Культовый моноспектакль британки Фиби Уоллер-Бридж. Монофест и «тайные комнаты»: как прошел 10-й фестиваль моноспектаклей. специальный опрос по следам 'ЧАТа' в Омске, Актёр театра и кино Даниил Спиваковский покажет 4 моноспектакля в Югре, МОНОСПЕКТАКЛЬ | Почему актёры избегают этот жанр?, Что такое моноспектакль?, Что такое моноспектакль.
Что еще почитать
- Сергей Гармаш четыре года вынашивал моноспектакль по повести Достоевского "Кроткая"
- Елена Попова: "Любой моноспектакль - это попытка разобраться с собой"
- Наши проекты
- WorldPodium в соц. сетях:
- Что такое моноспектакль?
- Что такое моноспектакль? | Видео
Моноспектакль - это не зрелище, а разговор со зрителем
В последние годы жанр обрёл популярность, и в течение вот уже 14 лет в Москве проходит отдельный фестиваль моноспектаклей. Он проходит на сцене Театрального центра СТД РФ «На Страстном» и собирает вокруг себя, как театральных деятелей, так и зрителей, поклонников драматического искусства. В этом году на суд зрителей будут представлены 19 постановок, которые покажут в течение 10 дней. В программе фестиваля есть постановки как по классическим произведениям, в том числе по Шекспиру, Достоевскому и Гоголю, так и по пьесам, написанным самими актёрами. Наверное, самым неожиданным среди всех моноспектаклей, принимающих участие в фестивале, будет «Капитал» по Карлу Марксу. Поставили его режиссёр Надя Кубайлат и художник и журналист Алексей Цветков, главную роль играет Александр Николаев, а премьера состоялась в декабре прошлого года в московском театре «Среда 21».
Этот жанр явился синтезом искусства актера, художественного слова и исследования литературы» — Театровед Наталья Крымова.
В настоящее время в репертуаре театров появляется все больше и больше моноспектаклей. Актёры всё активнее решаются попробовать себя в этом жанре, а зрители привыкают к особенностям постановок и чувствуют себя более комфортно в тесном контакте с артистом. Какие моноспектакли посмотреть в Петербурге «Счастливые дни» в Театре им. Ленсовета 24 декабря, 20 и 27 января Постановка по абсурдистской пьесе Сэмюэля Беккета. В основе сюжета — монолог женщины о бессмысленности жизни, где смешиваются воспоминания о знакомстве с мужем, отрывки из инструкции к зубной щётке и жалобы на окружающий ландшафт. И всё это время героиня находится по пояс в земле.
Сможет ли героиня выбраться из запутанного лабиринта жизни?
В программу вошли 16 лучших спектаклей в жанре моно- из Санкт-Петербурга. В состав жюри Петербургского этапа вошли: Дмитрий Кошмин, доцент Кафедры режиссуры и актерского мастерства Уфимского государственного института искусств им.
Председателем жюри был выбран Игорь Ларин, актер, режиссер-постановщик, художественный руководитель Театра «Монплезир».
А в Боярских палатах актриса Яна Лихотина в спектакле с лаконичным названием «Поэт» исследует судьбу Варлама Шаламова. Режиссёр этой вологодской постановки к юбилею писателя — Анна Иванова. А в Боярских палатах сыграют «весёлую и грустную историю жизни» под французские мелодии разных лет — спектакль «Хочу в Париж» в Городском драматическом театре Нижневартовска поставил Вячеслав Зайчиков, а играет эту провинциальную мечту Евгений Наумов. А в Боярских палатах актёр Великолукского драматического театра Евгений Петров исследует гоголевские «Записки сумасшедшего» в постановке Дмитрия Борисова.
Татьяна Морозова: «Моноспектакли – самый сложный и страшный жанр для актера»
Мы с автором никогда эту тему не обсуждали, но, как я понимаю, Настя — его единственная горячо любимая дочь. Расскажите об истории спектакля «Диккенсова ночь». Когда я только познакомилась с Юрием Томошевским и начала с ним работать, то поняла, что он знаток и ценитель поэзии Серебряного века. А что самое главное — он знает, как к ней подступиться, и если с кем-то осваивать поэтические спектакли, то только с ним. Я всегда любила творчество Марины Цветаевой, и Юрий Валентинович постепенно готовил меня к созданию спектакля по её стихам. До этого у меня уже была «Кинфия», основанная на творчестве Елены Шварц, а это очень сложная поэзия. Как только мы выпустили «Кинфию», Юрий Валентинович предложил мне грандиозное и невероятное сложное произведение Цветаевой — «Поэма конца». Это неподъемная, как мне казалось, махина. Мы долго репетировали, готовили постановку.
