. Это и предопределило судьбу Натальи. В пять лет она впервые вышла на арену цирка, а в девять её вписали в трудовую книжку отца как стажёра — так началась карьера артистки. Во время Великой Отечественной войны она выступала вместе с отцом перед солдатами на фронте, позднее была дрессировщицей в Главном управлении цирками, в Союзгосцирке, а с 1978 года и до конца жизни возглавляла театр «Уголок дедушки Дурова».
Как и её прадед, один из основателей безболевой дрессировки, Наталья верила, что «ласка и любовь — залог успеха в работе с животными». Она также писала детские книги, за что удостоилась «Знака Аркадия Гайдара». Он мечтал о цирке с детства, но в специализированное училище его не принимали. Тогда он выучился печатному делу и начал работать в издательстве «Молодая гвардия». Однако юноша продолжал заниматься самодеятельностью, и его пригласили в Государственное училище циркового и эстрадного искусства. Затем Куклачёв стал артистом Союзгосцирка, выступал в клоунаде. В середине 1970-х в его номерах стали появляться кошки, и вскоре к Юрию пришёл успех.
Екатеринбург Кто и когда создал первый театр в мире Современное культурное общество в настоящем его виде во многом обязано театральному искусству, возникшему еще задолго до появления этикета и знакомых всем норм морали. Давайте погрузимся в древние времена истории.
Во время этого Вы сможете узнать интересные факты о театральном искусстве, когда был создан первый театр и все, что связано с первыми актерскими выступлениями. Создание первого театра в мире невозможно узнать точно, ведь это было еще в V веке до нашей эры в древней Греции, когда появился театр Диониса. Он был выполнен из дерева. Два раза в год проходили торжественные выступления актеров на сцене, во время которых самые талантливые авторы тех времен боролись за право называться лучшими в разных жанрах. Человека, занимавшегося продажей билетов и контролировавшего проведение выступлений называли архонт. Особо важных персон усаживали за шикарные мраморные кресла установленные со временем , из которых был отличный обзор. Театр Диониса существует и в наше время.
Когда возник первый театр?
Актеры поднимали вопросы политического строя, деятельности отдельных учреждений Афинской республики, ее внешней политики, ведения войн и т. История театра начинается с античных времен, а точнее, с легендарных времен гомеровской Греции. Тогда народные обрядовые игры в честь бога Диониса стали предшественниками изначальных форм театра. Несколько позже, в V веке до н. В театральном искусстве Древнего Рима довольно отчетливо выразились классовые черты тогдашнего рабовладельческого общества. При существующих в то время исторических условиях трагический жанр утратил свою народность и героические тона, а комедия приобрела сатирическую направленность. В последнем веке римской истории театра уже просто не существовало, имелись лишь примитивные формы простонародных мимов да пышные, с огромной помпой, зрелища, призванные отвлекать народ от насущных вопросов бытия.
Античный театр — театральное искусство Древней Греции, Древнего Рима, а также ряда стран Ближнего Востока, культура которых развивалась под сильным греческим влиянием в эпоху эллинизма — период, начавшийся в IV веке до н. История античного театра охватывает почти целое тысячелетие. В эту пору возникло европейское театральное искусство в том его качестве, в каком оно живёт сейчас: появилась драматургия, сформировались основные принципы актёрского искусства, сценическая техника и основы оформления театра и спектакля, возникли стационарные театральные сооружения. Первые театральные представления зародились ещё в глубокой древности, когда наши далёкие предки — охотники и земледельцы собирались на игрища, на празднества, когда устраивали обрядовые действа. Так на родине театра — в Древней Греции во время шумных праздничных процессий в честь Диониса, бога виноделия, веселья, разыгрывались сценки из его жизни. В них рассказывалось о том, как Дионис принёс в Грецию виноградную лозу, о борьбе Диониса с врагами, о его гибели, воскрешении и победе над противниками.
Изображалось торжественное прибытие Диониса из-за моря на увитом плющом корабле, который римляне позднее прозвали корабельной повозкой — «каррус навалис». Отсюда возникло слово карнавал.
МХАТ был в глубоком кризисе, оттуда ушла Кнебель, там ставились пьесы Сурова, который позже скандально прославился тем, что за него писали «негры». Сначала они назывались «Студией молодых артистов» и «Студией актеров Художественного театра», подчеркивая преемственность мхатовских традиций.