Марина Цветаева — ваш любимый поэт? Безусловно, любимый, но, возможно, она не одна. К примеру, Елена Шварц — особенная для меня ещё и потому, что я была с ней знакома — удивительный человек. Мне очень нравится Бродский. Какого-то конкретного поэта я назвать не могу, но Марина Ивановна и её поэзия со мной всю жизнь. Всех нас на уроках литературы учили читать стихи с выражением. Как достигнуть в этом совершенства? Далеко не каждый человек, если он что-то умеет, может этому научить.
Это внутренняя кухня, о которой сложно рассказывать. А Юрий Валентинович, несмотря на то, что он замечательный исполнитель, ещё и талантливый педагог. Он может научить. А у кого учились вы? Были ли у вас великие педагоги, повлиявшие на вас? Реализовать себя так, как мне хотелось, удалось только с Томошевским. Я всегда любила Чехова, но могла прожить жизнь и никогда к нему не прикоснуться. Юрий Валентинович подобрал правильный ключик и дал мне возможность прикоснуться к его драматургии в спектаклях «Вишневый сад» и «Чайка».
Вся жизнь героини вместе с детьми, мужем и домашними заботами теряет смысл по сравнению с этим всеохватывающим и прекрасным чувством, дарящим непередаваемое ощущение вечного полета, невыразимого счастья и упоения самой жизнью… Так, в борьбе с самой собой продолжается жизнь женщины, которая не подозревает о том, что в одночасье она потеряет все и всех, и этот воздушный замок громогласно рухнет и она останется под его обломками … Хотелось бы отметить великолепную режиссерскую работу, продуманность и точность мизансцен, универсальность и глубокий смысл всех деталей декораций, выразительное музыкальное сопровождение, усиливающее психологическую нагрузку происходящего на сцене и в душе героини. Спектакль идет раз в месяц, это и неудивительно. В течение почти полутора часов выдержать невероятно высокое напряжение и градус сопереживания под силу не каждому зрителю, не говоря об актрисе, которая в полном смысле слова была без остатка растворена в своей героине и распята трагизмом и безысходностью своего положения. Кямаля Гусейнова - удивительно пластичная актриса, почти вслепую ориентирующаяся на сцене, она мастерски и чутко работает с текстом. Ей свойственно редкое сочетание артистического таланта и глубокого ума, внутренней утонченности и высокого художественного вкуса. Потрясающая энергетика актрисы моментально передается зрителям, тормошит их, вызывая слезы на глазах и мороз по коже… Несомненно, спектакль «Наказание» можно смело считать не только творческой удачей тех, кто принимал участие в его создании. Эта постановка - ярчайшее событие театрального искусства и всей национальной культуры.
Спектакль может служить классическим образцом и в современном режиссерском искусстве, и в актерском мастерстве ХХI века, и даже в декоре. Цель, поставленная автором, режиссером и актрисой, достигнута: зритель покинул театр совсем другим человеком, не таким, каким он был до спектакля, - более просветленным, умудренным, а главное - он задумался и увидел проблему в ином свете. Мы попросили сценариста и режиссера театра и кино, заслуженного деятеля искусств, главного режиссера экспериментального театра «ЙУГ» Мехрибан Алекперзаде рассказать об особенностях моноспектаклей на азербайджанской сцене. Еще в 1989 году я подготовила моноспектакль по Ж. Кокто «Человеческий голос» в Шукуфой Юсуповой. Считается, что этот жанр театральной постановки у нас особо не прижился и не востребован. И объясняется это тем, что моноспектакль не рассчитан на массового зрителя, это элитарный вид искусства, ориентирующийся на интеллектуально развитых, духовно глубоких и продвинутых людей.
Моноспектакли не любят массовость.
Додина, В. Фильштинского, - иная, с другим уровнем ассоциаций.
Как говорил польский театральный режиссёр Ежи Гротовский: «У нас есть всё - от дьявола до Иисуса Христа», только нужно не лениться находить и пробуждать в себе новые творческие струны. В этом смысле наша профессия довольно нервная - всё через себя доставать и через себя пропускать, а не представлять и прикидываться, что проще всего. Увы, в большинстве театров Петербурга и Москвы мы сейчас наблюдаем именно беспардонное, наглое, вопиющее кривляние и паясничание, что совершенно справедливо вызывает у зрителя весьма пренебрежительное отношение к работе актеров.