А потом Солодовников, директор Художественного театра, предложил им помощь, но попросил назвать новый театр «Современником», предлагая некую отсылку к журналу 60-х годов XIX века, который издавал Некрасов. Олег Ефремов сомневался: все-таки театр еще никак себя не проявил, поэтому такое громкое название казалось нахальством, но в итоге согласился с Солодовниковым. Вокруг их второй громкой премьеры «Голый король» было много слухов, в том числе и слух, что под королем в спектакле подразумевался сам Хрущев. Но игравший эту роль Евстигнеев всегда это отрицал.
К тому же в пьесе высмеивался не король, а его льстивое окружение. Единственной пьесой, в которой действительно подразумевался Хрущев, была пьеса Зорина «Римская комедия», сочиненная под занавес «оттепели». Ее герои — император Рима и два писателя — негодяй по имени Сервилий и честный Дион, которого на вахтанговской сцене играл молодой Ульянов, а в БДТ — Юрский. Это была смешная, фельетонная пьеса про взаимоотношения власти и культуры.
Но вахтанговский спектакль в итоге выпустили, и ставил его Рубен Симонов. Учитывая, что Хрущева только что сняли репетиции начались еще до его отставки , власти спектакль, вероятно, и разрешили только для того, чтобы нанести по бывшему лидеру вдогонку еще один удар. Как ни странно, но партийные органы появление театра «Современник» встретили достаточно положительно — такое тоже было возможно только во времена «оттепели». И более того, они сочувствовали этому театру, помогали ему.
Есть масса баек, которые лучше всех рассказывают, конечно, артисты «Современника», про начальников московских управлений культуры, которые любили этот театр и любили артистов. Во многом это заслуга Ефремова. При всей остроте своей социальной позиции и неприятии сталинизма он понимал, на какой земле живет, в какой стране существует, и мог находить взаимоотношения с властью. Если Ефремов был сильно не в духе, он мог послать куда угодно любого и, так сказать, возроптать.
Но в то же время он хорошо понимал, до какого предела можно дойти. Репертуар, естественно, согласовывался, но в 50-е годы это было почти формальностью, если сравнивать с брежневскими временами. При Брежневе театры месяцами ждали ответа Министерства культуры на любую пьесу. Это стало целой процедурой, ритуалом задушения всего нового и яркого.
Тем не менее и в «Современнике» запрещали спектакли.
Самой яркой персоной драматургии первой половины столетия является Н. Он не был драматургом в классическом смысле этого слова, но, невзирая на это, сумел создать шедевры, которые мгновенно обрели мировую славу и популярность. Развитие Русского театра Первые десятилетия XIX века отмечены нарастающим развитием русского театра: увеличивается популярность театрального искусства. На смену крепостному театру приходит «вольный театр» — государственный и частный. Наряду с русскими оперной, балетной, драматической труппами там выступали иностранные — французская, итальянская. На содержание последних тратились особенно большие средства. Постепенно сложилось так, что драматические спектакли давались преимущественно в Малом театре. В Большом ставились чаще балетные и оперные спектакли.
В первой половине XIX века большую часть театрального репертуара занимали спектакли, оперы и балеты, поставленные по классическим европейским произведениям. Но постепенно европейских авторов стали вытеснить отечественные: В. Озеров, А. Пушкин, Н. Гоголь, М. Лермонтов, А. Грибоедов, А. Толстой, М. Салтыков-Щедрин и другие.
Настоящим прорывом стало творчество А. Спектакли по его произведениям с успехом шли в Малом московском театре и петербургском Александринском. Это было новым «словом» в драматургии, рождением нового, «живого», театра. На оперные и балетные постановки оказали большое влияние члены так называемой «Могучей кучки», или «Балакиревского кружка». В него входили: М. Балакирев; М. Мусоргский; А. Бородин и Н. Римский-Корсаков М.
Балакирев А. Бородин Н. Римский-Корсаков Композиторы, как и литераторы, тяготели к отечественной истории, пытаясь передать через музыку основные черты национального характера, отразить «правду жизни». Таким же новаторов, как А. Островский, только в музыке, был П. Чайковский, написавший множество балетов и опер. В русских театрах с большим успехом шли его «Лебединое озеро», «Пиковая дама», «Евгений Онегин». Театральная публика выработала и стала соблюдать некие правила: определённая одежда для мужчин и женщин не бальная, но вечерняя отсутствие головных уборов строгая рассадка зрителей в зале как по чинам и рангам, так и по театральному статусу до второй половины XIX века разрешение для дам размещаться только в партере запрет дамам появляться без сопровождения мужчин дурным тоном считалось опозданием на представление экспрессивное выражение эмоций было не принято аплодировать могли только мужчины запрет на напитки и еду в партере невозможность женщинам покидать свои места во время антрактов Направления искусства в театре В конце XVIII —начале XIX в. Идеи прирожденного равенства всех людей и «естественного человека», раскрытые в творчестве целого ряда драматургов и актеров, помогали выявить общественную и нравственную недопустимость рабства.
Внимание драматургов привлекали при этом внутренний мир человека, его душевные конфликты. С другой стороны, в тех сентиментальных драмах, которые были проникнуты охранительными тенденциями, проявлялось стремление к сглаживанию жизненных противоречий, черты слащавой идеализации, мелодраматизма. Сентиментализм освобождал игру актеров от власти принципов классицизма и содействовал разрушению традиций этой системы, развитию романтических и реалистических тенденций. Развитие романтизма в русском театре начала XIX в. Обсуждение новых пьес и игры актеров становится не только постоянной темой бесед и дебатов в литературных салонах Москвы и Петербурга, но и проникает в печать. Театральные новости, рассуждения о театре появляются почти во всех изданиях начала XIX века. В одном из наиболее серьезных и популярных журналов того времени «Вестнике Европы» создается в 1802 году специальный театральный раздел, где печатаются рецензии на спектакли, статьи о театре и актерах. Некоторое время этот раздел ведет тогда тоже еще молодой поэт и литератор В. В 1808 году появляется первый театральный журнал в России — «Драматический вестник» Шаховского.
Актёры находились под ведомством дирекции и могли перемещаться из труппы в труппу при необходимости. В 20-30 гг. XIX века, когда началось масштабное строительство театров в Санкт-Петербурге, Москве и других крупных городах, актёры получили возможность играть на постоянных и хорошо оборудованных сценах; часто при театрах открывались актёрские школы. Несмотря на то, что театр, балет и опера были любимыми развлечениями русской аристократии, труд оплачивался низко и даже «звезды» сцены зарабатывали очень мало. Актёров приписывали к низшим слоям населения; использовались такие методы взыскания, как штрафы и аресты. Будучи формально свободными людьми, они полностью зависели от произвола дирекции. При поступлении на казенную сцену актеры заключали с дирекцией контракт на три года. Но малейший протест против условий контракта мог привести к его расторжению и, следовательно, оставить актера без работы. Часто подвергались актеры подобным наказаниям не за какие-либо дисциплинарные нарушения, а за творческую самостоятельность.
Отказ балерины Новицкой от роли, которая не соответствовала ее данным вызвал целую «административную бурю»: генерал-губернатор Петербурга Милорадович, слывший большим театралом, вызвал «ослушницу» и угрожал ей «смирительным домом». Угроза так сильно подействовала на Новицкую, что на другой же день она захворала «нервическою горячкою» и через несколько дней ее не стало. Но постепенно стали появляться целые актёрские династии; в 1896 году было учреждено звание «Заслуженный артист Императорских театров». Актёры начали формировать новый слой русской интеллигенции. Реформы и новый этап Реорганизация театрального управления, либеральные реформы 60-ых годов и деятельность В. Белинского В 1803 году было издано распоряжение, предоставляющее казенным театрам право на устройство публичных маскарадов и на печатание театральных афиш. Одновременно закрывались частные театры, действовавшие в трех городах. С 1805 года официально устанавливается монополия императорских театров в Москве и Петербурге. Так, с 1801 по 1811 год театральная дирекция получила сверх обычных ассигнований еще около 1 млн руб.