В Москве можно по пальцам пересчитать театры, которые занимаются именно театром, а в Петербурге и того меньше. Всё остальное - «бульвар, желтуха», что удручает, конечно, ведь дискредитируется само понятие русского театра. Я имею в виду театр не со времён Фёдора Волкова, а с возникновения системы Станиславского, к которой можно по-разному относиться, но всё же это единственное учение, прошедшее вековое испытание.
Ответвления этой системы распространились по всему миру, но база одна — оттуда Мейерхольд, Таиров, Вахтангов... У нас сейчас все «звёзды». Возникновение такого понятия — это и девальвация и дискредитация профессии.
Каждый, кто пару раз засветил своё личико на экране телевизора, может считать себя «звездой». Как говорят в Одессе - «я тоже так могу, только стесняюсь». Это псевдо-«звёзды», фантомы масс-медиа, которые возникают и сразу же исчезают.
К сожалению, это формирует оценку театра и кино. Звёзды есть, но их значительно меньше, чем тех, которые красуются на обложках гламурных журналов. Неслучайно у нас возникли такие абсурдные понятия как «медийность» и «медийное лицо».
В страшном сне может присниться, если про Олега Даля скажут: «Да, он медийный». О моноспектаклях. Не могу сказать насколько трудна эта работа, просто нет зависимости от партнёров.
Партнёр один — зрительный зал. Мои моноспектакли возникли от ощущения собственной невостребованности, к тому же таким образом появляется возможность заниматься тем материалом, который мне интересен, но который невозможно сыграть на большой сцене. Вся история с моими моноспектаклями возникла очень давно.
Сразу после института я оказался в Ленинградском ТЮЗе им. Брянцева, играл в массовках по 30-40 спектаклей в месяц. В какой-то момент я понял, что свихнусь, если буду заниматься только этим.
Именно таков моноспектакль «Ветер пахнет чабрецом», в котором стихи Али Кудряшевой читает актриса Ксения Шигапова. Моноспектакль — весьма непростой жанр. Когда актер на сцене остается один, он волей-неволей оказывается в центре внимания. Рядом нет товарищей, которые могут поддержать в случае чего, на которых может переключиться внимание зрителя. Именно на него, единственного, ложится решающая роль в создании спектакля.
Основная мысль, эмоциональная направленность, само ощущение от спектакля будет таким, каким пожелает и сможет создать его человек на сцене.
Предложения в которых упоминается "моноспектакль"
- В Москве открывается фестиваль моноспектаклей «SOLO-2022»
- Стоянов и Никоненко представят моноспектакли "Поэт в России - больше, чем поэт!"
- Моноспектакль — Что такое Моноспектакль
- Что такое моноспектакль?
- Определение и примеры моноспектакля
- Стоянов и Никоненко представят моноспектакли "Поэт в России - больше, чем поэт!"
Елена Попова: "Любой моноспектакль - это попытка разобраться с собой"
Культовый моноспектакль британки Фиби Уоллер-Бридж. С 1 по 10 октября на сцене Театрального центра СТД РФ «На Страстном» пройдет XII Московский международный театральный фестиваль SOLO, который представит 10 лучших моноспектаклей из России, Франции, Италии, Болгарии, Бельгии, Великобритании. Смотрите Что такое моноспектакль?. Длительность видео: 4 мин и 6 сек. Моноспектакль москвички Ирины Евдокимовой «Никто» создан по повести Нины Берберовой «Аккомпаниаторша» и повествует о снедаемой завистью женщине, волею судьбы сблизившейся с выдающейся личностью. Значение слова Моноспектакль на это Моноспектакль Моноспектакль (Театр одного актёра) — это спектакль-монолог с единственным исполнителем. Что такое нравственность, каковы ее правила.
Понятие моноспектакля
- Актер Антон Мозгалев: Монодрама — это игра на выживание
- Жанр моноспектакль, как высший пилотаж
- Значение слова "моноспектакль"
- Рекомендованные материалы
- Средневековые менестрели и театр одного актёра: как развивался жанр моноспектакля
- Предложения в которых упоминается "моноспектакль"
Кто такие моноактёры
Эти вечные ценности можно назвать главными постулатами моноспектакля Марка Тишмана, в котором он проникновенно, метафорично и многогранно воплощает природу человеческой личности. Рассказываем об истории появления жанра моноспектакля, его особенностях и актуальных постановках в Петербургских театрах. «Хочу сделать публичное выступление как спектакль» — такое часто можно услышать. это высказывание на тему, своего рода творческая декларация.
Что такое талант, рассуждает Эдуард Аблавацкий в новом моноспектакле «Голос»
Что такое театр одного актера. Театром одного актера, или моноспектаклем, называют театральную постановку, в которой участвует всего один исполнитель. В результате получился интересный спектакль, где задействовано восемь актёров, что и доказывает, что литературная основа, отнюдь не монопьеса, которая при постановке должна превратиться в моноспектакль. театр одного актера, - это спектакль-монолог с единственным исполнителем, то есть сценическое действие, изначально предназначенное для одного исполнителя.
Что такое моноспектакль: понятие, особенности, примеры
Один в поле не воин, но «возьмемся за руки, друзья! В паузах — дыхание Божье. Слушая паузу — слушаем Бога! Поэтому тишины, паузы в песне не стоит бояться.
Вспоминая любимый «Театр» Сомерсета Моэма — «если уж сделала паузу, то тяни ее, сколько можешь! А нужно бережно и грамотно использовать. Пауза, возникшая в момент эмоционального подъема, всплеска, заставляет зал ахнуть и замереть вместе с артистом, забыв дышать!
Это очень сильное средство и его нельзя «замыливать», слишком часто используя. Но грамотно, вовремя взятая пауза подарит и артисту, и зрителю настоящую эмоциональную победу. Хочется отдельно поговорить об эмоциях, чувствах и их выражении при исполнении музыкального произведения.
Приходит в голову такая картина. Представьте себе пианиста, исполняющего второй концерт Рахманинова для фортепиано с оркестром. Лично у меня всегда подступают слезы.
Но как странно было бы наблюдать пианиста, поливающего слезами клавиши, забывающего ноты и, в конце концов, бросившего свое «рабочее место» и со словами «не могу больше, пойду приму триста капель эфирной валерьянки, забудусь сном! К чему это я — к тому, что переживания эмоций — это одно, а выплеск их на зрителя — совсем другое! То есть артист может держать в руках, образно говоря, любую картинку.
Но сам он должен быть абсолютно спокоен. Все эмоции должны быть подконтрольны. Зрителю может казаться, что я вот-вот захлебнусь слезами, а я в это время четко вижу все заплаканные глаза и понимаю можно ли еще чуть-чуть повысить эмоциональный градус.
И это не цинизм, а профессиональная работа с публикой! Артист обязан дарить эмоции, а не вовлекаться в них! Галина Павловна Вишневская в своей автобиографической книге «Галина» , рассказывая о прослушивании в Большой театр, упоминает совет Н.
Ханаева : «Но запомни на всю жизнь: у тебя во время пения перед глазами всегда должен быть стоп-сигнал. Знаешь, как у машин сзади? Красненький такой огонек…Иначе с твоим темпераментом на сцене костей не соберешь».
И все разговоры о том, что «я словно потеряла сознание, меня куда-то унесло во время выступления, я не смогла сдержать слез» и прочие проявления эмоций во время выступления — это непрофессионально! Самоконтроль и еще раз — самоконтроль! Ну и совет от режиссера - Мария Кнебель в своей книге «Поэзия педагогики» говорит вот о чем цитирую : «Некая грань между я-актер и я-роль всегда присутствует, бы полно не осуществлялся акт перевоплощения.
Немирович-Данчкенко говорил, что слезы в жизни отличаются от слез на сцене тем, что плача в жизни, человек испытывает только горе, а плача на сцене еще и радость от верно испытываемого горя. Поэтому Немирович-Данченко и утверждал, что «играть хорошо можно только в хорошем настроении, даже самые трагические роли». Кнебель Поэтому выходить на сцену только с улыбкой и светлым лицом.
Даже если потом зазвучит самая трагическая и эмоционально тяжелая песня! Станиславский говорил о «четвертой стене» - то есть о работе, как бы не замечая публики, будто наедине с собой. Этот прием иногда можно использовать, но, мне кажется, в работе эстрадного артиста очень редко.
Без этого все теряет смысл, потому что только отдавая, не скупясь, мы имеем право выходить на сцену. Только искренняя отдача дает тот самый обмен энергиями, который превращает выход артиста даже на одну песню — в событие, в праздник! Тогда не страшен мандраж, а останется только кураж.