Куда прятали декорации в эпоху Возрождения? Какие сценические конструкции использовались в театрах в XXI-ом веке, и используются сейчас — на фестивалях электронной музыки? Прообраз сценического мастерства зародился в Древние века, и, хотя еще в Древнем Египте фараонам тоже показывали представления, сцена, как специально подготовленная площадка для развлечения культурных масс, появилась в Древней Греции в VI веке до н.
Александр Корчагин, директор сценической компании StagePro Отсчет можно начать вести с Афин, где дважды в год проходили праздники под названием «Дионисии». Из всего пантеона богов многим грекам был наиболее близок праздник бога Диониса, так как он отвечал за расслабление и экстатическое состояние — состояние столь созвучное массовому празднику. В связи с огромной популярностью фестиваля, посвященного богу Дионису, возникла необходимость создать искусственные сооружения, способные вместить 15-17 тыс.
Сначала конструкции были из дерева, но позже для большей прочности их стали делать из камня. Театральное мастерство бурно развивалось, и в V веке до н. На рисунке изображена реконструкция театра и фото сохранившегося амфитеатра Конструкция древнегреческой сцены Сцена в Древней Греции состояла из нескольких элементов: Орхестра — центральной круглой части сцены, где располагался хор, так как основу первых театрализованных выступлений составляло хоровое пение, которое практически исчезло только в Древнем Риме.
Дальнейшее развитие театрального искусства ознаменовалось появлением пьес и вошло в летописи именами Эсхила, Софокла, Эврипида, Аристофана. В дальнейшем количество актёров на сцене увеличивалось, и роль хора стала не столь значима, поэтому необходимость в орхестре отпала. Тогда эти места превратились в прототип VIP-ложи — их стали отдавать наиболее обеспеченным и знатным зрителям.
Скена — так в древнегреческом театре назывались временные сооружения для переодевания актеров. Сначала это были палатки, потом они сменились капитальными постройками, которые служили гримерками для актеров, откуда они выходили в пространство, называемое проскением. Проскений — это площадка, на которой актёры исполняли свои роли.
Фасад скены представлял собой колоннаду или фасад дома и позволял разместить первые несложные декораций. Декорации дополнялись плоскими расписными щитами — пинаками, которые вставляли в пазы сцены. Отсюда пошло известное нам и поныне второе название картинной галереи — пинакотека.
Театрон — места для зрителей, открытое сооружение, оборудованное круглой или полукруглой площадкой с многоярусными ступенями для расположения людей, амфитеатром. Театрон отделялся от скены двумя проходами — пародами. На рисунке изображены схемы древнегреческой и древнеримской сцен Древний Рим — первый крупный реквизит и массовые зрелища В Древнем Риме ситуация была схожей, правда театр там появился на 400 лет позднее, чем в Греции.
Поскольку на древнеримских зрелищах хор практически не задействовали, орхестра там была меньше и занимала уже не полный круг, а полукруг. Римская сцена стала шире для размещения большего количества актеров, что позволило использовать крупные декорации гроб Дария в «Персах», скалу в «Прометее», колесницу в «Агамемноне» и другой театральный реквизит. В Древнем Риме публика стала требовать более изощренных зрелищ, и часто на смену театральным постановкам приходили знаменитые представления с дикими зверями и гладиаторские бои.
В самых массовых из них количество участников достигало 16 тысяч человек. Тот еще тимбилдинг на выживание! Такие зрелища требовали постройки более масштабных площадок, и если театр в Афинах вмещал 17 тыс.
В римских театрах начали применяться более серьезные системы механизации. Не все знают, но в Колизее проводились даже морские бои, так называемые навмахии. Позднее, после реконструкции, каналы для подведения воды были перестроены под трюмные помещения.
Основан первый русский постоянно действующий и общедоступный государственный театр
Началось деление театров по видам: на рубеже 16-17 вв. появилась опера, с середины 18 в. – балет, в 19 в. – оперетта. Первым руководителем университетского театра стал Михаил Матвеевич Херасков, впоследствии известный литератор, представитель «русского классицизма». Театр эпохи Ренессанса родился в Италии, где дольше, чем в других странах, существовала литургическая драма и относительно поздно, лишь в середине XV века, появился итальянский аналог мистерий — rapresentazioni sacre[17]. Театральные новости, рассуждения о театре появляются почти во всех изданиях начала XIX века.