Вообще разговор о любви к зрителю, это очень важно! Потому что зритель не обязан нас любить. Но мы обязаны, выходя на сцену, быть преисполненными любви и благодарности этому зрителю.
За то, что он сегодня в зале. И тогда песня будет идти от сердца, а нашими устами будет петь сама Любовь. Как научить этому наших детей, как привить им заботливое внимание о каждом слове, о каждой паузе?
Хорошо бы личным примером, собственной качественной, профессиональной концертной работой. Очень сложно, особенно, что касается любви и благодарности к публике, потому что такое количество «звезд» «старожилы не упомнят»!!! А звездам нет дела до простых смертных.
Плохие примеры для наших учеников. Никакое — ни личностное, ни творческое, ни профессиональное. И помоги нам Бог в этой нелегкой работе.
Глава 4. Построение номера — взгляд и жест. Выбрана песня.
Проработан текст. Все живет и дышит, можно выносить на сцену, ура. И тут возникают два основных вопроса — куда смотреть и что делать с руками?
Куда смотреть? Тут, как ни искала, не смогла найти никаких рекомендаций от великих, поэтому буду отталкиваться от собственного опыта. Опыта, полученного в работе с режиссерами, постановщиками и всякими замечательными людьми!
Что делать с руками? Что б не мешали. А они мешают?
Еще как! Одну руку мы, конечно, займем микрофоном. Но проблема серьезная.
Опять же, из собственного опыта, приобретенного в сценической работе. Первое — долой «зримую песню»! Этот путь такой соблазнительно легкий, что мы то и дело наблюдаем руки, прикладываемые к сердцу, на соответствующих словах в тексте; руки, изображающие «танец маленьких лебедей», если речь идет о птицах; руки, вздымаемые ввысь, при словах о небе и прочие «буквальности».
Иногда это выглядит логично и естественно, но уходить в это направление полностью — я бы не рекомендовала. Возникает вопрос — а нужен ли жест, в принципе? Я сама над собой ставила эксперимент — убирала жест по максимуму.
Смотрю видеозапись — не то! Не хватает! Жест — это выражение экспрессии, эмоций, способ сконцентрировать внимание зрителя, привлечь его.
Есть еще один момент — не случайно в начальных классах музыкальных школ, да и у нас на занятиях с малышами, детки поют «с рукой», показывая, дотягиваясь до высоких нот, помогая себе «спускаться по ноткам, как по лесенке» и, тем самым, соединяя в единую координационную систему звукоизвлечение и жест. Мне, всю жизнь с удовольствием поющей под собственный аккомпанемент, эта связанность звука и жеста особенно понятна и необходима. Второе — жест должен быть, но в той мере, в которой он необходим.
Это средство музыкальной выразительности, такое же, как музыкальные оттенки, темповые изменения и т. Следовательно, жест не должен быть чрезмерен. Не сбрасываем руки!
Доводим и останавливаем, но осмысленно и логично. Четвертое - не суетиться никогда! Плавное, сильное движение руки с открытой ладонью — всегда знак отдачи энергии зрителю, в зал!
Жестом артист «переливается» в зал, соединяя энергию творчества и любви с энергией зрителя — так возникает общий творческий эгрегор, общее «силовое поле» - после такого выступления и артист, и зритель — счастливы и полны сил! Ворожите руками, гипнотизируйте, захватывайте внимание зрителя — это наша особая артистическая магия, только не «пересолите». Казалось бы, эти вопросы решаются в репетиционном периоде, в классе?
Именно — казалось бы!
Есть тенденция к расслоению такого существования на сцене на поджанры», — отметил гость студии. Александр Суховский пояснил, что персонаж за время моноспектакля должен прожить определенную сюжетную линию, а не просто рассказывать некоторое количество историй или задорно травить байки.
Художественный руководитель театра, народный артист России прочет со сцены произведения своих любимых поэтов — Давида Самойлова и Александра Сергеевича Пушкина. Помимо основной программы и показа спектаклей, в рамках фестиваля «Монокль» запланирована дополнительная программа, которая будет включать в себя несколько мероприятий. В Театре-фестивале «Балтийский дом» будет организована фотовыставка «Главные действующие лица Международного фестиваля моноспектаклей «Монокль» 1997-2024».
Также состоится Круглый стол, посвященный жанру моноспектакля и фестивалям малых форм. В онлайн-формате пройдут две видеолекции. Вторая - «Великие чтецы А. Пушкина», расскажет о самых известных исполнителях произведений русского классика.
Каждый его рассказ — это огромное море юмора, пронзительности, душевности, человечности и искренней любви к жизни с её парадоксами и странностями, с её болью и радостью.
Очень долго я не мог остановиться и выбрать конкретные рассказы, разбегались глаза, каждый рассказ прекрасен. Потом пришёл к мысли, что интереснее всего мне будет рассказать о Шукшинских Чудиках. Важно было выстроить в спектакле драматургическое развитие темы, поэтому в конце концов остановился на этих трёх рассказах: «Чудик», «Миль пардон, мадам» и «Думы». С возрастом у Чудиков меняется отношение к жизни, уходит чудаковатость, остается простая и глубокая человеческая тема. Осеевой Дата показа: 2 апреля в 18:00 Что такое монолог?
Монолог для меня — это либо способ-возможность поделиться с людьми о наболевшем или о своем личном прозрении, либо передать историю, тронувшую мое сердце. Цель высказаться — значит открыться. Монолог — рассуждение вслух. Зная, что меня слышат и слушают, но с пониманием, пусть и молчаливым. Зная, что зрительский ответ и не нужен.
Вот говоришь, мыслишь, знаешь, что ты находишься на восприятии многих глаз, ушей, сердец, и просто от этого их нахождения и выслушивания становится лучше. Порой задаешь им вопрос, и тут же сам себе отвечаешь. Это разговор с собой через зрителей! Для актера-героя важен монолог, так как это возможность «вытянуться», подняться на ступень выше. Бывает же монолог-исповедь.
Так вот после нее, исповеди, со всех сторон дышится легче. А когда ты по жизни не особо болтлив, то сцена позволяет и помогает тебе через кем-то написанный текст, транслированный через себя, стать лучше, умнее что ли. Спектакль может быть без монолога, но без «внутреннего монолога» артиста, без мысли и подтекста никак. Поэтому театру необходим монолог. Для зрителя монолог артиста важен, потому что актер приближает к себе слушателя и как будто говорит лично с ним, глаза в глаза.
Лично я, когда бываю на месте зрителя, забываю, что это же слышат все, кто сидит со мной рядом, забываю, что они здесь вообще присутствуют.
Что такое моноспектакль
Я стал искать материал для моноспектакля. Просто забил в поисковике «моноспектакль» и просматривал все, что мне предложила всемирная паутина. Я отсмотрел множество вариантов, но в конце концов вернулся к «Голосу». Потому что это история про человека с интересной завязкой, кульминацией и финалом. Мне пришлось поработать над пьесой, чтобы адаптировать ее к нашему времени в рассказе действие происходит в советские времена. Она была очень рада, что произведение ее деда будут снова ставить на театральной сцене, и дала свое согласие и благословение мне. Это ваш первый опыт работы над моноспектаклем? Можно сказать и так. Хотя когда я только пришел в ТЮЗ, мы вместе с Борисом Гранатовым делали моноспектакль на основе моих студенческих материалов, разных отрывков из спектаклей, речевых выступлений. Я играл его уже более двадцати лет назад, с тех пор моноспектакля у меня не было.
Как вам это удалось? Мы специально не стали касаться трагических моментов. Когда Валерий Попов увидел наш спектакль еще в работе, он разрешил нам делать все, что захотим. Но я считаю, что в книге есть моменты, которые не стоит трогать. Даже в этом ироничном и лёгком спектакле есть нотка печали. Тем более, если добавлять в постановку что-то ещё, то она разрастется по метражу продолжительность спектакля «Детство Насти» — один час, прим. Кого спектакль зацепит — тот прочтет книгу. Я взрослый человек, но не уверена, что была бы готова показать на сцене такую трагедию — это очень тяжело. Не зря наш спектакль с лёгкой руки Юрия Валентиновича называется «Детство Насти» — ведь в нём говорится именно о детстве. В книге описана реальная история? Да, Валерий Попов написал книгу, не щадя самого себя. Возможно, в нем долгое время жила такая ужасная боль, что ему необходимо было рассказать и написать об этом. Мы с автором никогда эту тему не обсуждали, но, как я понимаю, Настя — его единственная горячо любимая дочь. Расскажите об истории спектакля «Диккенсова ночь». Когда я только познакомилась с Юрием Томошевским и начала с ним работать, то поняла, что он знаток и ценитель поэзии Серебряного века. А что самое главное — он знает, как к ней подступиться, и если с кем-то осваивать поэтические спектакли, то только с ним. Я всегда любила творчество Марины Цветаевой, и Юрий Валентинович постепенно готовил меня к созданию спектакля по её стихам. До этого у меня уже была «Кинфия», основанная на творчестве Елены Шварц, а это очень сложная поэзия. Как только мы выпустили «Кинфию», Юрий Валентинович предложил мне грандиозное и невероятное сложное произведение Цветаевой — «Поэма конца». Это неподъемная, как мне казалось, махина. Мы долго репетировали, готовили постановку. Марина Цветаева — ваш любимый поэт? Безусловно, любимый, но, возможно, она не одна. К примеру, Елена Шварц — особенная для меня ещё и потому, что я была с ней знакома — удивительный человек. Мне очень нравится Бродский.
Шукшина Дата показа: 1 апреля в 19:00 Что такое монолог? Для меня монолог — это максимальная возможность высказаться. Роль в театре актеры получают по распределению, в зависимости от того, в чём видит тебя режиссер, и порой приходится влюблять себя в полученную роль. Монолог актер выбирает сам, исходя из своего желания что-то очень важное сказать зрителю. Монолог — это очень личностное актерское высказывание. Почему жанр моноспектакля важен для актёра, театра и зрителя? Для актера моноспектакль — это проверка на прочность. Сможешь ли ты удерживать своей энергией, своими смыслами зал? В моноспектакле никуда не спрячешься, ты и зритель, который является твоим партнёром. В моноспектакле, на мой взгляд, максимально проявляется актерская природа, я считаю, что каждый профессиональный актер должен испытать свои силы в этом жанре. Для театра моноспектакль важен поисками особой театральности, особого способа разговора со зрителем. Ведь при аскетичности оформления необходимо добиться выразительности. Для зрителя — это всегда разговор с артистом тет-а-тет, разговор негромкий, почти интимный, исповедальный. Мне кажется, что современный зритель заскучал от поиска театральных форм, за которыми порой не видно актера. Зрителю, на мой взгляд, не хватает простого и искреннего человека на сцене. Как Вы выбрали свой монолог? Во-первых, я очень люблю этого автора, Василия Макаровича Шукшина. Каждый его рассказ — это огромное море юмора, пронзительности, душевности, человечности и искренней любви к жизни с её парадоксами и странностями, с её болью и радостью. Очень долго я не мог остановиться и выбрать конкретные рассказы, разбегались глаза, каждый рассказ прекрасен. Потом пришёл к мысли, что интереснее всего мне будет рассказать о Шукшинских Чудиках. Важно было выстроить в спектакле драматургическое развитие темы, поэтому в конце концов остановился на этих трёх рассказах: «Чудик», «Миль пардон, мадам» и «Думы». С возрастом у Чудиков меняется отношение к жизни, уходит чудаковатость, остается простая и глубокая человеческая тема.
Среди участников как знаковые фигуры современного европейского театра — Ян Фабр, Дени Лаван, Роберто Латини, так и известные в России творческие коллективы театр АХЕ, «брусникинцы» и многие другие. Темы спектаклей этого года крайне разнообразны: от переосмысления классики — «Анны Карениной» Льва Толстого, «Записок покойника» Михаила Булгакова, пьесы «Гамлет-машина» Хайнера Мюллера, до остросоциальных и жизненных тем абьюза, материнства, самоубийства, поиска предназначения, страха одиночества. Приводим полную программу театрального фестиваля. Основная сцена. Режиссер и исполнитель Роберто Латини. По словам режиссера этот спектакль — «это версия версии. Мы сохраняем мюллеровскую структуру, его деление на главы или, скорее, места действия и собираем новую конструкцию, театральный механизм, карусель, на которой встречаются трагедия и комедия». Московский театр «У Никитских ворот» Россия, Москва. Автор и режиссер спектакля Марк Розовский, исполнитель Марина Кайдалова. Марк Розовский предлагает вниманию зрителей современное переосмысление известной пьесы чешского драматурга Карела Чапека «Мать» — монолог женщины, пять сыновей и муж которой сражаются и погибают на войне. Созданная в 1937 году, она стала итоговым произведением в творчестве писателя и произвела на зрителя колоссальный фурор.